10 phim kinh điển về chiến tranh năm 2022

Khi khán giả đang đón chờ bộ phim Da 5 Bloods về chiến tranh về Việt Nam với Ngô Thanh Vân đóng chính, do Spike Lee làm đạo diễn, thì tờ báo uy tín của nước Anh – The Guardian đã điểm lại những bộ phim điện ảnh hay nhất về chiến tranh Việt Nam.

Apocalypse Now(Lời sấm truyền, 1979)

Một cảnh trong bộ phim Lời sấm truyền.

Bộ phim của đạo diễn Francis Ford Coppola được chuyển thể từ tiểu thuyết Heart of darkness (tựa Việt: Giữa lòng tăm tối) của nhà văn Joseph Conrad. Bộ phim tái hiện lại cuộc chiến tàn khốc của quân đội Mĩ tại Việt Nam những năm 1970 cùng những nguyên nhân sâu xa đã khiến quân đội Mĩ gục ngã. Một đội trưởng trẻ người Mĩ tên là Benjamin L. Willard được lệnh phải truy đuổi và giết một vị tướng của mình là Walter E. Kurtz - người đang dần trở nên điên loạn. Vị tướng này giết hàng trăm dân lành vô tội, tiến quân đến vùng biên giới Việt-Campuchia và xây một lãnh thổ kì lạ cho riêng ông ở sâu trong rừng, nơi ông được những người Cam-bốt xung quanh tôn vinh.

Little Girl of Hanoi (Em bé Hà Nội, 1974)

Em bé Hà Nội do nghệ sĩ Lan Hương (hồi nhỏ) thủ vai.

Em bé Hà Nội là một bộ phim của Việt Nam sản xuất và do Hải Ninh làm đạo diễn. Bộ phim khắc họa cuộc sống Hà Nội năm 1972, khi quân đội Hoa Kỳ tiến hành Chiến dịch Linebacker II, ném bom miền Bắc Việt Nam. Nhân vật Ngọc Hà, cô bé 12 tuổi, tìm kiếm gia đình bị thất lạc sau trận bom B52 lịch sử. Ngọc Hà được những người lính tốt bụng giúp đỡ và đoàn tụ với em gái, nhưng mẹ em thì mãi mãi ra đi sau khi cứu các em nhỏ. Có lẽ mục đích quan trọng nhất của bộ phim không phải là “Vinh danh những anh hùng của Hà Nội đã đánh bại đế quốc Mĩ” như lời giới thiệu, mà quan trọng hơn, đây là câu trả lời từ miền Bắc Việt Nam cho Rome Open City – một nghiên cứu năm 1974 về cuộc sống của người dân bị bắn phá, cho thấy góc nhìn nhiều chiều về chiến tranh Việt Nam.

Winter Soldier (Người lính mùa đông, 1972)

Phim tài liệu năm 1972 này tập trung vào một phần của cuộc chiến mà các tác phẩm hư cấu sau này sẽ cố gắng khéo léo và giải thích: những hành động tàn bạo mà lực lượng Mĩ thực hiện đối với dân thường ở Việt Nam. Trong Cuộc điều tra lính mùa đông (được thực hiện vào mùa đông năm 1971), các nhà làm phim trẻ đã dành nhiều ngày để thu hình những lời khai của 200 cựu binh sĩ từng tham chiến ở Việt Nam. Đây là một bộ phim tài liệu cấp tiến.

Full Metal Jacket (Áo giáp sắt, 1987)

Bộ phim do Stanley Kubrick làm đạo diễn. Full Metal Jacket chia làm hai phần: Phần một, theo chân một nhóm tân binh gia nhập trại huấn luyện thủy quân lục chiến Mĩ, với những góc quay thực tế về các phương pháp huấn luyện khắc nghiệt và chủ trương tẩy não các chàng trai trở thành những kẻ lạnh lùng tàn nhẫn; phần hai, theo chân nhóm tân binh trên đã trở thành những thủy quân lục chiến tinh nhuệ sang chiến trường Việt Nam. Và họ đã trở thành chứng nhân nghẹt thở của một trải nghiệm lịch sử đáng nhớ: Cuộc tổng tấn công và nổi dậy Tết Mậu Thân 1968. Full Metal Jacket đã nhận được sự hoan nghênh của giới phê bình và một đề cử Oscar cho Kịch bản chuyển thể xuất sắc nhất. Năm 2001, Viện phim Mĩ xếp bộ phim ở vị trí thứ 95 trong cuộc bình chọn “100 bộ phim hấp dẫn nhất mọi thời đại của điện ảnh Mĩ”.

When the Tenth Month Comes (Bao giờ cho đến tháng mười, 1984)

Một cảnh trong bộ phim.

Việt Nam có rất nhiều bộ phim về chiến tranh xuất sắc, nhưng bộ phim của đạo diễn Đặng Nhật Minh vẫn được coi là một kiệt tác của điện ảnh Việt Nam khắc họa về sự tàn phá của chiến tranh. Diễn viên Lê Vân đã vào vai một người phụ nữ miền Bắc Việt Nam đau đớn, giằng xé không thể chấp nhận cái chết của chồng - người lính Việt Nam chiến đấu. Bộ phim hiện thực và đầy trữ tình đó đã thể hiện những mát mát, đau đớn và những khao khát của người dân Việt Nam.

The Deer Hunter (Người săn nai, 1978)

Một tác phẩm kinh điển của làn sóng mới ở Hollywood, trước cả bộ phim Apocalypse Now nhưng lại thiên về tác hại về đạo đức, tinh thần mà chiến tranh gây ra cho xã hội Mĩ. The Deer Hunter giống như một vở kịch được chia làm 3 hồi, kể câu chuyện về ba người bạn là công nhân thép người Mĩ gốc Nga tham gia lực lượng bộ binh Mĩ và trải nghiệm khủng khiếp của họ trong và sau chiến tranh Việt Nam. Bộ phim cho khán giả cảm nhận sự kinh hoàng của chiến trường Việt Nam, dữ dội và khốc liệt hơn bất cứ một bộ phim chiến tranh nào cho đến thời điểm đó. Không có giới hạn nào trong cuộc chiến này – mọi người, kể cả dân thường lẫn lính tráng, phụ nữ và trẻ em, đều có thể bị bắn hoặc thiêu sống.

Hearts and Minds (Trái tim và khối óc, 1974)

Ảnh minh họa.

Chiến tranh Việt Nam là tâm điển của nhiều cuộc biểu tình của người dân Mĩ chống lại chính phủ của họ trong những năm 1960 và 1970. Bộ phim tài liệu đoạt giải Oscar năm 1975 đã gói gọn tâm trạng này. Đạo diễn Peter Davis tập trung vào chủ đề phân biệt chủng tộc vô nhân đạo của quân đội và chính phủ Hoa Kì khi cuộc xung đột phát triển và khai thác cuộc sống, cảm xúc, trải nghiệm của những con người ở hai đầu chiến tuyến.

The Abandoned Field: Free Fire Zone (Cánh đồng hoang, 1979)

Tiếng nói của điện ảnh Việt Nam phần lớn đã bị át đi bởi vụ những bộ phim bom tấn Mĩ nhưng vẫn có một số điểm nổi bật, chẳng hạn như bộ phim của đạo diễn Hồng Sến sản xuất năm 1979 này, lấy bối cảnh vùng Đồng Tháp Mười, nơi một gia đình đang chống lại các cuộc tấn công của quân đội Mĩ, giữ đường dây liên lạc cho bộ đội. Do hạn chế về nguồn lực (người Mĩ trong phim do diễn viên Việt Nam đóng), song bộ phim vẫn hấp dẫn và sinh động.

Platoon (Trung đội, 1986)

Poster bộ phim.

Thông qua những dòng nhật kí của binh nhì Chris Taylor, phim kể về một trung đội lính Mĩ tham gia chiến tranh Việt Nam đóng quân tại biên giới Việt Nam – Campuchia. Từ lí tưởng cống hiến cho đất nước, sau này những người lính như Chris dần thấy rõ mặt trái của chiến tranh qua những xung đột, mất mát và hi sinh. Có thể nói Platoon kết tinh sâu sắc những trải nghiệm và cảm nhận của nước Mĩ về chiến tranh, khi cuộc chiến đã lùi vào dĩ vãng. Câu chuyện mà đạo diễn Oliver Stone mang đến đã giành giải Oscar cho Đạo diễn xuất sắc nhất và Những thước phim đẹp nhất.

Little Dieter Needs to Fly (Cậu bé Dieter muốn bay, 1997)

Đây là một bộ phim tài liệu Đức-Anh-Pháp sản xuất năm 1997 do Werner Herzog viết kịch bản và đạo diễn. Phim nói về một anh lính người Mĩ gốc Đức, Dieter Dengler ngay từ nhỏ đã có một ước mơ cháy bỏng muốn làm phi công bay khắp mọi nơi. Anh ta gia nhập không quân Hoa Kì tham chiến trong chiến tranh Việt Nam. Trong một chuyến bay xuyên rừng rậm, máy bay đã bị bắn rơi. Dengler bị bắt làm tù binh nhưng ước mơ bay lượn mãi cháy bỏng trong anh, điều đó khiến anh quyết tâm tổ chức cuộc cuộc đào thoát khỏi quân Giải phóng… Bộ phim giành được nhiều giải thưởng như Giải thưởng đặc biệt của Ban giám khảo cho phim tài liệu Quốc tế Amsterdam 1997; Giải thưởng IDA, Hiệp hội phim tài liệu quốc tế 1998…

HIÊN NGỌC theo The Guardian

VNQD

Chiến tranh. Nó tốt cho cái gì? , Nếu không có gì khác, thì một mẫu gọn gàng cho điện ảnh: xung đột, nhân vật chính và nhân vật phản diện, cảm xúc cao và một bầu không khí không thể đoán trước, không thể đoán trước được Các nhà làm phim có thể khám phá những người đàn ông ở cả tốt nhất và tồi tệ nhất của họ. Và đừng nhầm lẫn, bộ phim chiến tranh hầu như luôn luôn là về đàn ông.

Nó là người nam tính nhất của các thể loại, thực tế là quân đội có trong suốt lịch sử thường hầu như chỉ là nam giới nhìn thấy rằng đàn ông hầu như luôn thống trị những điều này. Nó là một thể loại nhấn mạnh hành động và giận dữ hiện sinh. Nó cũng là một thể loại dễ uốn nắn, và một thể loại có thể bao gồm rộng rãi tất cả các loại phim mà cuối cùng chúng ta đã loại trừ việc chạy trong danh sách này.

Với Top 100 này, chúng tôi đã đưa ra quyết định chỉ bao gồm các bộ phim có cuộc chiến dựa trên các cuộc xung đột lịch sử, vì vậy không ai trong số những người như Edge of Tomorrow hay Starship Troopers. Chúng tôi đã chọn những bộ phim liên quan đến những người lính, liên kết và chiến tranh trực tiếp, có nghĩa là những bộ phim thời chiến chủ yếu tránh xa xung đột, thường được nói phần lớn hoặc độc quyền từ quan điểm dân sự, một thể loại bao gồm các tác phẩm kinh điển như cần cẩu đang bay và hy vọng & vinh quang, Grave of the Firefly và Forbidden Games, không bị cắt. Các bộ phim truyền hình sau chiến tranh, như tro cốt và kim cương và Đức, năm 0, cũng như các bộ phim tham chiến chỉ trong một phần thời gian chạy, chẳng hạn như từ đây đến vĩnh cửu và sinh ngày thứ tư của tháng 7, cũng bị loại trừ.

Một số lựa chọn khó khăn đã được thực hiện dựa trên những gì thực sự cấu thành một bộ phim chiến tranh của người Viking. Các bộ phim truyền hình kháng chiến trong danh sách này, nhưng Casablanca không xuất hiện. Tương tự như vậy, Robert Bresson, một người đàn ông đã trốn thoát và Sidney Lumet, The Hill. Cuối cùng, người ta đã quyết định rằng cuộc chiến là một yếu tố ngoại vi trong những bộ phim này. Mặt khác, trong khi cả phương Tây The Good, The Bad và The Ugly và BioPic Trò chơi giả đặc trưng nổi bật, họ, như Casablanca (một câu chuyện tình lãng mạn với các yếu tố kinh dị và phim kinh dị) cộng với một người đàn ông trốn thoát và Hill (cả hai bộ phim nhà tù) , thuộc về rõ ràng hơn cho các thể loại khác. Chúng tôi cũng quyết định không bao gồm các bộ phim tập trung vào Holocaust ở đây; Chúng được thiết lập để xuất hiện trong một tính năng khác hoàn toàn.

Liên quan đến các bộ phim có tính năng ở đây: 100 trận mưa đá của chúng tôi từ khắp nơi trên thế giới. Những bộ phim này đã được phát hành gần đây như năm ngoái và từ năm 1930. Chúng từ hài hước đến bừa bộn, hành động đóng gói đến lặng lẽ, tự hào gung-ho đến phản chiến sâu sắc. Chúng là một bộ phim đa dạng; Họ cũng xứng đáng được gọi là 100 bộ phim chiến tranh vĩ đại nhất từng được thực hiện.

100. Giáng sinh vui vẻ, ông Lawrence (1983)

Giám đốc: Nagisa Oshima Nagisa Oshima

Giáng sinh vui vẻ, ông Lawrence có thể là bộ phim đầu tiên đối đầu và sau đó cố gắng hiểu được sự hoàn hảo của sự quyến rũ của David Bowie. Khá vững chắc là một siêu sao vào thời điểm này và đã có kinh nghiệm diễn xuất, Bowie đóng vai chính Jack Celliers, một sĩ quan người Anh vô tư bị người Nhật bắt giữ trong Thế chiến II và được gửi đến một trại POW trên Java do Thuyền trưởng Yanoi giám sát (Ryuichi Sakamoto , một nhạc sĩ huyền thoại theo cách riêng của mình, người cũng cung cấp điểm số neon làm háo hức của bộ phim). Yanoi đấu tranh để đàn áp nỗi ám ảnh của anh ta với tù nhân mới này, biết rõ hình phạt nghiêm khắc đang chờ đợi bất kỳ hoạt động đồng tính nào theo mã Bushido nghiêm ngặt của quân đội. Giáng sinh, ông Lawrence là một bộ phim thầm lặng, chưa được ghi nhận và hiếm khi hưng cảm: Những cảnh quay dài lang thang trên doanh trại đầy bẩn thỉu, suy sụp và đôi khi bị phá hủy, nhưng luôn luôn tìm đường trở về Bowie giống như Saint Wit và bi kịch, có ý nghĩa trong khi máy ảnh mất đi mọi microgesture của mình. SINHDOM Sinacola

99. Ngày vinh quang (2006)

Giám đốc: Rachid Bouchareb Rachid Bouchareb

Hoàn cảnh ít được thảo luận của những người lính Bắc Phi bị đối xử xấu, những người dũng cảm đã chiến đấu cho các lực lượng Đồng minh trong Thế chiến II (và sau đó đã bị từ chối lương hưu mà họ có quyền đúng) là chủ đề của đạo diễn Algeria-Algeria Rachid Bouchareb của vinh quang, Điều đó liên quan đến cách những người Algeria nghèo khó hoàn toàn phải đối mặt ở nhà đã thúc đẩy họ tham gia chiến dịch quân sự Pháp chống lại Đức quốc xã. Tuy nhiên, một khi được tuyển dụng, những người đàn ông được chơi bởi một bộ tứ các diễn viên bao gồm Amelie, Jamel Debbouze, để không để điều trị phân biệt đối xử bằng đồng thau của quân đội dập tắt lòng yêu nước của họ đối với quê hương. Kháng chiến của họ là táo bạo và biến đổi khi đối mặt với không chỉ định kiến ​​thể chế mà còn cả cuộc chiến ảm đạm mà Bouchareb thực tế và tàn bạo. Một bài học lịch sử, cả quan trọng và có lợi cho tất cả chúng ta. Nhập cảnh

98. 84 Charlie MoPic (1989)

Director: Patrick Sheane Duncan

Like many an embedded Vietnam War doc, 84 Charlie MoPic follows a unit of homesick GIs into the jungle, where things subsequently go south, and the ensuing chaos is bottled in the half-heard, half-seen footage captured by the cameraman. Only Patrick Sheane Duncan’s MoPic isn’t a documentary at all, but one of the pioneering examples of the found-footage movie. One sees in it why the subgenre has since become basically exclusive to the horror genre—the idea that we’re watching something shot by the missing (presumed dead) is inherently unsettling and immediately introduces a crucial element of suspense. The story (a Long Range Reconnaissance Patrol scopes out North Vietnamese Army territory) is perfunctory; with 84 Charlie MoPic, a Vietnam vet filmmaker uses the pseudo-doc technique to invoke something like the shuddering fear the soldier on the ground in that war must have felt. —Brogan Morris

97. Hacksaw Ridge (2016)

Director: Mel Gibson

More or less, every film Mel Gibson has made as a director from Braveheart onwards has been a Christian parable with splatter, each one (particularly, obviously, The Passion of the Christ) about a common Chosen One offering himself as a sacrifice for the good of mankind. Gibson’s latest, the schizophrenic WWII drama Hacksaw Ridge—half cornball melodrama, half ultra-violent action movie—is a bloodthirstily reverential bio in the same mould. Its subject, conscientious objector Desmond Doss (played with saintly sincerity by Andrew Garfield), a Seventh-day Adventist who won the Medal of Honor despite never carrying a weapon into combat, might not have approved of Gibson’s gore-hungry style, but the director’s way with battle scenes in the second half of the film is undeniable as cinema. Once it enters the Pacific Theater, and Doss’ regiment sets up camp on the heavily fortified Okinawa, Hacksaw Ridge is all Sturm und Drang, a visceral depiction of war like no other. —Brogan Morris

96. Savior (1998)

Director: Predrag Antonijevic

The film begins with our protagonist shooting a group of Muslims at prayer. Unwilling to face justice, this same man then joins the French foreign legion and becomes a mercenary for hire in the Bosnian War of the early-to-mid-’90s. Savior may feature a square-jawed American star in the lead, in the form of a rarely better Dennis Quaid, but director Predrag Antonijevic is keen to establish from the opening scenes that his movie is no Hollywood-ized take on Europe’s last major war (a war which the Serbian Antonijevic saw up close). As he escorts to safety a young woman, pregnant after being raped by enemy soldiers, Quaid’s “Guy” is witness to atrocities that barely make sense in a modern Western setting: smiling children lobbing grenades at unsuspecting infantry; a soldier cutting the finger off an elderly woman’s hand so he can snatch her ring; a humongous Croat executing a line of his former Yugoslav countryfolk, clubbing them over the head with a range of domestic tools. Only in a war like this one, even more senselessly barbaric than his own crime, could someone like Guy find redemption. —Brogan Morris

95. Stalingrad (1993)

Director: Joseph Vilsmaier

One of the most costly battles of the Second World War gets appropriately unflinching treatment in Joseph Vilsmaier’s Stalingrad, a German counterpart to 2001’s Russian sniper drama Enemy at the Gates. From this side, there is no pride wrapped up in fighting Stalin’s great battle—only, initially, complacency and arrogance after the Third Reich has dominated Europe for so long, then later, a gradual, horrifying deflation as the ever-shrinking remnants of Lieutenant Hans von Witzland’s (Thomas Kretschmann) platoon realize the only way they’re leaving the Russian stronghold city is through their own demise. For over two hours, we watch them die in repeated infantry assaults, by sniper fire, in a tank attack, and—eventually, as winter sets in—through illness, starvation, mutinous friendly bullets and the unrelenting cold. By the end, Vilsmaier’s film is a slog, but then it probably shouldn’t be anything else. —Brogan Morris

94. American Sniper (2014)

Director: Clint Eastwood

For some it’s too many caveats, but uncertain politics, historical revisionism and obvious fake baby aside, American Sniper is still one of the very few great fiction films to be made about any of America’s post-9/11 wars. Directed by (the anti-war) Clint Eastwood, the adaptation of the autobiography of deadliest sniper in U.S. history Chris Kyle (Bradley Cooper) is punishingly tense in its Iraq-set battle scenes, the octogenarian filmmaker proving he can still fine-tune an action sequence, and subtly moving whenever it’s back on U.S. soil. It’s in the scenes of quiet Texas domesticity, the sounds of war still playing out as Kyle sits alone at a bar or absent-mindedly watches a blank TV screen at home, that Bradley Cooper emerges as the film’s MVP. He plays Kyle with a sensitivity and restrained anguish that perhaps doesn’t represent who the real Kyle actually was, but whatever the veracity of the depiction, it’s a gently stunning portrait of the emotional paralysis soldiers can suffer upon returning home from an unnatural situation. —Brogan Morris

93. Kelly’s Heroes (1970)

Director: Brian G. Hutton

Kelly’s Heroes is a mess of conflicting styles. This daft, odd trifle is a heist movie, a comedy and a western set in WWII-era France, with Clint Eastwood playing a khaki’d Man With No Name, Don Rickles doing his wiseguy shtick and Donald Sutherland acting like he’s time-travelled in from the Summer of Love to play a spaced-out tank commander. All these awkward elements flesh out the bones of a straightforward men-on-a-mission movie, wherein a team of rogues led by Telly Savalas’ sergeant and Eastwood’s laconic Pvt. Kelly carry out the robbery of Nazi gold inside enemy territory. The brash strangeness of the conceit is a big part of why Kelly’s Heroes is so enjoyable—not tied down by anything like realism or tonal consistency, it’s an enthusiastic grab-bag of ideas, with director Brian G. Hutton reveling in destroying his sets like a kid wrecking his playset. It’s a cartoon done live-action, with war as a romp, the backdrop to an escapade without consequences. —Brogan Morris

92. Trial on the Road (1971)

Director: Aleksei German

Enfant terrible of Soviet cinema Aleksei German made a hell of an impression with Trial on the Road back in the day—at least with Russian government officials, who were so incensed by his sophomore effort that they banned it for 15 years. Presumably they disliked the harsh tone and wretched violence, as well as the moral gray zone that the film proudly resides in, wherein a Russian who fought for the Nazis under duress might be deserving of and ultimately earn redemption by rejoining the anti-German partisans—all the elements that make Trial on the Road so memorable. It’s a hybrid: a thoughtful and offbeat arthouse film in black-and-white that also has ambitions to be an action movie, led by the inscrutable, Charles Bronson-esque Vladimir Zamansky. It’s gloomy and sad, and ends with a bullet-riddled finale at a German-held trainyard that any Hollywood action director could be proud of. —Brogan Morris

91. Waterloo (1970)

Director: Sergei Bondarchuk

There’s a feast of pre-CGI spectacle on offer in Sergei Bondarchuk’s epic 1970 undertaking Waterloo, which took all the money and might that the Soviet Union and super-producer Dino De Laurentiis together could muster to recreate one of Europe’s most famous skirmishes. Courtesy of Brezhnev’s Russia, the production had at its disposal acres of engineered land and, as extras portraying British, French and Prussian forces, 17,000 of the country’s infantry and cavalry—or, to put it another way, what was said at that time to be the seventh largest army in the world. The film proudly displays its assets in breathtaking widescreen during its chaotic, almost hour-long battle sequence, but still somehow manages to strike a balance between opulent war movie and double character study of two legendary figures. Christopher Plummer plays the Duke of Wellington as a smarmy aristo who enjoys war like a board game, while Rod Steiger is a Napoleon gone to seed, the former military golden boy now an overweight middle-aged man in failing health, showing signs of manic-depression and desperately clinging on to what power he has left as Emperor. —Brogan Morris

90. Restrepo (2010)

Director: Tim Hetherington, Sebastian Junger

Filmed in Afghanistan’s Korengal Valley during however interminable months it took for a small company of American soldiers to take back inches of that territory from the Taliban and establish the titular outpost, named after their fallen friend, photojournalist Tim Hetherington and journalist Sebastian Junger keep their documentary hyper-focused on the quotidian of the War on Terror. Alternating pointlessly but predictably between long bouts of boredom and spurts of graphic violence, the lives of the soldiers are drained every passing day of all sense of purpose while the lives of both the people of Afghanistan and the Taliban enemy become, more and more, abstractions—to the point that, in a scene following an especially harrowing loss, the soldiers greet a Taliban fighter’s death as one would a villain’s end in a Zack Snyder movie. In Restrepo, death is real until it’s not, the reality of the soldiers’ time in Afghanistan rarely making sense the more they try to accept it. —Dom Sinacola

89. Hamburger Hill (1987)

Director: John Irvin

Flanked as it was by two mega hit Vietnam movies—Oliver Stone’s Oscar darling Platoon and Stanley Kubrick’s acclaimed Full Metal Jacket—1987’s Hamburger Hill had a hard time making an impact. Critics and audiences of the time shrugged, but on reflection the film today seems like a natty forerunner to Black Hawk Down, a no-nonsense, almost apolitical grunt’s-eye view of combat on alien soil. The “why” of the war at ground level matters little to the mostly poor (and disproportionately black) conscripts who make up the American side; as in Black Hawk, the chief concern in the heat of the moment is kill or be killed. Following a brief introduction to a platoon of regular joes, obsessed with music, women and counting the days until the end of service, we watch as heads are blitzed by machine gun fire and bodies disappear from the shock of tree-bound explosives—and all for the sake of capturing a hill of little-to-no strategic value. Platoon argued that “the first casualty of war is innocence.” Hamburger Hill, a meat and potatoes war movie, counters that the only casualties are the unlucky ones who fail to make it out alive, plain and simple. —Brogan Morris

88. Fury (2014)

Giám đốc: David Ayer David Ayer

Thay vì miêu tả những ngày kết thúc của một cuộc xung đột (trong trường hợp này, đó là tháng 4 năm 1945, và chúng tôi đang mạo hiểm sâu vào Đức với phi hành đoàn của một chiếc xe tăng Sherman có biệt danh là Fury) như một thời gian để ăn mừng, David Ay Đây là giờ tuyệt vọng nhất của người lính, với các cựu chiến binh kiệt sức chỉ chiến đấu với các tổ chức cuồng tín và cố gắng sống sót qua những gì Little War còn lại. Các nhân vật chính của chúng tôi nhận thức được về tình huống của họ làm cho bức tranh mệt mỏi, một cảm giác được kết hợp bởi cách tiếp cận khó của Ayer. Fury là một trong những bộ phim chiến tranh tàn bạo nhất ra khỏi hệ thống studio, đã được chứng minh trong bạo lực gây sốc của nó (người đứng đầu bị biến mất bởi vỏ xe tăng, các tù nhân Đức bị đánh cho đến khi chúng không còn là con người nữa) nhưng có lẽ được minh họa tốt nhất bởi sự yên tĩnh nhất của nó Cảnh: Các cựu chiến binh của The Fury, tất cả ở các mức độ khác nhau đang vật lộn với PTSD trong thời gian mà không ai thực sự hiểu đó là gì, Regale cho người mới Logan Lerman một câu chuyện về kinh dị D-Day trong bữa tối. Bị vùi dập về mặt cảm xúc sau ba năm trên đường, chúng ta thấy không ai trong số những người đàn ông này hoàn toàn biết cách xử lý những gì họ đã làm, và tất cả đều nhận thức được rằng họ có thể không bao giờ hiểu được sự bình thường nữa. Mạnhbrogan Morris

87. Sands of Iwo Jima (1949)

Giám đốc: Allan Dwan Allan Dwan

Theo người vợ thứ ba của John Wayne, sau khi anh bỏ lỡ dịch vụ ở WWII (điều mà cộng tác viên thường xuyên và cựu chiến binh WWII John Ford sau đó sẽ đánh bại nam diễn viên trên trường quay của họ), Wayne đã trở thành một người siêu phàm . Tâm lý học rõ ràng từ tất cả các bộ phim Jingoistic không phù hợp mà Wayne đã đăng ký cho sau chiến tranh, một trong những bộ phim hay nhất là Sandan Dwan của Iwo Jima, một chiếc nút chai có ngôi sao được chia thành 40 phút huấn luyện và liên kết một cách Giờ chiến đấu trên đảo đang bùng nổ. Như Sgt. Stryker, Wayne đóng vai nhân vật mang tính biểu tượng nhất của mình: Người đàn ông khó tính và bí mật, người đàn ông, người riêng tư có tình cảm với quân đội trong mệnh lệnh của mình, người mà anh ta đã chuẩn bị để dồn dập thành công. Nửa đầu, Stryker xây dựng chúng; Nửa sau, anh ta từng người một con trai của mình chết, họ luôn làm anh hùng, nỗ lực của họ rất cần thiết cho hoạt động của cỗ máy Chiến tranh Mỹ khổng lồ luôn tiếp tục tiếp tục qua các bộ hỗn loạn ấn tượng của Dwan. Mạnhbrogan Morris

86. Con thú (1988)

Giám đốc: Kevin Reynolds Kevin Reynolds

Không có ngoại lệ đối với quy tắc rằng tất cả các bộ phim xe tăng phải đưa các đoàn làm phim của họ vào những hành trình hiện sinh khủng khiếp, The Beast là một bộ phim studio của thập niên 80 với một trái tim khắc nghiệt, phản chiếu. Nó nhìn vào cuộc xâm lược Afghanistan của Nga từ phía Đỏ, và đề xuất rằng cuộc xâm lược không chỉ là một thất bại của kế hoạch xấu và không đủ thiết bị, mà còn suy giảm lòng yêu nước trong một đội quân Liên Xô đã cạn kiệt bởi nhà nước cộng sản thất bại. Được đạo diễn bởi Kevin Reynold, của Waterworld Infamy, bộ phim không có gì đáng ngạc nhiên khi bất ngờ và cáu kỉnh, nhưng không giống như điều đó Flop the Beast không phải là sự nuông chiều tối đa. Giống như George Dzundza, ở đây trong hình dạng tốt nhất trong sự nghiệp của anh ấy với tư cách là Chỉ huy T-55, Grim Grim, con thú là nạc và ủ rũ. Về ngân sách, Reynold cung cấp một bầu không khí kỳ lạ và một số hình ảnh không thể xóa nhòa: phi hành đoàn của The The Beast Hồi lái xe vào trận chiến trong thiết bị chiến tranh steampunk-esque; Chiếc xe tăng Ăn một vòng lửa trong đêm và vô tình nấu một đàn dê; Một kẻ nổi loạn Afghanistan đã nghiền nát bên dưới đường ray của T-55 vào con người. Nó rất nhẹ, nhưng nó đọng lại. Mạnhbrogan Morris

85. Zulu (1964)

Giám đốc: Cy Endfield Cy Endfield

Mỗi bộ phim chiến tranh, trong việc áp dụng quan điểm của một bên của một cuộc xung đột như hầu hết, phi nhân hóa kẻ thù ở một mức độ nào đó. Có phải Zulu, bắt đầu với một bài hát và điệu nhảy của bộ lạc được thực hiện bởi Zulu Extras nhưng sau đó làm giảm những bộ lạc này thành Fodder Cannon không suy nghĩ, phạm tội của điều này nhiều hơn hầu hết? Cuộc tranh luận sẽ tiếp tục về việc liệu bộ phim chiến đấu Jingoistic của Cy Endfield có hay không cũng là phân biệt chủng tộc; Điều mà không thể chối cãi là sự tái hiện của Endfield về việc bảo vệ Rorke, trôi dạt bởi 150 binh sĩ Anh từ 4.000 Chiến binh Zulu đang khuấy động điện ảnh hành động. Nằm gần như hoàn toàn vào một trạm truyền giáo Barebones ở thuộc địa của người Anh, đó là một bộ phim đơn địa điểm làm cho tối đa giới hạn của nó: các quan điểm (của các ngọn núi Nam Phi xung quanh của địa điểm) là một cách đáng kinh ngạc, các chuỗi trận chiến bị xúc phạm Và tuyệt vọng, và có một màn trình diễn ngôi sao chính đáng của Michael Caine, như một sĩ quan có hiệu quả, có tựa đề chịu áp lực tốt. Nếu thậm chí có khả năng làm phim tấn công vẫn có thể là nghệ thuật, thì Zulu phải là một kiệt tác nhỏ của Brit. Mạnhbrogan Morris

84. Đất đai và Tự do (1995)

Giám đốc: Ken Loach Ken Loach

Những bộ phim về Nội chiến Hoa Kỳ và Cách mạng Nga rất nhiều, nhưng rất ít người đã được thực hiện về Nội chiến Tây Ban Nha, một cuộc xung đột tiền thân với Thế chiến II, trong đó gần nửa triệu người đã bị giết trong hơn hai năm. Vùng đất và sự tự do của Ken Loach có thể giúp giải thích sự thân yêu của các bộ phim về chủ đề này: Thông qua câu chuyện của David Carr (một Ian Hart tuyệt vời không phải là người Anh), một người cộng sản người Anh đã đến Tây Ban Nha để chiến đấu với phát xít của Franco, chúng ta biết điều này không phải là Cuộc chiến tốt của anh hùng và nhân vật phản diện rõ ràng. Câu chuyện David David bắt đầu một cách lãng mạn ở những ngọn đồi Tây Ban Nha mơ hồ, giải phóng những thị trấn nhỏ với một bộ sưu tập máy bay chiến đấu chống Pháp ragtag, nhưng chủ nghĩa lý tưởng của ông đang dần bị dập tắt bởi thực tế của một cuộc chiến phức tạp. Dân quân Marxist phải đối mặt với kẻ thù không chỉ từ bên phải, mà từ bên trái và trung tâm, từ các linh mục làng cầm súng trường mong muốn duy trì hiện trạng và những người theo chủ nghĩa Stalin quyết tâm nghiền nát bất kỳ phe phái xã hội nào mà họ coi là thù địch với sự nghiệp của Liên Xô. Đó thường là những thứ mô hành từ loach, người đã loại bỏ những đức tính của chủ nghĩa xã hội trong khi lao động điểm (khá rõ ràng) rằng chủ nghĩa phát xít và chủ nghĩa Stalin là xấu, nhưng bộ phim bỏ qua nó thuộc về một thế giới phức tạp như vậy. Mạnhbrogan Morris

83. Một cây cầu quá xa (1977)

Giám đốc: Richard Attenborough Richard Attenborough

Đó là một sự kỳ quặc trong số các bộ phim WWII: một dàn diễn viên đầy sao và một ngân sách khổng lồ, được đạo diễn Richard Attenborough tích lũy để tôn vinh một trong những thất bại quân sự khổng lồ của Thế chiến II. Mặt trái đến ngày dài nhất, một cây cầu quá xa là câu chuyện về cách các đồng minh đặt cược lớn khi chiến thắng cuộc chiến vào Giáng sinh, năm 1944, và sau đó đã khiến hàng ngàn người thiệt mạng, bị thương hoặc bị bắt trên khắp Hà Lan. Bắt đầu như một cuộc phiêu lưu, được tổ chức bởi Bally-ho Brits và Spunky Yanks (bao gồm Michael Caine, Elliott Gould và một chiếc Fox Edward Mighty), bộ phim Attenborough, nhanh chóng phá hủy một loạt các giai thoại Glum về sự vô ích của chiến tranh. Đội quân tàu lượn của Anthony Hopkins, được gặp sau các đường kẻ thù không phải bởi những người đàn ông và trẻ em già được dự đoán, mà bởi các lực lượng của Đức cao cấp; Công ty nhảy dù của Robert Redford, đang bị tàn phá khi bắt một cây cầu với những chiếc thuyền bị rò rỉ; Và Gene Hackman, Đại tướng Ba Lan, được đối xử tuyệt vời bởi một người theo đồng minh tự hài lòng, bị buộc phải theo dõi vì đội quân người Ba Lan tự do của anh ta bị tàn sát đúng như dự đoán. Trong khi chỉ huy Đức ở Hà Lan, trong một bộ phim hài đen, nhiều lần khẳng định các đồng minh phải có kế hoạch bí mật lên tay áo của họ, bởi vì họ không thể bị câm hoặc đủ liều lĩnh để cố gắng. Mạnhbrogan Morris

82. Red Cliff (2008)

Giám đốc: John Woo John Woo

Quay phim cuốn tiểu thuyết Trung Quốc Romance của ba vương quốc gồm 2.000 trang giống như cố gắng nói với tất cả Shakespeare tựa Henry trong một bộ phim. Có những trận chiến đang ở trên một quy mô lớn, những chiếc armadas hải quân vô tận chen chúc trên sông Dương Tử, chiến lược quân sự của Labyrinthine, các nghi lễ trà phức tạp và một diễn viên đủ lớn để khiến Robert Altman đổ mồ hôi. Những thách thức của tài liệu nguồn làm cho sự thích nghi của John Woo, Red Cliff, tất cả đều ấn tượng hơn. Bộ phim (hai giờ hai giờ) có thể có chút giống với tác phẩm trước đây của Woo, nhưng cốt lõi của nó, đó là sự phóng đại của các ý tưởng và chủ đề yêu thích của anh ấy, với sự dũng cảm và xảo quyệt được đánh giá cao hơn tất cả Sức mạnh và sâu sắc. Woo cũng bùng nổ bạo lực thương hiệu của mình về quy mô: không chỉ một vài cảnh sát bắn vào nhau, mà hàng ngàn binh sĩ tấn công bằng giáo, mũi tên, cây gậy, kiếm và một loạt các công cụ cùn, hành động rõ ràng, ngắn gọn, đôi khi thanh lịch, Ngay cả khi máu bắn tung tóe trên ống kính camera. CấmStephen M. Deusner

81. Bravelove (1995)

Giám đốc: Mel Gibson Mel Gibson

Mặc dù có một danh sách giặt là các sự kiện thay thế lịch sử, nhưng Mel Mel Gibson, năm 1995, sử thi chiến tranh thời trung cổ từng giành giải Oscar, không thể nghi ngờ, một nỗ lực điện ảnh hoàn toàn khuấy động. Điều này chủ yếu là do chính Scotland; Kỹ xảo điện ảnh của John Toll, nắm bắt vùng cao và vùng thấp tươi tốt của đất nước, là những gì thực sự làm cho Bravelove trở nên đáng nhớ, đặc biệt là sự tàn bạo chống lại sự tàn bạo hoàn toàn của chiến đấu cận chiến. (Gibson chắc chắn không ngại thể hiện những gì xảy ra khi những người lính đưa rìu đến bầu trời. lưu vong ở Pháp trong nhiều năm sau trận chiến Stirling trước khi anh ta bị xử tử sẽ là một cuộc bán hàng khó khăn trên màn ảnh rộng. Vì vậy, những gì mà nó thực tế là một sự chế tạo của một cuộc xung đột và con người thực sự? Nó cũng là một địa ngục của một bộ phim chiến tranh giải trí. Cấmscott wold

80. Fixed Bayonets! (1951)

Director: Samuel Fuller

Until he was given something approaching a sizable budget for The Big Red One in 1980, WWII vet Samuel Fuller was forced to tell his war stories with little funding on the tiniest of canvases. Of all Fuller’s B war pictures, Fixed Bayonets! is the smallest—it’s set during the first winter of the Korean War at a U.S.-guarded mountain checkpoint, or quite clearly a small studio lot filled with fake snow—but as with the rest of Fuller’s movies, the filmmaker’s anthropological interest in his characters, sharp action and intelligent social commentary help the film transcend its confines. There are unpredictable, camera-shuddering firefights; there are excruciating trips through a minefield; there’s the growing tension of a responsibility-averse corporal (Richard Basehart) falling up the chain of command as his superiors are offed one by one by the enemy. It’s a cheap film with more brains and excitement than most movies made for 20 times the money. —Brogan Morris

79. Casualties of War (1989)

Director: Brian De Palma

Take a true-life story of a group of GIs kidnapping, raping and murdering a village girl at the height of the Vietnam War, then re-tell it via the effortless popcorn style of Brian De Palma, and what’s left still can’t help but be a nasty film about a supremely nasty incident. That De Palma’s filmmaking remains typically showy even here makes Casualties of War a queasier ride than it would be minus the flash, and the director makes some questionable decisions in adaptation, like turning the murder into a thrilling action sequence and conjuring up an out-of-sync happy ending. Whatever missteps the film makes, Casualties is still overwhelmingly, unshakably shocking. Not simply a look at just how warped ’Nam got for innocent Vietnamese bystanders and for dangerously desensitized Americans, the film is also a lesson in toxic social psychology, with Michael J. Fox’s meek private attempting to talk his comrades out of their would-be crime, and being out-argued by a repulsively charismatic Sean Penn every step of the way. —Brogan Morris

78. They Were Expendable (1945)

Director: John Ford

From the opening credits, which includes military rank alongside names, it’s clear how They Were Expendable has the edge on most war movies. Actor Robert Montgomery, an officer in the U.S. Navy during the D-Day landings, plays the resilient PT boat commander hero; Frank Wead, a naval veteran of both the First and Second World Wars, writes; and John Ford, wounded at the Battle of Midway whilst making one of his many documentaries for the war department, directs. Such direct experience makes for a film about the war at sea that was about as realistic as one could get from Hollywood in 1945. The combat scenes are spectacular, propulsive sea battles shot out in the waters of the Florida Keys, but Ford has more time for exploring the psyches of his characters. As his lieutenant delivers a eulogy for a fallen comrade, even John Wayne proves himself capable of some real emotional heavy lifting. —Brogan Morris

77. Letters from Iwo Jima (2006)

Director: Clint Eastwood

In 2006, Clint Eastwood released two war movies, one entirely expected—Flags of Our Fathers, the soggy, corn-fed story behind the iconic raising of the American flag at the battle of Iwo Jima—and another that didn’t read like an Eastwood pic at all. Letters From Iwo Jima is a humanist Japanese-language drama about that battle’s losing side, set largely during the buildup to attack, taken from the perspective of the sensitive Japanese general running the show (an extraordinary Ken Watanabe). And so a filmmaker so closely associated with American stories made one of the great Japanese war movies, closer to meditative Japanese cinema than to his own usual style, and near entrancing in its depiction of soldiers ritualistically preparing for an invasion they know will end in their deaths. With everything bathed in a green-and-tan sepia, Eastwood’s martyrs poignantly already look like long-gone relics. So long the faceless villains in Hollywood’s movies about the Pacific Theater, Eastwood contends that the Japanese grunts of WWII hated Iwo Jima, feared dying and had their own banal life concerns just like the soldiers on the other side. —Brogan Morris

76. The Sun (2005)

Director: Aleksandr Sokurov

An unofficial companion piece to Downfall, Oliver Hirschbiegel’s recreation of Hitler’s final days in his Berlin bunker, Alexander Sokurov’s The Sun offers a woozy snapshot of the pampered, odd, lonely life of Emperor Hirohito as WWII comes to a close for Japan. It’s a war film in which we see no actual war, only the aftermath, when Hirohito is finally escorted from his own bunker through a bombed-out Tokyo to discuss peace with General MacArthur. Until then, we only hear bombs falling outside the fortified palace where Hirohito writes poetry, conducts scientific research and ponders out loud why he was urged to back a likely unwinnable war in the first place. Slow and surreal, The Sun is less accessible than its German counterpart, though it matches Hirschbiegel’s film for the quality of leading man. Issei Ogata gives an astonishing performance as Hirohito, painting a portrait of someone turned eccentric by years of isolation and coddling, a “living god” whom the occupying American forces come to regard as though some rare bird. In one scene, U.S. soldiers take photos of Hirohito during one of his infrequent public appearances. The soon-to-be abdicated Emperor, child-like, responds to requests for poses by putting on a Chaplin-esque show. —Brogan Morris

75. Che (2008)

Giám đốc: Steven Soderbergh Steven Soderbergh

Steven Soderbergh trong bộ phim tiểu sử của Che Guevara, thực sự là một dự luật hai bộ phim tập trung vào hai chiến dịch quân sự cách mạng, một trong những chiến dịch của anh ấy đã tạo nên tên tuổi của anh ấy và là một câu chuyện về cuộc sống của anh ấy là một câu chuyện về chiến tranh du kích trong hai phần. Phần một, người Argentina, là một tài khoản đầy màu sắc, đầy màu sắc của Cách mạng Cuba, và phần hai, Guerilla, một người ảm đạm, cầm tay với cuộc cách mạng Bolivian Bolivian đã cam chịu năm 1967. Trước đây là một câu chuyện về người lính trong chiến thắng, Với phong trào ngày 26 tháng 7 chiến thắng các cuộc đụng độ chống lại các lực lượng chính phủ, trong khi sau đó, một dự án Terrence Malick là một chuyên luận về cái chết, một câu chuyện nghiệt ngã về chủ nghĩa duy tâm bị phá vỡ trên những con dốc bụi bặm của Bolivia, khi Guevara và một ban nhạc không ngừng của Các chiến binh được chọn bởi quân đội chống nổi dậy do CIA ủng hộ. Benicio del Toro Towers trong dự án với tư cách là cậu bé áp phích Rebellion, trong khi mô tả chiến đấu của Soderbergh gần như chống lại: bối rối, bị rút ra và về cơ bản là khéo léo. Mạnhbrogan Morris

74. Đi bộ dưới ánh mặt trời (1945)

Giám đốc: Mốc Lewis Lewis Milestone

Có vẻ như cuộc chiến này không có gì khác ngoài việc chờ đợi, người kể chuyện của Intones Burgess Meredith ngay từ đầu trong cột mốc Lewis, bộ phim truyền hình WWII đã đi bộ trong Mặt trời. Sự chờ đợi là những gì bộ phim nhấn mạnh: những khoảnh khắc dài, buồn tẻ xuất hiện giữa các chuỗi hành động mà hầu hết các bộ phim chiến tranh đều thưởng thức. Bất kỳ cuộc chiến nào xảy ra trong bộ phim Milestone đều ngắn gọn, hoặc diễn ra ngoài màn hình, được nghe từ xa hoặc được thảo luận là tin đồn của những người phục vụ chán nản. Bản phản đề đối với tất cả những gì được cho là làm một bộ phim chiến tranh vào năm 1945, một cuộc đi bộ trong chuyên ngành Mặt trời là không hành động. Thay vào đó, giải trí xuất phát từ những cuộc trao đổi Jocular về nhà hoặc quân đội không ăn được mà những người đàn ông của Bộ binh 36, như Lloyd Bridges, có thể tự ái. Rivera thông minh của Ward và Richard Conte, Rivera, sử dụng để vượt qua thời gian trên chuyến đi xâm lược xuyên quốc gia của họ qua vùng nông thôn nước Ý. Chờ đợi một nửa rưỡi là đủ để đưa người xem vào cảm giác an toàn sai lầm trước khi đột nhiên một trận chiến cuối cùng tìm thấy chi phí khổng lồ cho lợi ích không đáng kể, một sự hy sinh từ bộ phận Texas Texas đối với một mục tiêu không đáng kể, nó thậm chí sẽ không làm cho cuốn sách lịch sử. Mạnhbrogan Morris

73. Người cuối cùng của Mohicans (1992)

Giám đốc: Michael Mann Michael Mann

Trên một trong nhiều cuộc vui của mình trong lịch sử Hoa Kỳ, Daniel Day-Lewis dừng lại vào năm 1757 giữa Chiến tranh Pháp và Ấn Độ ở Michael Mann, người cuối cùng của Mohicans, đóng vai một người đàn ông da trắng được nuôi dưỡng bởi một thủ lĩnh người Mỹ bản địa và không có Một bên trong cuộc chiến nhấn chìm thuộc địa của New York lúc đó. Mann không đi sâu quá sâu vào chính trị rối rắm của cuộc chiến tranh đặc biệt này của Mỹ, thay vào đó tập trung vào sự đối nghịch chung của người da đỏ Mỹ đối với thực dân da trắng cho dù là người Pháp hay người Anh, người châu Âu, người châu Âu không bao giờ thuộc về họ ở nơi đầu tiên Khát khao xung đột vĩnh viễn của họ. Sự lãng mạn giữa Day-Lewis 'Nathaniel Hawkeye và Madeleine Stowe ra mắt tiếng Anh của Cora Munro có thể được chú ý, nhưng điển hình cho Mann, hành động được sắp xếp một cách tuyệt vời, từ cuộc bao vây bùng nổ tại Fort Henry (lần đầu tiên được tiết ra từ xa như một cơn bão trong đám cháy Đêm, chỉ là một trong nhiều hình ảnh đánh vần lịch sự của DOP Dante Spinotti) với cuộc đấu tranh, được tính cảm xúc giữa những người Mohicans cuối cùng và một bộ lạc đối thủ được dẫn dắt bởi một Wes Studi bị hư hỏng, bị hư hại. Mạnhbrogan Morris

72. Ride with the Devil (1999)

Giám đốc: Ang Lee Ang Lee

Không giống như rất nhiều bộ phim nội chiến được lấy từ phía Liên minh (xem Gettysburg từ sáu năm trước, hoặc Núi lạnh của Anthony Minghella, đã đến bốn năm sau đó), đi xe với quỷ không né tránh yếu tố chủng tộc như vậy phần. Những người du kích của Ang Lee, những người du kích Gentmanly thủ vai bởi những diễn viên xinh đẹp nhạt nhẽo như Tobey Maguire và Skeet Ulrich, là những kẻ phân biệt chủng tộc, cũng như những kẻ giết người máu lạnh. Nó có hành động vụng về thực tế và phong cảnh họa sĩ, nhưng một phần chính của sự hấp dẫn của quỷ là nó có một cái nhìn phức tạp về một cuộc chiến thần thoại và các chiến binh của nó. Sự thành thạo tính cách của Lee là hiện diện và đúng đắn cùng với niềm đam mê của anh ấy với một trong những lớp học cụ thể của người Mỹ của anh ấy . Có một tam giác tình yêu giữa các nhân vật do Maguire, Ulrich và Jewel thủ vai (nó có thể là một bộ phim rất tuyệt Hai người đàn ông hình thành một trái phiếu đấu tranh cho một đất nước thường không coi họ là của riêng họ. Mạnhbrogan Morris

71. Lebanon (2009)

Giám đốc: Samuel Maoz Samuel Maoz

Vì vậy, Eerie và ngân nga với sự sợ hãi, nó gần như có thể là một bộ phim kinh dị, Samuel Maoz, Lebanon, dựa trên kinh nghiệm của đạo diễn với tư cách là một xạ thủ cho Quân đoàn xe tăng Israel trong Chiến tranh Lebanon năm 1982, sử dụng những thiếu sót về ngân sách cho lợi thế khác biệt của nó. Maoz làm cho bộ phim khởi động của các bộ phim Tank, một bộ phim đầy mồ hôi, mãnh liệt, nơi người xem linh cảm bên trong một cỗ máy chiến tranh ọp ẹp trong gần như toàn bộ thời gian chạy. Chúng tôi, giống như cư dân của xe tăng, chỉ nhìn thấy bên ngoài chiếc xe qua súng của nó. Cho dù họ đang xem phần còn lại của một thị trấn bị bao vây gần đây hay thân hình đang la hét, bị trói buộc của một thường dân Lebanon có chiếc xe tải mà họ đã bắn, phi hành đoàn vẫn luôn ở một khoảng cách tò mò từ cuộc xung đột. Từ quan điểm của họ, chiến tranh là địa ngục thông qua một ống kính kính tiềm vọng, vừa đáng sợ và không thể hiểu được. Mạnhbrogan Morris

70. Inglourious Basterds (2009)

Giám đốc: Quentin Tarantino Quentin Tarantino

Quentin Tarantino, tình yêu kép của sự báo thù và điện ảnh chưa bao giờ có biểu cảm thuần khiết hơn là khuôn mặt của một chủ sở hữu Cinematheque Do Thái đã phóng lên giống như khói của Đức quốc xã. Câu chuyện diễn ra như thế này: giữa cuộc chiến, nhà tuyên truyền Joseph Goebbels có kế hoạch chiếu bộ phim phát xít mới nhất của mình cho giới thượng lưu của đảng tại một nhà hát nhỏ ở Paris, không biết đến Goebbels, được điều hành bởi Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent)- Có gia đình bị giết bởi sĩ quan SS Hans Landa (Christoph Waltz, Evil Incarnate với khuôn mặt của một quý ông), và đang làm việc với sự hợp tác của Aldo Raine (Brad Pitt) và đội của anh ta về những người lính Do Thái đang ghi lại của Đức Quốc xã. Ở một mức độ gần như cảm động, Inglourious Basterds nhận ra rằng sự báo thù lái xe rất nhiều bộ phim, và chắc chắn Tarantino, một sự thúc đẩy điện ảnh, một ảo mộng về ánh sáng và âm thanh, tách biệt với lẽ thường và lịch sử thực tế. Nó rất khó tính, nhưng trong Tarantino, người cho thuê thấp, dễ thương, Basterds kỷ niệm các trường hợp nổi tiếng về sự kháng cự của người Do Thái. Mạnhrobert Davis

69. Jarhead (2005)

Giám đốc: Sam Mendes Sam Mendes

Điều đáng ghét, để thực hiện một bộ phim chiến tranh tất cả về những người chờ đợi cơ hội chiến đấu trong một cuộc chiến và không bao giờ có cơ hội để thực sự làm điều đó. Đó là Jar Jarhead, Sam Mendes, bản chuyển thể của cuốn hồi ký Anthony Swofford, 2003 về những trải nghiệm của ông trong Chiến tranh vùng Vịnh đầu tiên. Nhưng xem xét rằng cuộc xung đột Trung Đông ban đầu hóa ra chủ yếu được chiến đấu trong không khí và thông qua sóng truyền thông, làm thế nào khác là đúng với trải nghiệm thời chiến của Swofford? Điều đó có lẽ làm cho bộ phim này trở nên thú vị về mặt khái niệm hơn là hấp dẫn để thực sự xem; Tuy nhiên, có một tính toàn vẹn theo chủ đề và cấu trúc cho bộ phim này đáng ngưỡng mộ trong bản tóm tắt. Nếu Jarhead cộng vào bất cứ điều gì cộng hưởng, thì đó là một tính năng tổng hợp meta dài trên các bộ phim chiến tranh khác. Nhìn thấy cả một căn phòng của những người lính cổ vũ sự hủy diệt khủng khiếp trên đường đến chuyến đi của Valkyries của Wagner trong ngày tận thế của Francis Ford Coppola, người ta không thể không nhắc nhở về sự hoài nghi nổi tiếng của François Truffaut Chiến tranh, tuy nhiên không chủ ý về phần của một nhà làm phim. Bộ phim Mendes, đưa tình cảm đó đến một sự cố tình gây thất vọng nhưng hoàn toàn logic: Jarhead là một bộ phim chiến tranh không có ai mà người xem không thể miêu tả chiến đấu thời chiến cũng như những người yêu cầu xác nhận sự thiên vị chống chiến tranh của họ. Cấmkenji Fujishima

68. The Blue Max (1966)

Giám đốc: John Guillermin John Guillermin

Có một thứ gì đó của Cobra trong bạn. Đó là cách WWI của Jeremy Kemp bay ace von Klugermann chào đón phi công Greenhorn Pilot và đối thủ sắp trở thành Bruno Stachel, người bên ngoài có thể có một dấu gạch ngang của một George Peppard có mái tóc vàng, nhưng đang thực sự là một kẻ nhếch nhác, có tên là Huy chương hàng đầu của Không quân Đức: The Blue Max, một giải thưởng cho việc hạ gục 20 kẻ thù thủ công. Đối với Stachel, tất cả những thứ khác là phi vật chất, anh ta sẽ giết chết kẻ thù không vũ trang và thậm chí phản bội chính mình để giành được dải băng và làm im lặng những đồng chí sinh ra cao, người chế giễu điểm chung của anh ta. Chịu đựng sự lãng mạn dư thừa giữa Nữ bá tước và Ursula Andress; Có một vài bộ phim hay hơn về chiến tranh trong không khí, và hiếm khi chúng ta được xem bộ phim chiến tranh anh hùng diễn xuất rất hoàn toàn không anh hùng, chiến đấu không phải vì lòng yêu nước, mà là cơ hội để khẳng định sự vượt trội giữa các đồng nghiệp của anh ta. Các chuỗi trên không là những trận đấu chó nổi bật, trước CG được bắn với sự rõ ràng thực sự, mặc dù trên mặt đất cũng có một cái nhìn hấp dẫn về một WWI thay thế: đằng sau các chiến hào vuốt bùn, trong các nhà trang viên sang trọng chứa đầy rượu sâm banh, Air Aces sống như quý tộc. Mạnhbrogan Morris

67. Overlord (1975)

Director: Stuart Cooper

How can something so meager possess such power? Dirty Dozen cast member-turned-writer/director Stuart Cooper fills the budget-necessitated holes of British WWII drama Overlord with copious archive footage, to tell the story of a Brit draftee named Tommy (what else?). Put through military training in preparation for D-Day, Tommy and his fellow soldiers suspect they’ll be killed almost instantly. Before his departure for Normandy, Tommy briefly woos a girl, only to be haunted by the possibilities were it not for a war he’s reluctant to fight. Bolstering the fiction filmmaking with documentary footage achieves some mesmerizing effect here—rather than cheapen the film by highlighting its budgetary shortcomings, the decision to include archival material retains a vital tie to the past. The film basically plays one sustained note about the death of innocence, but Cooper chooses the perfect chord. —Brogan Morris

66. Von Ryan’s Express (1965)

Director: Mark Robson

Pearl Harbor melodrama From Here to Eternity revealed his humanity, but the laidback star quality of Frank Sinatra as actor was captured arguably nowhere better than Von Ryan’s Express. The swagger of Ol’ Blue Eyes is the driving force behind Mark Robson’s prison escape drama-cum-men on a mission movie, wherein Sinatra’s captured flight officer and his flock of Allied POWs commandeer a German prison train to escape from Italy into neutral Switzerland. It’s fights atop speeding trains, rocket-flinging air assaults and Allied soldiers nervously masquerading as German officers through Nazi-held checkpoints, as “Von Ryan’s Express” hurtles through picture-postcard Italy—all adding up to a thrilling caper, but for the last minute rug-pull that adds an unexpected, thudding pathos. Von Ryan’s Express is one example of a book-to-screen adaptation where Hollywood made the movie darker: in the screen version, the happy ending of the novel which Robson has been building towards for almost two hours is cruelly snatched away from us just as the credits are about to roll. —Brogan Morris

65. Air Force (1943)

Director: Howard Hawks

Made—like so many Hollywood war films of the time—to bolster support for the war and inform the American public just what their tax dollars were paying for, Air Force bears the obvious hallmarks of propaganda: uncritical portrayal of the American war machine, tales of gallant sacrifice, dehumanization of the enemy that occasionally tips over into racism. What sets Air Force apart and keeps it vital is the way it keenly puts the viewer in the place of a U.S. airman, despite it being an almost entirely studio-bound enterprise. Once in the air, instead of a score we hear the constant hum of the flight, and the mundane, repetitive exchanges of the crew. In the confusion of the immediate aftermath of Pearl Harbor, there’s teamwork between island-hopping strangers, in rousing, hectic battle sequences on land and in the air, in the USAF and Marines together rebuilding damaged airplanes as all the while Japanese forces approach. The point for audiences at the time was supposed to be that the U.S. Forces worked as a well-oiled unit, but the film’s message doubles as a comment on man as a durable social animal, cooperating even in the harshest of circumstances in order to ensure survival of the tribe. —Brogan Morris

64. Sergeant York (1941)

Director: Howard Hawks

Howard Hawks’ Academy-Award-winning Sergeant York, starring Gary Cooper, follows the story of a hell-raising conscientious objector who became one of the most decorated American soldiers of the Great War. York is a masterpiece, a parable about a sticks sharpshooter dead set against slaughter: how a poor Tennessee farmer found marriage, religion, and a cause, in that order. It provides much more food for thought than you’d expect from a movie made on the eve of Pearl Harbor. There’s a surprising amount of characterization and shading for a depiction of life during wartime: York kills, even though he does not want to. Though fictionalized in parts, the Hawks-Cooper two-man show does not play false with any part of Alvin York’s journey. In its own way, York tells us what soldiers have always known: the war is also fought within, as well as without. —Jason Rhode

63. Attack! (1956)

Director: Robert Aldrich

If so many of the glut of war movies made in the post-war period have failed to stand the test of time, it could be that the unrealistic moral monochromia and lack of psychological insight of many ring false in a world that views complexity as a given in its war movies. Robert Aldrich’s Attack! is one that’s survived—and in fact flourished, since it opened to mediocre box office in 1956—because, were it not for the black-and-white boxy image and the presence of some of the most memorably salty actors of the day, it’s grown up and sophisticated enough that one could think it had been produced yesterday. James Poe’s dialogue-thick screenplay has little time for histrionics or heroics, focusing instead on the tussle between Eddie Albert’s inept company commander and Jack Palance’s headstrong platoon leader, the latter determined to get revenge on his insecure CO for repeatedly ordering his men to their deaths. Made at a time when John Wayne was still storming beaches with his uniformly loyal and capable grunts, Attack! posits that some, no matter the training, will always be just plain unprepared for combat—and that politics in war can be a shady, callous affair. —Brogan Morris

62. City of Life and Death (2009)

Director: Lu Chuan

Most movies get made because their creators wanted to make them. Then there are movies such as City of Life and Death, which one feels simply had to be made—for education, for posterity, for mere perspective. Lu Chuan’s film is a stressful, appropriately black-and-white depiction of the 1937 Rape of Nanking, an approximately six-week “incident” in which between 40,000 and 300,000 Chinese civilians and prisoners-of-war were killed by occupying Japanese forces in the former Chinese capital. The film’s imagery is cruel to the viewer, right down to its starvation of color. Sometimes the film’s a moving Bruegel painting, each shot a tangle of bodies and rubble, with every character destined for death at worst or prolonged mental and physical torture at best. Lu begins with muscular battle scenes, then moves on to unflinching misery as occupation begins, with machine gun execution by the thousands, live burials, death by rape—human annihilation. It’s cinema as a monument, a reminder inscribed: never forget, never repeat. —Brogan Morris

61. Glory (1989)

Director: Edward Zwick

Matthew Broderick may appear in the lead as Col. Robert Gould Shaw, but Glory belongs to Denzel Washington (Pvt. Trip), Morgan Freeman (Sgt. Maj. John Rawlins), Andre Braugher (Cpl. Thomas Searles) and Jhimi Kennedy (Pvt. Jupiter Sharts). These actors deliver incredible performances as members of the first all-black regiment in the Union army, during the Civil War, with Washington going on to win the 1990 Oscar for Best Supporting Actor. Instead of focusing on the obvious North vs. South binary, Glory follows the men as they struggle against Northern racism and their own perceptions of what it means to be black, and what it means to be black in an army where they are almost never seen as equals—despite fighting on the same “side” as their white counterparts. With a hauntingly beautiful score, and some of the most memorable war scenes directed by Edward Zwick, Glory is one of the most important films not just about the Civil War, but about America’s eternally complicated history of racism and the black pride that persists in spite, on the battlefield and beyond. —Shannon M. Houston

60. Rescue Dawn (2006)

Director: Werner Herzog

As PG-13 as a war movie can get, Werner Herzog’s cinematic re-creation of his own documentary (Little Dieter Needs to Fly) feels as if, like any Herzog film can, it was re-created on the fly. Rescue Dawn avoids a strict adherence to the truth of Dieter Dengler’s ordeal, in which he served as a pilot for the U.S. Navy during the Vietnam War, shot down over Laos then captured and tortured for months before escaping. It’s also historically inaccurate, as only any Herzog film can be, for the benefit of the more “ecstatic” truth the director was attempting to reach, ignoring the complaints of Dengler’s fellow prisoners’ accounts, which mostly have to do with how heroically Herzog portrays Dengler (Christian Bale) and how pathetically he imagines the others. Herzog saw himself in the real Dengler anyway—they were both born poor in Hitler’s Germany—and Bale seems to intuit the director’s projection, playing Dengler as an endlessly fascinating hybrid of wide-eyed innocent and arrogant American, fully committed to the freedom and opportunities for self-aggrandizement that being an American affords. And yet, Rescue Dawn doesn’t defend Dengler’s patriotism, or really have anything poignant to offer about American’s checkered military past. Instead, Herzog is concerned as ever with the tyranny of Nature and all powers like it, which happen to include war, America, the ambition of Man, whatever—an idealistic guy like Dieter Dengler can only suffer, survive and then tell his story later to a director who will warp its facts to keep the true extent of the man’s suffering from the cold, calculating judgment of the MPAA. —Dom Sinacola

59. The Steel Helmet (1951)

Director: Samuel Fuller

“It dares tell the TRUTH behind today’s headlines!” yelled the poster banner for Sam Fuller’s first war film, and while the proclamation sounds sensationalist, the director was determined to speak truth to power at any cost. Making the first film about the Korean War while the conflict still raged, Fuller used his yarn, about a rag-tag group of dogfaces in a showdown at a Buddhist temple to take a critical look at America’s domestic affairs: a black soldier ruminates on why he goes to war for a country where he is regarded as a second class citizen while a Korean POW comments on America’s internment of Japanese citizens in WWII. As Sergeant Zack, future Fuller stalwart Gene Evans (cast by the director above studio favorite John Wayne) is the first in a long line of grizzled military anti-heroes carved straight out of Fuller’s own wartime experience. When Zack shoots a prisoner in cold blood, this earned Fuller the ire of the military brass. They couldn’t accept this as an actuality, to which the iconoclastic veteran and filmmaker replied: “It happens! I fought a war. Things like that happen! And you know it!” —Liam Dunn

58. Huy hiệu đỏ của lòng can đảm (1951)

Giám đốc: John Huston John Huston

Trong một ví dụ hiếm hoi về một bộ phim còn sống sót sau khi có giá trị và một số tầm nhìn auteurial còn nguyên vẹn, huy hiệu màu đỏ của sự can đảm duy nhất có thể xem được. Có thể là một bản phác thảo về ý định ban đầu của đạo diễn, nhưng nó vẫn là một điều đáng kể. Một bản chuyển thể của tiểu thuyết Nội chiến Stephen Crane, được ghi nhận vì chủ nghĩa hiện thực của nó, Huy hiệu Red đã chọn anh hùng WWII thực sự Audie Murphy trong vai Union Trooper Henry Fleming, người chạy trốn khỏi cuộc giao tranh đầu tiên của mình để sau đó tìm kiếm sự cứu chuộc qua sự liều lĩnh trên chiến trường. Huston sườn noir-ish chạm vào một sự tuyệt vọng đáng kinh ngạc cho một câu chuyện đã tuyệt vọng; Crane, là một câu chuyện chiến tranh vô cùng phi thường, trong đó chứng minh một sự can đảm của một người khác có nghĩa là đổ máu, và bản năng tự nhiên để bay từ một cuộc tàn sát được coi là hèn nhát. Việc cắt dài hơn của Huston đã hứa hẹn nhiều chân dung xác thịt hơn về các bạn trung đội của Henry, nhưng bộ phim ở dạng viết tắt của nó thực sự có thể là một lợi thế: trong việc giữ các nhân vật khác là mật mã, bộ phim làm tăng sự cô lập của Henry và đưa ra một điểm vô ý về những người lính trong Cuộc chiến đẫm máu nhất đã chiến đấu trên đất Mỹ được đối xử không phải là cá nhân, mà là thức ăn của khẩu pháo thuần túy, thuần túy. Mạnhbrogan Morris

57. Stalag 17 (1953)

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Về mặt âm thanh, câu chuyện tù nhân chiến tranh của Billy Wilder là một bộ phim truyền hình thực sự, phù hợp với một không gian sau chiến tranh kỳ lạ khi các nhà chiếu phim Mỹ rõ ràng là cười để cười vào những điều kinh hoàng mà các tù nhân phải đối mặt, ngay cả khi bị nhắc nhở về kết quả chết chóc của việc tống giam, rõ ràng Thậm chí còn tàn khốc hơn cho các nạn nhân của Holocaust. William Holden, người làm cho bộ phim nhấp chuột và hum, miêu tả Airman Sefton của người Mỹ là một người có lợi nhuận nhẹ nhưng thông minh, người cho rằng nếu anh ta sẽ dành thời gian trong một trại POW, anh ta cũng có thể là một người sút lớn trong khi anh ta ở đó, sống ở đó, sống ở đó, sống ở đó, sống ở đó thoải mái nhất có thể. So với một bộ phim như The Great Escape, sau này sẽ xuất hiện và kể một câu chuyện vang lên với nhiều vùng nhiệt đới giống nhau, mặc dù không có khiếu hài hước của bóng chày, Stalag 17 vừa là một câu chuyện trốn thoát vừa là một bí ẩn nhẹ nhàng, tập trung vào xung quanh The Danh tính của người cung cấp thông tin Đức đang phá hoại từng nỗ lực của người Mỹ để chạy trốn khỏi trại và thách thức người Đức. Với một dàn nhân vật đầy màu sắc và sự hài hước tốt bụng, Stalag 17 bằng cách nào đó có một tiền đề khủng khiếp và khai thác nó để cười thành công hơn so với người ta nghĩ có thể. Voijim Vorel

56. Gallipoli (1981)

Giám đốc: Peter Weir Peter Weir

Giám đốc Peter Weir luôn là một người kéo trái tim bậc thầy; Dù vấn đề của anh ấy là gì, anh ấy có một cách tiếp cận rất cảm xúc. Điều đó nói rằng, xin vui lòng hiểu rằng Gallipoli sẽ không kéo theo trái tim bạn: nó sẽ làm hỏng nó. Một nhóm thanh niên từ vùng nông thôn Úc nhập ngũ trong Quân đội trong Thế chiến II và được gửi đến Bán đảo Gallipoli ở Thổ Nhĩ Kỳ ngày nay để tham gia chiến dịch lên đến đỉnh Người đàn ông chủ yếu là Archie Hamilton (Mike Lee) và Frank Dunne (Mel Gibson) mất đi sự ngây thơ của họ về ý nghĩa và mục đích thực sự của chiến tranh. Nó là một luận án về sự vô ích và vô cảm và không, không có một kết thúc có hậu. Nó cũng giống như nhiều bộ phim của New Wave Australia, một câu chuyện sắp đến tuổi về chính Úc, một mô tả về một quốc gia trẻ đang cố gắng hiểu bản sắc của nó. Weir, luôn là một bậc thầy trong việc tạo ra các nhân vật thông cảm mà chúng ta gắn kết khi họ gắn kết với nhau. Trong bộ phim này, đầu tư cảm xúc tàn nhẫn nhấn mạnh sự tàn phá của chiến tranh. Glynn Glynn

55. Chạy im lặng, chạy sâu (1958)

Giám đốc: Robert Wise Robert Wise

Thuyền trưởng Ahab và giải thưởng khó nắm bắt của anh ấy đều có được một sự trang điểm của WWII trong Run Im lặng, Run Deep, Robert Wise, nhà hát Thái Bình Dương, trong đó chỉ huy Richardson (Clark Gable) của USS Nerka không thương tiếc săn lùng kẻ hủy diệt Nhật Bản đã đánh cắp chiếc tàu cũ của anh ta và giết chết phi hành đoàn của anh ta. Trong khi đó, cuộc cạnh tranh thú vị hơn đang diễn ra trong Sub American Sub, nơi Richardson phải đối mặt với Xo Bledsoe (Burt Lancaster) đầy tham vọng của mình, trong một sự phản ánh về sự bất hòa rất thực sự giữa Fading Star Gable và Lancaster. Cuộc đấu tranh ngoài màn hình tỏ ra có lợi thế một cách nghiệt ngã: Gable, sau đó là một người nghiện rượu mãn tính, mang đến một màn trình diễn kiệt sức phù hợp khi Richardson bị ám ảnh, trong khi cuộc đụng độ của bản ngã giữa Gable và Lancaster thấm vào sự thù hằn của sự cân bằng sức mạnh giữa các nhân vật của họ. Một số hiệu ứng thu nhỏ của Run Silent, có thể đã có thời gian, nhưng các cảnh chiến đấu ở đại dương vẫn có một sự khéo léo mà không CGI hiện đại có thể phù hợp. Những cảnh ngư lôi của kẻ thù hoặc phí chiều sâu đi thuyền trong nerka Pass trong sự im lặng đau đớn, khi khôn ngoan làm tăng sự căng thẳng bên trong hộp thiếc nén của Richardson. Mạnhbrogan Morris

54. The Wind that Shakes the Barley (2006)

Director: Ken Loach

A tale of two wars in Ken Loach’s Palme d’Or winning The Wind That Shakes the Barley, an Irish counterpart to Loach’s own Land and Freedom. Once again, the initial purity of the revolution gives way to the reality of complicated regional politics, opportunistic power grabbing and divisions of opinion, the “successful” Irish independence struggle immediately segueing into the 1922 – ’23 Civil War that pitched formerly united friends and family against one another. There’s a nastiness and total lack of light that separates Barley from the director’s other works. British soldiers and Irish rebels, having dehumanized the other side, torture and kill with glee, while later the anti-treaty IRA (represented by Cillian Murphy and Liam Cunningham, incredible) and pro-treaty Irish Army having come so far kill their own countrymen in absolutist determination. The evergreen County Cork period setting makes this one of Loach’s more aesthetically pleasing features, but the tale and the tone make it one of his more heart-wrenching and fatalistic. —Brogan Morris

53. Hell in the Pacific (1968)

Director: John Boorman

Just a year after he’d captured Lee Marvin at his most mythic in Nouvelle-noir classic Point Blank, John Boorman teamed up with Marvin again to present the granite-hewn star at his most human. Here, in Boorman’s spare survival drama, Marvin is a stubborn U.S. airman forced to cohabit with a Japanese naval officer (Toshiro Mifune, in a performance that’s by turns playful and stoic, defeated and triumphant) when the pair find themselves stranded on a desert island at the height of WWII. Said to be privately Marvin’s favorite of his own works, it’s a film that reflects the anti-war stance of its two veteran stars. As the situation of Marvin and Mifune’s unnamed pair becomes desperate, their hair growing wild and their clothes increasingly ragged, and they come to rely on one another to survive (without ever breaching the language barrier, and there are no subtitles to aid us either), Boorman emphasizes that the two soldiers’ initial shared disdain is based only on the fact that they occupy two artificially different “sides” of a conflict. It’s summed up in the tragicomic line Marvin delivers to Mifune late in the film, upon being spooked by his friend’s sudden appearance: “Oh—for a second I thought you were a Jap.” —Brogan Morris

52. Kingdom of Heaven (2005)

Director: Ridley Scott

It’s mystifying that such a core component of a film could be so unmistakably off—in this case, a reliably flat Orlando Bloom, in the lead role of blacksmith-turned-crusader Balian—and still not spoil the overall product. The rest of Ridley Scott’s Crusades epic is so dazzling, so riveting thematically and so loaded with acting dynamos (Eva Green, Liam Neeson, Edward Norton, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Sheen…) that it engrosses absolutely. Visually Kingdom of Heaven is one of Scott’s finest feasts, the maestro voraciously capturing an ancient world in eager widescreen, but the film stacks up even better as food for thought. Amidst the borderline schlocky battle scenes and Middle-Eastern politics, Scott and screenwriter William Monahan ask big questions about faith, class and destiny that somehow strongly resonate some 800-plus years on from when their story takes place. The film’s hacked-up theatrical cut was dismissed in 2005; its director’s cut should now be reclaimed as a modern great. —Brogan Morris

51. Salvador (1986)

Director: Oliver Stone

An undercurrent of inevitability carries Salvador all the way to where you know it’s bound to go. Co-written by director Oliver Stone and photojournalist Richard Boyle, the film loosely chronicles the exploits of freewheeling Boyle (James Woods) and his dumpy Dr.-Gonzo-esque friend Doctor Rock (Jim Belushi) as they smoke, screw and drink their way into El Salvador in 1980, just as the Revolutionary Government Junta was consolidating power. While it dawns on the two half-cocked nomads just what kind of horror has engulfed the country and to what extent the U.S. government has supported the large-scale oppression of the Salvadorans, war unfurls around them, rendered bluntly and with an almost total dearth of drama by Stone. When a Salvadoran death squad assassinates Archbishop Óscar Romero (José Carlos Ruiz) mid-sermon, Stone portrays it as if nothing is sacred anymore; by the time Cathy Moore (Cynthia Gibb, representing a group of slain U.S. missionaries in 1980), a friend of Boyle’s, is raped and murdered by the El Salvadoran National Guard, Salvador has long abandoned all hope. And still, Boyle wanders the increasingly war-scarred country, like Max von Sydow in The Seventh Seal, finding nothing but pain and violence bereft of meaning, but committed to a duty: to capture what was going on, or simply to satisfy the same degree of American-bred ego that Stone was condemning in trying to witness such atrocities at all. Undoubtedly bleak, Salvador ends exactly as it should, with Boyle alone, adrift and powerless amidst the tide of forces he’ll never be able to grasp. —Dom Sinacola

50. Beasts of No Nation (2015)

Giám đốc: Cary Fukunaga Cary Fukunaga

Một sự bừa bãi xuống một trái tim bóng tối hiện đại, những con thú không có kênh quốc gia nào, Francis Ford Coppola, Việt Nam Việt Nam Apocalypse bây giờ cho câu chuyện về một đứa trẻ tuyển dụng vào một tiểu đoàn phiến quân châu Phi. Thích nghi tiểu thuyết của Uzodinma Iweala với sự thân mật đáng sợ, nhà văn/đạo diễn Cary Fukunaga mô tả bối cảnh châu Phi không xác định của ông như một hỗn hợp của những khu rừng xanh tươi tốt, những ngôi làng bị phá vỡ. Hỏa hoạn giận dữ trên khắp vùng nông thôn. Những cuộc xung đột đó là kết quả của một cuộc xung đột giữa các lực lượng chính phủ và cách mạng, các chi tiết cụ thể mà bộ phim, giống như địa phương chính xác của nó, để lại ít nhiều mơ hồ. Do đó, bộ phim Fukunaga, bị sa lầy trong một cuộc chạy trốn bạo lực và suy thoái mơ hồ, đạo diễn trình bày một cảnh quan của sự đồi trụy và vô đạo đức địa ngục qua con mắt của một cậu bé vô tình quét qua quốc gia của mình. Một câu chuyện sắp đến đã biến thành hình dạng không lành mạnh, những con thú không có quốc gia nào tránh xa các thao tác khoa trương (và tránh lãng mạn hóa những kẻ hư hỏng của nó) trong việc vạch ra sự trưởng thành của Agu thành một người lính tàn nhẫn. Cấmnick Schager

49. Ngày dài nhất (1962)

Giám đốc: Ken Annakin, Darryl F. Zanuck, Andrew Marton, Bernhard Wicki, Gerd Oswald Ken Annakin, Darryl F. Zanuck, Andrew Marton, Bernhard Wicki, Gerd Oswald

Ấn tượng nhất trong các sử thi giải trí WWII đa quốc gia, có nhiều ngôi sao ra khỏi Hollywood trong thập niên 60 và 70, ngày dài nhất là một sản phẩm hợp tác giữa không dưới năm nhà làm phim, tiếp cận D-Day từ người Anh, Các bên của Pháp, Đức và Mỹ, có một cái nhìn cắt ngang nhưng kỹ lưỡng về những gì đã xảy ra ở Normandy vào ngày 6 tháng 6 năm 1944, trên khắp đất liền, trên biển và trên không. Vì Chiến dịch Overlord là một màn trình diễn lớn về sức mạnh quân sự, nên ngày dài nhất là cảnh tượng của sự giàu có và sức mạnh của hệ thống studio thập niên 60, và Khu bảo tồn Hollywood giữ lại cho bộ phim chiến tranh khi thể loại này đang ở đỉnh cao của sự nổi tiếng của nó . Đối với phần nói tiếng Pháp của bộ phim, có một bộ phim kinh dị nhỏ gián điệp và một cuộc tấn công đặc công sấm sét vào một thị trấn ven biển. Đối với phần nói tiếng Anh, tiền lớn nhất có thể mua, bao gồm John Wayne, Henry Fonda, Richard Burton và Robert Mitchum, và một cơn bão quy mô lớn của các bãi biển Normandy, không có đối thủ trong phạm vi ngay cả bằng cách cứu cảnh mở đầu Ryan Ryan. Và đối với các phân khúc nói tiếng Đức, một vai diễn chân dung (và đôi khi thậm chí nhẹ nhàng) của các sĩ quan không chuẩn bị, Luftwaffe ngoài khơi và những người lính bình thường từ thời điểm đó sẽ mãi mãi rút lui. Mạnhbrogan Morris

48. Kanal (1957)

Giám đốc: Andrzej Wajda Andrzej Wajda

Hãy theo dõi họ chặt chẽ, vì đây là những giờ cuối cùng của cuộc đời họ. Tiếng nói mở đầu Kanal, đồng thời giới thiệu chúng ta với một công ty đã cạn kiệt của cuộc nổi dậy Warsaw thất bại và báo trước về số phận sắp xảy ra của nó, sức mạnh của Andrzej Wajda, bộ phim Kháng chiến với một sự mê hoặc. Nhận thức được cơ hội sống sót mỏng manh của họ với Quân đội Đức thắt chặt sự kìm kẹp của nó, những người đàn ông và phụ nữ còn lại của Đơn vị Quân đội Home của Trung úy Zadra trốn thoát đến cống thoát nước, không phải vì họ nghĩ rằng điều đó mang lại nhiều cơ hội sinh tồn, mà vì bản năng của họ Tiếp tục lái chúng sống, ngay cả khi chỉ trong một vài khoảnh khắc nữa. Nhưng sự nhầm lẫn và khủng bố kỳ lạ ở dưới đó, trong các đường hầm uốn lượn của một mê cung chất thải dưới lòng đất, khiến chúng trở thành một vài giờ đáng thương. Tất cả cảm giác về thời gian và địa lý bị mất: nó chỉ là những cơ thể bí ẩn, lội trong đêm vĩnh viễn qua một dòng sông chết tiệt. Bị kẹp giữa một thế hệ và tro tàn và kim cương, là người ít phức tạp nhất và chính trị của bộ ba chiến tranh Wajda, Kanal là một chân dung thuần túy của sự tuyệt vọng của con người như người ta có thể tìm thấy trong rạp chiếu phim. Mạnhbrogan Morris

47. Black Hawk Down (2001)

Giám đốc: Ridley Scott Ridley Scott

Không chỉ là một đoạn riff gọn gàng trên Apocalypse Now's Ride of the Valkyries Sequence, theo phong cách, có vẻ phù hợp khi Jimi Hendrix quay lại cách tiếp cận với Mogadishu bởi Black Hawk Down Attack Attack Mảng màu sắc và âm thanh như quân đội Somalia và một dàn diễn viên của Hollywood All-Stars chiến đấu dưới ánh nắng mặt trời. Dựa trên câu chuyện có thật về một trận hỏa hoạn leo thang, điều đó xuất hiện khi kế hoạch của Mỹ để bắt giữ lãnh chúa Mohamed Farrah Aidid vào năm 1993 đã trở nên tồi tệ của phương Tây gặp một kẻ thù nước ngoài đa năng trên sân nhà. Không hoàn toàn là bản cáo trạng hay chứng thực của chiến tranh hiện đại, Black Hawk, vẫn còn rùng rợn và thoát nước, một chuỗi hành động gần hai giờ kéo dài bao nhiêu hình phạt mà cơ thể con người có thể chịu, và cái chết và sự hủy diệt của người ta có thể gieo bằng hỏa lực hiện đại. Mạnhbrogan Morris

46. ​​Die Brucke (The Bridge) (1959)

Giám đốc: Bernhard Wicki Bernhard Wicki

Lấy bối cảnh cuối cùng của Thế chiến thứ hai, Bernhard Wicki, The Bridge là một bộ phim Proto-Teen, chỉ được đặt trong một Đức Quốc xã bị bao vây trên bờ vực sụp đổ. Trong bộ phim này, các học sinh của một trường nguyền rủa ở thị trấn Bavaria, tương tác lúng túng với các cô gái, học hỏi từ các giáo viên truyền cảm hứng và tưởng tượng về việc giết chóc cho tổ quốc. Bảy người háo hức cuối cùng cũng có được mong muốn của họ khi cuộc chiến toàn phần của Hitler, dự thảo họ thành một kết thúc tuyệt vọng, cuộc phiêu lưu cao quý tiếp tục trong tâm trí của Boy-Soldiers, ngay cả khi phần còn lại của quân đội Đức rút lui xung quanh họ. Gleely bắn vào lon thiếc lót qua cây cầu mà họ đã được chỉ định để bảo vệ, đây là những đứa trẻ mặc đồng phục, chơi trong chiến tranh; Cho đến khi, tất nhiên, họ không phải là người, và trận chiến cuối cùng kéo dài một cách đau đớn đã loại bỏ sự ngây thơ của họ mãi mãi. Mạnhbrogan Morris

45. Súng của Navarone (1961)

Giám đốc: J. Lee Thompson J. Lee Thompson

Tùy thuộc vào người bạn hỏi, súng của Navarone là một tác phẩm của nghệ thuật thuần túy, tiểu thuyết lịch sử mà tất cả tiểu thuyết và không có lịch sử. Thật vậy, tác phẩm nguồn của nó, cuốn tiểu thuyết cùng tên của Alistair MacLean, 1957, được lấy cảm hứng từ Trận chiến Leros trong Thế chiến II, nhưng bộ phim J. Lee Thompson, cảm thấy giống như con thú của chính nó, vì không phải là tiểu thuyết của Maclean, cũng không phải là cuộc chiến. Đoán xem những gì? Tốt rồi. Những khẩu súng của Navarone là một người choáng váng, bất kể nó rút ra những mảnh ghép của những người đàn ông của nó trên một âm mưu truyền giáo. Không phải là tình cờ, nó cũng là bộ phim đầu tiên (một trong số đó) trong số nhiều bộ phim như vậy xuất hiện trong những năm 1960, một thể loại phim chiến tranh trong các thể loại phim chiến tranh đã nhân lên trong suốt hai mươi năm tiếp theo sau khi phát hành. Bạn có thể trích dẫn dàn diễn viên của bộ phim, bắt đầu với Gregory Peck, tiếp tục với Anthony Quinn, và điền vào với Anthony Quayle và David Niven (trong số nhiều người khác), cũng như sự phát triển nhân vật của nó, như hai thành phần chính của nó; Thay vào đó, bạn có thể tìm ra các cảnh hành động, mỗi cảnh đều có chất lỏng và ly kỳ và đa dạng như những cảnh khác; Hoặc bạn có thể chọn cổ vũ cho chính Thompson, người có nhịp độ thứ hai đến không giữ bộ phim trên đường ray mà không bao giờ gắn cờ hoặc kéo hoặc phát triển lặp đi lặp lại. Sao cũng được. Sự thật là bạn có thể lấy đi một trong những yếu tố này mà không ảnh hưởng đến những yếu tố khác, và cuối cùng, điều đó biểu thị cho những khẩu súng của sự xuất sắc của Navarone, như một tác phẩm làm phim hành động hàng đầu. Tiếng crump

44. The Train (1964)

Giám đốc: John Frankenheimer John Frankenheimer

Ở đây, một bức tranh khác đã thay đổi các tác phẩm trong Thế chiến II. Bộ phim hành động của John Frankenheimer, 1964 hố Đại tá Đức Quốc xã Franz von Waldheim (Paul Scofield) chống lại chiến binh kháng chiến của Pháp Paul Labiche (Burt Lancaster) khi sau đó cố gắng cản trở những nỗ lực trước đây để lẻn vào Đức một bộ sưu tập các bức tranh bị đánh cắp từ một bảo tàng nghệ thuật của Pháp. Nhưng chìa khóa cho vòng quay khiêu khích của Train Train trên các nhị phân tốt đẹp hơn so với những điều kỳ lạ là cách nó mô tả cả hai nhân vật này. Von Waldheim có thể đứng về phía lịch sử, nhưng anh ấy là một Esthete, người thực sự quan tâm đến nghệ thuật mà anh ấy mang về đất nước này. Labiche, mặt khác, là một kẻ vũ phu cổ điển, người quan tâm đến sự trả thù nhiều hơn là về nghệ thuật mà anh ấy đã giải cứu, và bằng cách mở rộng vẻ đẹp mà họ đại diện cho một thế giới phát điên. Vẻ đẹp của bộ phim Frankenheimer, là nó quản lý để lén lút trong những kẻ vô tính nhân văn như vậy trong giới hạn của một phim kinh dị hành động điện tử, tất cả các cách để đối đầu cuối cùng để lại một dư vị cay đắng ngay cả khi đảng Right Right nổi lên chiến thắng. Cấmkenji Fujishima

43. Đàn ông trong chiến tranh (1957)

Giám đốc: Anthony Mann Anthony Mann

Đàn ông trong chiến tranh là một hỗn hợp đặc biệt: Phim hành động một phần, một phần phim kinh dị tâm lý và một phần Odyssey hiện sinh. Nhiệm vụ là không đáng chú ý, những người đàn ông không chính trị và các nhân vật của chúng ta nói trong biệt ngữ quân sự tự nhiên, nhưng có một điều gì đó về cuộc hành hương của Trung úy Benson (Robert Ryan) và trung đội của anh ta sẽ đi sâu vào lãnh thổ Bắc Triều Tiên. Bộ phim của Mann sở hữu chủ nghĩa hiện thực Spartan cũng như chất lượng doomy, hoang tưởng, với các góc nghiêng và cận cảnh mồ hôi phủ lên một câu chuyện trong đó các nhân vật luôn ở trên nhau . Cuối cùng, khi đoàn quân đông hơn tấn công ngọn đồi, Mann dường như đang đưa ra một điểm rất đơn giản về sự điên rồ của chiến tranh, nhưng có một điều gì đó bí ẩn và khó chịu về hành trình mà đạo diễn đưa chúng ta đến đó. Nó giống như con đường là một sinh vật sống với mối đe dọa, giống như ngọn đồi đang chờ trung đội Benson, ở cuối con đường là một nam châm kéo họ đến với sự diệt vong của họ. Mạnhbrogan Morris

42. Mash (1970)

Giám đốc: Robert Altman Robert Altman

Ngay cả bây giờ, nó giật mình khi xem trò hề Robert Altman, 1970 trong ánh sáng của bộ phim sitcom truyền hình CBS dài mà nó truyền cảm hứng. Thay vì bộ phim hài mà chương trình truyền hình của Larry Gelbart là (với sự nhấn mạnh lớn hơn vào kịch trong các phần sau của nó), bộ phim của Altman không khoan nhượng trong chủ nghĩa chống thành lập khàn khàn của nó, tìm thấy trong hai anh hùng nổi loạn của nó, Hawkeye (Donald Sutherland) và Trapper John (Elliott Gould), những người chơi khăm vui vẻ sẵn sàng vạch trần sự bất tài và đạo đức giả trong đơn vị phẫu thuật quân đội nơi họ làm việc. Mash có thể đã được thiết lập trong Chiến tranh Triều Tiên, như cuốn tiểu thuyết Richard Hooker mà nó dựa trên rằng họ rõ ràng quan tâm rất ít. Tuy nhiên, hài hước một cách dã man như nó vẫn còn trong những cách mà nó hài hước từ sự điên rồ của chiến tranh, tuy nhiên, có một chủ nghĩa nhân văn nội tâm ngăn cản nó hoàn toàn hư vô. Không giống như nhiều đồng nghiệp và cấp trên của họ, Hawkeye và Trapper John là những bác sĩ phẫu thuật lành nghề, những người thực sự quan tâm đến việc cứu người sống, bảo lưu mật của họ cho các thành viên không suy nghĩ nhất của bộ máy quan liêu công nghiệp quân sự. Mash là một ví dụ vẫn hiệu quả của một bộ phim tìm thấy sự hài hước ở một số nơi ít được mong đợi nhất, khiến chúng ta cười để không khóc. Cấmkenji Fujishima

41. Battleground (1949)

Giám đốc: William Wellman William Wellman

Rất nhiều bộ phim WWII được thực hiện trong chiến tranh và trong thời kỳ hậu chiến ngay lập tức, nếu không tuyên truyền, thì ít nhất là đơn giản về mặt tâm lý, nhân tạo và yêu nước. Battleground, từ cựu chiến binh WWI William Wellman (chỉ đạo) và Battle of the Bulge Vet Robert Pirosh (viết từ kinh nghiệm cá nhân) có vẻ như là một phản ứng trực tiếp. Có chiến đấu lẻ tẻ, nhưng chủ yếu là nó về sự chờ đợi ở giữa; Một nhóm phụ liên quan đến việc Van Johnson, cố gắng tìm thời gian để nấu những quả trứng mà một dân làng Bỉ đã cho anh ta trên đường vào Ardennes nổ tung. Các thiết bị và đồng phục trông bị mòn. Không có ngôi sao lớn nào nhầm lẫn khán giả nghĩ rằng bất kỳ nhân vật nào là anh hùng hoặc đặc biệt cá nhân. Thay vào đó, có một nhóm diễn viên nhân vật chiến thắng đóng vai những người thiếu sót có thể nhận ra, Homesick Hồi Doughboys, nói đùa và chê bai về thiết bị xấu, thời tiết xấu và thực tế là họ ở Bastogne bị chiến đấu, không được nghỉ ở Paris như mong đợi. Trong bộ phim này, thức ăn nóng là chiến thắng thực sự, và một người đàn ông có khả năng bị giết với đôi giày của anh ta trong một trận hỏa hoạn khi anh ta đang chạy đua vinh quang chống lại kẻ thù. Mạnhbrogan Morris

40. Chơi bẩn (1968)

Giám đốc: Andre de Toth Andre De Toth

Bạn có thể được tha thứ vì nghĩ rằng chơi Dirty của Andre de Toth, sẽ không gì khác hơn là một nỗ lực không có kết quả đối với tác phẩm kinh điển của Robert Aldrich, The Dirty Dozen, được phát hành năm trước. Rốt cuộc, nó chia sẻ 50% danh hiệu và nhà lãnh đạo Rogue cơ bản của người Hồi giáo đưa Crims vào một âm mưu truyền giáo tự sát. Trên thực tế, Play Dirty là một bộ phim chặt chẽ hơn và cực kỳ ít máu hơn: trong khi hàng tá Dirty của Aldrich được dạy để yêu quân đội và ghét người Đức Xem nhiệm vụ của họ như bất cứ điều gì khác ngoài Fubar. Với các bộ lạc kẻ thù tự do đi lang thang trong bối cảnh sa mạc không biên giới và những khẩu súng được thuê lỏng lẻo về mặt đạo đức được định vị là những anh hùng của người Hồi giáo, trò chơi Dirty có thể cảm thấy gần gũi với một bộ phim chiến tranh và một trong những bộ phim chiến tranh và một trong những người Peckinpah. Sự vô nghĩa của người đàn ông giết người đồng bào của mình được ghi nhận trong một tiếng thút thít của một trận chung kết, một cơn đột quỵ u sầu khiến một trong những bộ phim dành cho những người đàn ông thú vị hơn. Mạnhbrogan Morris

39. Busters đập (1955)

Giám đốc: Michael Anderson Michael Anderson

Những bộ phim hay nhất về nỗi ám ảnh là, giống như các đối tượng của họ, thường hoàn toàn đơn độc theo cách tiếp cận. Bộ phim chiến tranh rất Anh của Dam Busters dành phần lớn 124 phút cho ngôi nhà của Michael -Tuning sẽ đảm bảo thành công nhiệm vụ. Khi Wallis hoàn thiện vũ khí mới của mình, chỉ huy cánh Guy Gibson (Richard Todd) huấn luyện một phi đội bay ở độ cao tự tử thấp để họ có thể thả trọng tải Wallis trên ba con đập quan trọng trên Ruhr của Đức. Thật dễ dàng để bị cuốn vào động lực của bộ phim của Anderson, thông qua nhiều rào cản kịch tính của nó luôn hướng đến phía bắc thực sự đối với chính nhiệm vụ không thể tránh khỏi, một cuộc tấn công thần kinh, nặng nề mà George Lucas sau này sẽ lấy cảm hứng cho cái chết của anh ta Chuỗi Star Trench trong một hy vọng mới. The Dam Busters thuộc về một lớp phim người Anh không còn tồn tại, Straitlated nhưng quyến rũ, chính thức nhưng vẫn với những phát minh điện ảnh, sử thi trong phạm vi nhưng cảm thấy thân mật. Chỉ cần don đề cập đến con chó. Mạnhbrogan Morris

38. The Ascent (1977)

Giám đốc: Larisa Shepitko Larisa Shepitko

Nó không chắc chắn làm thế nào nhà văn-đạo diễn Larisa Shepitko đã thuyết phục được kiểm duyệt của Liên Xô rằng sự đi lên chỉ là một bộ phim vô thần khác của người Nga về cuộc chiến tranh yêu nước vĩ đại. Những gì bắt đầu một cách không đáng kể, có một trận hỏa hoạn trong tuyết, giữa các đảng phái và binh lính Đức, trước Riflemen Rybak (Vladimir Gostyukhin) và Sotnikov (Boris Plotnikov) về câu chuyện về sự hy sinh của Chúa Kitô. Sotnikov trở thành nhân vật của Chúa Kitô, Rybak Judas và Portnov (diễn viên yêu thích của Andrei Tarkovsky, Anatoly Solonitsyn), một cộng tác viên địa phương thẩm vấn thay mặt cho Reich, Pontius Pilate của họ. Chủ nghĩa khổ hạnh (hình và cấu trúc đơn độc được đặt bởi tuyết vô tận, màu trắng trải dài trên như một sa mạc đóng băng) và những người cận cảnh cực đoan của Shepitko trên những khuôn mặt thanh thản và đau khổ xen kẽ Kinh nghiệm mà cảm thấy gần như tôn giáo. Xuống xương, nó di chuyển và mê mẩn. Mạnhbrogan Morris

37. Nơi Đại bàng dám (1968)

Giám đốc: Brian G. Hutton Brian G. Hutton

Kiểu phim mà những ngày cuối tuần lười biếng được làm bằng lòng tự trọng. Một buổi chiều của một đứa trẻ chơi với những người lính đồ chơi của họ trở nên sống động, với tất cả những kẻ xấu dùng một lần, chỉ huy nhiệm vụ bất khuất (do Richard Burton và Clint Eastwood thủ vai, cả hai đều phát sáng với sức mạnh ngôi sao), những kẻ xoắn ốc và những người có thể mơ ước mà người ta có thể mơ ước . Đạo diễn Hutton làm cho kẻ thù trở nên khó khăn nhất có thể, để chúng ta có thể cổ vũ khi những anh hùng của chúng ta không bị che khuất một căn cứ của Đức, hoặc khi Major Smith của Burton thả một kẻ xấu hàng trăm feet trên cáp treo, hoặc khi Clint Eastwood's Lt. Schaffer đi qua Một dòng phát xít không ngừng của Đức quốc xã với một cặp súng tiểu đường. Một số thuật ngữ như một thuật ngữ được phát minh cho những bức ảnh như thế này. Mạnhbrogan Morris

36. Tình trạng con người (1959-1961)

Giám đốc: Masaki Kobayashi Masaki Kobayashi

Masaki Kobayashi, gần mười giờ nguyên khối đòi hỏi phải có cam kết. Người ta phải chuẩn bị không chỉ cho chiều dài hoành tráng, mà đối với bộ phim, cuộc tấn công không ngừng đối với khái niệm lòng tốt của con người, bởi sự cuối cùng bị xóa sạch bởi một núi bằng chứng ngược lại như một người đàn ông đã trải nghiệm. Mới kết hôn và mới ra khỏi trường đại học, Kaji (Tatsuya Nakadai) sớm phát hiện ra nó là một thế giới cô đơn cho một người không tưởng. Trên hành trình của mình qua khu vực lạnh lùng, độc đoán của châu Á ở Thế chiến II, Kaji không thành công cố gắng đưa những lý tưởng xã hội chủ nghĩa của mình đến vai trò là người giám sát các tù nhân Trung Quốc tại một trại lao động cưỡng bức của Manchurian; phải chịu đựng tất cả các cách phẫn nộ và chấn thương thể chất khi anh ta được đưa vào quân đội Nhật Bản; Và cuối cùng thấy mình lang thang qua một Trung Quốc bị chiến tranh tàn phá vào một trại POW của Liên Xô, cơ thể anh ta yếu đuối và tâm hồn anh ta bị hỏng. Tất cả đều nhận ra tất cả những người đơn sắc đẹp, nhưng bộ phim của Kobayashi, có thể giúp đỡ nhưng là một chiếc đồng hồ khó khăn, như được mong đợi từ một nhà làm phim cam kết bao quát cuộc sống tục ngữ, cái chết và mọi thứ trong khoảng 579 phút. Nhà phê bình phim nổi tiếng người Anh David Shipman gọi điều kiện con người không nghi ngờ gì là bộ phim vĩ đại nhất từng được thực hiện, đó là một vấn đề cho cuộc tranh luận, nhưng bất cứ ai sẵn sàng đầu tư thời gian và năng lượng thực sự sẽ tìm thấy một trải nghiệm tuyệt vời. Mạnhbrogan Morris

35. Waltz với Bashir (2008)

Giám đốc: Ari Folman Ari Folman

Nhiều về những phát minh ảo giác của ký ức như sự thật về vụ thảm sát năm 1982 tại một trại tị nạn Palestine ở Beirut bởi người được gọi là Phalangist Christian Militia, hoạt hình của Ari Folman với Bashir bắt đầu với 26 con chó sủa đang chạy qua thành phố từ đó Xây dựng, không ngừng. Mặc dù Folman, một tài liệu kỳ cựu của Israel, gọi Bashir là một bộ phim tài liệu dựa trên các cuộc phỏng vấn cốt lõi của nó (chủ yếu là với những người lính), máy ảnh của anh ta đặt ra các nhà quay phim đẹp nhất không bao giờ có thể mạo hiểm: chùm tia sáng giữa các nhánh trong một trận chiến rừng và The Forest Battle và The Forest Battle Những hình ảnh trong mơ về những người đàn ông đang trỗi dậy trần truồng từ biển trong khi những quả bóng lửa rơi xuống từ bầu trời, cũng giống như những điểm trống giống như những chiếc xe trong tâm trí của Folman khi anh ta tái tạo nhiệm vụ của mình vào Lebanon. Mạnh mẽ ngoài một nghi ngờ, đặc biệt là trong cao trào tan vỡ bức tường thứ tư, Waltz với Bashir mượn các trò chơi tâm trí rõ ràng trực quan của Richard Linklater, đánh thức cuộc sống hoặc một máy quét tối tăm và nhảy vào cuối cùng. Giới thiệu Jarnow

34. Downfall (2004)

Director: Oliver Hirschbiegel

It’s a curiously human trait, our need to laugh in the face of evil—and that Downfall spawned a million parody videos perhaps speaks of how unsettling Oliver Hirschbiegel’s war-bio is. Here is a film that takes us into the heart of darkness in maybe the darkest time in human history, Adolf Hitler’s Berlin bunker at the end of WWII in Europe, and makes the mastermind of it all our company for two-and-a-half hours. More uncomfortably, the film makes a murderous dictator something approaching sympathetic, his hands uncontrollably quivering (possibly as a result of the onset of Parkinson’s disease), his mind paranoid and deluded that victory is still within grasp, as all around the city explodes and his soldiers privately prepare for life after the Reich. Bruno Ganz’s is the definitive screen portrayal of Hitler, a portrayal that courted controversy on the film’s release because it dared suggest there was humanity to one of history’s greatest monsters. His Hitler is ruthlessly inhumane and, as seen in that YouTube-famous scene, given to apocalyptic rages, but he’s also affectionate towards loved ones and kindly to his most loyal servants. It’s a fascinatingly complex depiction of a pathetic tyrant, in an all-round riveting account of a regime’s last days. —Brogan Morris

33. Black Book (2006)

Director: Paul Verhoeven

Leave it to Paul Verhoeven to puncture standard good-versus-evil sanctimonies during wartime, and to do it in as vulgar and trashy a manner as possible. Not that his 2006 epic Black Book is another Showgirls. This film—his first Dutch production since 1983’s The Fourth Man—is “classy” compared to much of his U.S. work: a sweeping, handsomely mounted period adventure yarn full of violent shoot-outs, sexy seductions and last-minute betrayals. With its irreverent tone and populist idiom, this would have fit quite nicely in mainstream U.S. multiplexes. Underneath its unabashedly crowd-pleasing surface, however, is a dark vision of the moral complexities World War II brought out on both sides. Here, not all of the Nazis are purely evil; one of them—Ludwig Müntze (Sebastian Koch)—is, in fact, Black Book’s romantic lead, a kind-hearted Nazi with whom vengeful Dutch resistance spy Rachel Stein (Carice van Houten) falls in love. And some of Rachel’s fellow resistance fighters are anti-Semitic themselves. There’s a keening moral intelligence in Black Book that makes it as troubling as it is mightily entertaining. In other words, it’s Paul Verhoeven at his provocative best. —Kenji Fujishima

32. The Big Red One (1980)

Director: Samuel Fuller

The Big Red One feels like the summation of all Sam Fuller took from his numerous careers. It has the eye for detail and human drama of a former journalist; the tough economy of an ex-pulp novelist; the casual ingenuity and resourcefulness of a B filmmaker of more than 30 years; and the been-there verisimilitude of a decorated WWII veteran. A collection of sensational war stories mixed in with Fuller’s own experiences as an infantryman for the 1st Infantry Division, The Big Red One is an intimate sort of epic, taking us from Africa to Italy, from France to Belgium, from Germany to Czechoslovakia, but always keeping the focus narrowed to Lee Marvin’s grizzled sergeant and his four most loyal dogfaces (including Mark Hamill and Robert Carradine, as Fuller’s stand-in). Observed alongside this bickering crew the absurdities of war don’t seem so harsh, their wry commentary keeping Fuller’s biting film surprisingly light—until a final sequence set at the liberation of Falkenau concentration camp finds Fuller confronting the horrors he personally witnessed with unvarnished emotion. —Brogan Morris

31. The Hurt Locker (2008)

Director: Kathryn Bigelow

Kathryn Bigelow’s Zero Dark Thirty may have been more ambitious in its step-by-step chronicle of the efforts to find and kill Osama bin Laden, but her preceding War on Terror film, The Hurt Locker, perhaps remains the more resonant achievement. It’s essentially a character study in the guise of an action movie, with Bigelow’s subject Staff Sgt. William James (Jeremy Renner), a devil-may-care maverick who not only has a knack for disarming bombs, but loves doing it to a reckless degree. Beyond its hair-raising action and suspense set pieces, much of the film’s drama is driven by the tensions James’s hot-dog tendencies create between himself and everyone around him. But perhaps the film’s most noteworthy achievement lies in the way Bigelow uncannily inhabits James’s perspective while also standing outside of it. When, in its quiet epilogue, James finds himself immediately bored by suburban life and itches to return to the adrenalized theater of war, after nearly two hours of relentless nerve-wracking tension, we in the audience feel the same sense of stagnation he does. “War is a drug,” says journalist Chris Hedges in a quote that opens the film. In The Hurt Locker, Bigelow makes us understand that perspective in the most visceral way possible, to truly revelatory effect. —Kenji Fujishima

30. Empire of the Sun (1987)

Director: Steven Spielberg

It was the most unusual of creative marriages: Steven Spielberg, then best known as a director of family fare, and J.G. Ballard, controversial author of macabre social horror novels. But in recalibrating Ballard’s semi-autobiographical war book Empire of the Sun as a dark fairytale, and in dipping his toe into darker waters prior to diving in with Schindler’s List, Spielberg made one of his most mature and moving works. It’s WWII through the eyes of a hyperactive child: to Jamie (Christian Bale, at 13 giving one of his very best performances), freed from his upper-crust English bubble when Japanese forces invade his Shanghai home and throw him in an internment camp, wartime is a playground. Absent judgmental parents and teachers, prison is a place for an imaginative young boy to run wild. Sneaking into the neighboring Japanese airfield is a game of hide and seek, while the flash of the atomic bomb is the soul of a fellow prisoner ascending up to heaven. It’s touching stuff, and Spielberg for once doesn’t blow it with a forced happy ending, preferring to finish on an ambiguous note: is Jamie saved, or lost forever? —Brogan Morris

29. The Dirty Dozen (1967)

Director: Robert Aldrich

Imitated by many and bettered by none, Robert Aldrich’s The Dirty Dozen is the greatest men-on-a-mission movie not because it has the coolest action sequences—though the final showdown between the dozen and German forces at the French chateau is a fine bit of mayhem—but because it so capably finds a balance between nihilistic fun and viewer investment in its characters’ welfare. The first two-thirds is full of goofery, as a none-more-Lee-Marvin Lee Marvin whips a group of unrepentant criminals (including Charles Bronson and John Cassavetes, stealing every scene with his jackal’s grin) into shape for a mission in Nazi-held France, but the final third has the film take an abrupt turn, as our charming reprobates are picked off whilst slaughtering a house full of partying Germans—officers, their wives and all. A snappy, studio-lot, heroes-and-villains war movie with a wickedly subversive tone and that nasty finale, The Dirty Dozen fascinatingly straddles the Old and New Hollywood eras. 1967 was the year things started to really shift in American cinema, and The Dirty Dozen’s queasy, morally murky climax announces the sea change in spectacular fashion. —Brogan Morris

28. The Great Escape (1963)

Director: John Sturges

The nonfiction, real-life mass escape from a Nazi detention camp in Poland was presumably nowhere near as charismatic as John Sturges’ awesomely cast film adaptation, but that’s okay. The film doesn’t bring anything especially new to the cinematic examination of the war. That’s okay. It’s escapism? Well, it’s about escaping. What makes this film a high-stamina classic is largely its amazing ensemble cast, which includes Steve McQueen, Richard Attenborough, Charles Bronson, James Garner, James Coburn and Donald Pleasance. This band of POWs work together as a film ensemble as well as they work together to execute their impossible escape-each character bringing a different skill set and a different viewpoint to an effort that can only succeed if they all accept their differences and work together. The film has a rather slow start, which some people feel is a weakness, although it’s arguably valid for the character development and relationship development that are key to our desire to see these guys succeed. Despite its laconic pacing in the first half (which one could argue is a thematic underscoring of the frustrating and frightening suspension of being a POW, only diffused and channeled into action when they see a potential path to freedom), it remains a masterpiece of the action genre. It was also the film that put Steve McQueen on the map. I’m sure uncountable numbers of young men walked out of the cinema determined to buy a motorcycle after watching McQueen’s iconic escape ride. They don’t all make it, but they sure make you feel invested in their plan. —Amy Glynn

27. The Killing Fields (1984)

Director: Roland Joffé

The Killing Fields is yet another love story set at a time of war, only this time it’s not two star-crossed romantics divided by conflict but two journalists, colleagues who form a rare bond against the backdrop of one of the grisliest scenes in modern history. It’s Phnom Penh, 1973, and reporters Sydney Schanberg (Sam Waterston) and Dith Pran (Haing S. Ngor) are making names for themselves bagging scoops on the overspill of the Vietnam War into Cambodia, until Viet Cong offshoot the Khmer Rouge takes control of Cambodia and Sydney flees, leaving the native Pran trapped behind. What follows—a systematic slaughter that claimed a quarter of the Cambodian population—is shockingly depicted, with the level of human cruelty and 1984-like totalitarianism on display lending the film an unreal, almost dystopian science fiction vibe. The cast are terrific, especially Waterston and an Oscar-winning Ngor, who in the second half gives what amounts almost to a great silent movie performance, the actor’s eyes telegraphing deep fathoms of inner pain—perhaps his character’s and his own, as he recreates atrocities the likes of which he personally witnessed. —Brogan Morris

26. Ran (1985)

Director: Akira Kurosawa

What kind of person takes Bill Shakespeare’s King Lear, arguably one of the harshest works in his bibliography, and embarks on a creative mission to make that story even harsher? Akira Kurosawa, of course, who in 1985 decided to tickle himself by making Ran, less an adaptation than it is a full-scale remodel of Shakespeare’s text: Kurosawa relocates the action to Sengoku-era Japan from Britain, changes Lear into the pernicious Hidetora Ichimonji, turns his daughters into sons, and generally speaking layers so much tragedy upon the founding tragedies of the Shakespeare play as to make it seem sunny by comparison. But does it qualify as a war movie? War does creep across Ran’s frames, slowly at first and increasingly more so once the first hour passes, but it is perhaps misleading to describe Kurosawa’s action scenes as such. It’s more accurate to think of them as massacres, really, violent, terrifying, and deafening montages of carnage where soldiers slaughter one another and onlookers decide it’s better to off themselves than await the blades of their attackers. War is always an ugly affair, but Kurosawa’s vision renders it maddening and ghoulish in ways most war films simply don’t. —Andy Crump

25. Cross of Iron (1977)

Director: Sam Peckinpah

What pity that Sam Peckinpah made just one war movie proper in his lifetime. This explorer of masculinity, fascinated by male camaraderie and by gunplay, obsessed with mortality and the concept of heroism, always seemed a perfect fit for the genre. And so it proved with Cross of Iron, Bloody Sam’s anarchic and blackly comic traipse through Russian territory during the long German retreat of 1943. Grimy and cold, there’s not much of the pretty lyricism of Peckinpah’s westerns in Cross of Iron—here, death is not glorious but wasteful, while the mud-brown/stone-gray color scheme is interrupted only by liberal splashes of thick red blood. Orson Welles thought it one of the best anti-war films he’d ever seen, and with good reason. The film closes on a freezeframe of James Coburn’s Sgt. Steiner cackling, as Maximilian Schell’s hopeless officer and soon-to-be Iron Cross recipient in the middle of combat asks Steiner how to reload his own weapon, Russian forces swarming all around them. The crushing absurdity of war has hardly been better summarized on film. —Brogan Morris

24. Three Kings (1999)

Director: David O. Russell

Three Kings is a war movie which, as it goes along, attempts to figure out what a war movie even is anymore. Set at the butt-end of the Gulf War, the film begins as an odd bacchanalia of boredom, contorting through a handful of genres and Desert Storm misadventures to arrive, inevitably, at the conclusion that Oh, Yeah, Actually Turns Out War Is Never Boring. Director David O. Russell has his faults—and even a cursory reading into this movie will give you plenty of anecdotes about how much of a heel he is—but he’s not too naïve to claim he can sum up that conflict and the U.S.’s role by portraying its participants as hedonists and potential career criminals, partying and plundering their way through a passive desert land with nothing better to do. So, as four soldiers (George Clooney, Mark Wahlberg, Spike Jonze and Ice Cube) embark on a Kuwaiti gold heist based on information found within an ass map, Russell explores what the responsibilities of these men could be when their only responsibilities—occupying, defending and killing—are no longer all that urgent. Camaraderie, brotherhood, moral fortitude: all of it gone from Russell’s wonky post-war flick, replaced with a refreshing sense of surprise all but extinct from most movies dealing with the same moral gray of modern warfare. —Dom Sinacola

23. Patton (1970)

Director: Franklin J. Schaffner

Watching Patton, Franklin J. Schaffner’s colossal biographical ode to one of World War II’s most renowned and most controversial military figures, you get the sense that George S. Patton would likely dig Schaffner’s work; the film doesn’t apologize for itself or for its subject’s actions and attitudes, much as Patton didn’t make a habit of apologizing for either unless directly ordered to by his superiors. There may be no more appropriate way to honor the man’s memory than that, to the extent that Patton can be described as an “honor.” The film doesn’t exactly flatter the general, per se, but straddles a line between hero worship and sober representation, letting Patton, and by extension George C. Scott’s commanding and iconic portrait of him, speak for himself without fear of condemnation or reprisal. As Patton is about Patton, so, too, is it about Scott, which makes sense: If you make a movie and name it after its central character, you’re also making it about its central performance, and so it’s good that Scott was up to the task of reincarnating the late general in all his egotistical, violent, callous and shockingly vulnerable glory.Patton is a war movie, make no mistake, but it uses the war movie blueprint for housing a character study of its protagonist. The results, almost half a century later, remain completely singular in the genre. —Andy Crump

22. Mười hai giờ cao (1949)

Giám đốc: Henry King Henry King

Về độ dài trừng phạt mà một số phi công Mỹ đã đi vào những ngày đầu của Thế chiến II, mười hai giờ cao là một cuộc kiểm tra thẳng thắn về sốc chiến đấu. Những cảnh được thiết lập trên bầu trời được hiện thực hóa thông qua sự kết hợp thông minh, liền mạch giữa công việc phòng thu và cảnh lưu trữ, nhưng hầu hết các bộ phim diễn ra trên mặt đất Những đứa trẻ đẹp và bay em cho đến khi chúng không thể chịu đựng được nữa. Bộ phim truyền tải tất cả sự kỳ lạ và lo lắng khi bay một ống thép có cánh vào lãnh thổ của kẻ thù để thả chất nổ, và cầu nguyện để có đủ may mắn để không bị thổi bay khỏi bầu trời. Đó là công việc nghiêm ngặt của Savage, (Gregory Peck) nghiêm ngặt để khôi phục tinh thần và có được những người đàn ông của Phi đội 918 chiến đấu hoạt động một lần nữa, nhưng ngay cả anh ta cũng có giới hạn trong những điều kiện này. Theo dõi hiệu suất của Peck: Lúc đầu, nó có vẻ một nốt nhạc, nhưng ở đâu đó xung quanh hành động cuối cùng, mặt nạ của sự kiên quyết toàn Mỹ Trong số các mô tả đau lòng nhất của điện ảnh về sự mệt mỏi chiến đấu. Mạnhbrogan Morris

21. Ice Cold ở Alex (1958)

Giám đốc: J. Lee Thompson J. Lee Thompson

J. Lee Thompson, băng lạnh ở Alex, nơi đặt chúng ta ở Libya vào năm 1941, có thể là bức tranh đen trắng nóng nhất từng được thực hiện. Vượt qua sự mát mẻ tự nhiên của hình ảnh đơn sắc, sức nóng dữ dội của sa mạc được cảm nhận trong mọi khung hình của nó, của những cảnh quan được lát cát sáng và cơ thể đổ mồ hôi. Sự sờ nắn có thể sờ thấy là một thiết lập lý tưởng cho đội cứu thương Motley của John Mills, khi họ đi qua các bãi mìn và các cuộc tuần tra của quân đội Đức trên vùng đất không có người đàn ông từ Tobruk đến Alexandria do Anh nắm giữ, nơi bia băng giá được dự đoán ngay cả khi được dự đoán bởi chính tiêu đề đang chờ đợi. Một bộ phim quy mô nhỏ, Thompson, tập trung vào những tình cảm có liên quan đến toàn cầu, người lính ở đây khao khát không phải là hành động hay vinh quang, mà là những tiện nghi gia đình đơn giản sau khi một công việc được thực hiện tốt, làm cho bộ phim cảm thấy rất lớn. Trong những phút cuối cùng của nó, phim kinh dị này tiết lộ chính nó là một cú hích cảm động cho tình bạn, vì những anh hùng không đáng kể của chúng ta đã đánh chìm những kẻ lạnh lùng của họ trong một thời điểm được chờ đợi , Cử chỉ nhân văn mà Thompson bằng cách nào đó quản lý để làm cho lớn. Mạnhbrogan Morris

20. Master and Commander: Phía xa của thế giới (2003)

Giám đốc: Peter Weir Peter Weir

Phi công cho một trong những nhượng quyền phim hay nhất chưa từng có, Peter Weir, Napoleonic War Adventure đóng vai một trò chơi dài về mèo và chuột trên hai đại dương, giữa một con tàu Pháp và HMS của Anh. Bộ phim có niềm vui lớn theo những cách cũ: nó xa xỉ trong những huyền thoại và sự hài hước mặn của người lính thủy Georgia, bị cuốn vào tâm lý chiến tranh trước chiến tranh với tư cách là một cuộc hành trình vẫy cờ và, trong một chuyến tham quan ngắn đến Quần đảo Galapagos, Cây thông cho những ngày thăm dò tương tự. Đây là một bộ phim hay với số lượng cơ thể cao, và các diễn viên nhân vật của anh ấy rất đau đớn để đảm bảo hàng tá thủy thủ bị lôi cuốn và trìu mến Một phần lớn đối với hóa học cãi vã giữa Russell Crowe với tư cách là thuyền trưởng điều khiển của con tàu Aubrey và Paul Bettany là bác sĩ nghiêm khắc của nó. Thông qua họ, nó gần như trở thành một bộ phim bạn thân, với cặp đôi liên tục chọn và nói đùa, nhưng vào cuối ngày, luôn khẳng định lại tình bạn của họ với một mứt violin/cello. Một trận đấu hay này xứng đáng với phần tiếp theo, nhưng một bộ phim chúng tôi có đủ tốt để thưởng thức. Mạnhbrogan Morris

19. Hỏa hoạn trên đồng bằng (1959)

Giám đốc: Kon Ichikawa Kon Ichikawa

Ở Kon Ichikawa, các đám cháy trên đồng bằng, Tamura (Eiji Funakoshi), một bộ binh Nhật Bản với tiêu dùng, thực hiện một cuộc hành hương vô hướng qua rừng rậm Philippines, tìm kiếm phương tiện để sống sót sau thất bại của quân đội Nhật Bản bởi các lực lượng Hoa Kỳ trong khu vực. Bị buộc vào một cuộc sống khổ hạnh, cuộc hành trình của Tamura trở thành một loại kinh nghiệm tôn giáo, việc phục hồi linh hồn anh ta có nghĩa là chia sẻ với người khác và không dùng đến sự ăn thịt người như những người lính của anh ta . Một trung đội của những người lính Nhật Bản đang ở bên nhau trong đêm như bọ, được thắp sáng bởi những chiếc xe tăng của kẻ thù sắp hủy bỏ chúng; Một người lính sắp chết đói ăn một nắm bùn. Hầu hết tất cả mọi thứ, từ điểm số nặng nề đến màn trình diễn đáng sợ của Funakoshi (nam diễn viên được cho là đã ăn rất ít trong việc chuẩn bị quay phim dừng lại trong hai tháng trong khi anh ta hồi phục), bảo chúng tôi từ bỏ sử thi man rợ này. Tuy nhiên, vẻ đẹp đồi trụy của nó rất khó để quay lưng lại. Mạnhbrogan Morris

18. The Bridge on the River Kwai (1957)

Director: David Lean

A frequent contender for the “greatest film of all time” crown, this adaptation of Pierre Boulle’s novel Le Pont Sue La Riviere Kwai is directed by the magnificent David Lean and stars William Holden, Alec Guinness and Sessue Hayakawa. Though fictional, the work is based on the construction of the Burma Railway in 1943, and was filmed on location in Sri Lanka (then Ceylon). It won seven Academy Awards, including Best Picture (and in an interesting side-note, a Best Adapted Screenplay Oscar for Boulle, who didn’t write the script, but had to be credited because the actual writers, Carl Foreman and Michael Wilson, were on the Black List at the time). The film chronicles the convergence of British soldiers in a Japanese POW camp led by Colonel Saito (Hayakawa), an intense and often sadistic officer. The ranking British officer, Lt. Colonel Nicholson (Guinness) is so by-the-book that he philosophizes about whether his men have a duty to try to escape, and nearly starves to death in a stand-down with Saito over adherence to the Geneva Convention. Complicating the mix is American Navy Commander Shears (Holden), a cynic who thinks Nicholson is insane for his dogged dedication to the rules in a clearly lawless situation. Saito is desperate to complete construction of the bridge (he’ll be forced to commit ritual suicide if he doesn’t), and of course, his war prisoner workforce are more interested in sabotaging the project than complying. Shears escapes, only to find himself recruited by a British commando unit charged with detonating the bridge. Except Nicholson has gone kind of Stockholm Syndrome and become obsessed with making a Great British Work of Engineering for the Japanese army. It ends in a tragic collision that’s been referenced, parodied and studied for generations. The production ruffled a lot of feathers—the British resented their depiction in the film and many deemed it anti-British (Alec Guinness included). Japanese critics resented the implication that they were incompetent engineers. David Lean frequently clashed with his British cast members, especially Guinness. At one point Lean fell into the river and narrowly escaped drowning. Decades before Apocalypse Now, this was a war film that was beset with onion-layers of internal battle. But Lean’s technical perspicacity is unwavering, the performances of the principal characters nuanced and multi-dimensional. No one’s a hero; no one’s a villain. Also: everyone’s a hero and everyone’s a villain. The film remains one of the most enduring WWII films largely because it takes a layered and sympathetic look at what constitutes courage, duty and the human survival instinct, which can take a multitude of forms. —Amy Glynn

17. The Deer Hunter (1978)

Director: Michael Cimino

Ah, The Deer Hunter, a movie of grand ambition and messy politics, one that critics exalt for its thoughtful depiction of working class Pennsylvanians while in the same breath condemning it for its racist one-sidedness and ponderous ambiguity. But despite Michael Cimino’s shortcomings, with The Deer Hunter he created a film truly unlike any other, an episodic saga that captures what Pauline Kael eloquently called “poetry of the commonplace” while also boiling over with anti-war sentiment and palpable rage regarding American troops’ experiences in Vietnam. The film’s first hour alone is a work of art, a fly-on-the-wall documentation of life in a Pennsylvania steel town (with eastern Ohio mostly standing in), as a group of friends including Nick (Christopher Walken), Michael (Robert De Niro) and Julie (Meryl Streep) prepare for two key events: a large, raucous Russian Orthodox wedding and the imminent departure of the men for Vietnam, where they realize their lives will forever be changed. The film’s shocking second act, with its POW Russian Roulette games and Nick’s torturous break with reality, is of course its most memorable. But the scenes that bookend that horror are the ones that earn it a place on this list, and ground its most ghoulish and surreal sequences in the real sense of despondency that threatened to drown many communities in the wake of the war. —Maura McAndrew

16. All Quiet on the Western Front (1930)

Director: Lewis Milestone

Such was the impact of Lewis Milestone’s pacifistic WWI drama: when the film was first released, Variety wrote that the League of Nations should show it around the world “until the word ‘war’ is taken out of the dictionaries.” Not surprisingly, the fascist regimes of Germany and Italy banned the movie—they feared the influence of its anti-war message, and, almost 90 years on, the pulverizing power of the film is obvious. All Quiet on the Western Front is ferocious, a Pre-Code deglamorization of war that, some nine decades ago, arguably made the final point on the profound horror of the trenches. The heroes of this tale start out as schoolboys, young Germans urged to the front by their professor, but—without the film ever sparing much time to contemplate just what’s happening—before long the class of ’14 are whittled down to just one veteran boy soldier, a witness in his teens to all the myriad ways men can die. Just out of the silent age, Milestone made a noise that can still be heard loud and clear. —Brogan Morris

15. Saving Private Ryan (1998)

Director: Steven Spielberg

Despite its overwhelming scale, the economy of Saving Private Ryan is an astounding accomplishment of storytelling. Barely a year into founding Dreamworks—the studio he built with Jeffrey Katzenberg and David Geffen, essentially allowing him free rein over his creative output—and cuffed by the relative disappointment of Amistad, Steven Spielberg created a nearly three-hour imagistic portrait of Europe in the waning weeks of World War II, all without once allowing the nightmarish breadth of the conflict to overtake the characters at its heart. Twenty years later, and the film’s opening 30-minute salvo, detailing in documentary-like grit the D-Day invasion on the beaches of Normandy, still stands as iconic war filmmaking, unflinching but so pristinely focused on the sheer weight of lives lost that it’s a stymying watch even if you know exactly what you’re getting into—even if you’ve seen it before. Within that initial stretch, brutal and breathless, we learn all we’ll ever need to know about the people who inhabit this literally foreign landscape, each character (played by such folks as Vin Diesel, Barry Pepper and Giovanni Ribisi) presented with the precision of a master who’s discovered how best to balance all that historic weight. For us Millennials who first began to understand the extent of what our grandparents endured as we came of age (as we became the age our grandfather was when he left for war), Saving Private Ryan was an earth-shaking film from a director who’d already reared us on big, blown-out entertainment. For us and anyone else, the film is a near-perfect, heart-wrenching feat that must have been given, as was the film’s titular mission to Captain Miller (Tom Hanks), to Spielberg by fate itself. —Dom Sinacola

14. Full Metal Jacket (1987)

Director: Stanley Kubrick

It’s a non-controversial opinion that Full Metal Jacket’s worth extends as far as its first half and declines from there as the film nosedives into conventionality. But the second chapter of Stanley Kubrick’s Vietnam horror story is responsible for creating the conventions by which we’re able to judge the picture in retrospect, and even conventional material as delivered by an artist like Kubrick is worth watching: Full Metal Jacket’s back half is, all told, pleasingly gripping and dark, a naked portrait of how war changes people in contrast to how the military culture depicted in the front half changes people. Being subject to debasement on a routine basis will break a person’s mind in twain. Being forced to kill another human will collapse their soul. Really, there’s nothing about Full Metal Jacket that doesn’t work or get Kubrick’s point across, but there’s also no denying just how indelible its pre-war sequence is, in particular due to R. Lee Ermey’s immortal performance as the world’s most terrifying Gunnery Sergeant. —Andy Crump

13. Ivan’s Childhood (1962)

Director: Andrei Tarkovsky

Tarkovsky fan Jean-Paul Sartre observed that, for the prepubescent veteran of Ivan’s Childhood, the world has become “a hallucination.” It’s why we view the film through an oneiric lens: it’s the only way our boy hero can interpret his Russia in the midst of war. An orphan whose family was executed by the Germans, a former Partisan and now a scout for the Soviet army, Ivan is coddled by the other soldiers in his unit, but they hope to nurture innocence in a child already made preternaturally old by war. This minimal story of Ivan’s Childhood’s is just the canvas on which Andrei Tarkovsky can arrange his luminous photography, around which the director can wrap his cosmic musings on existence. Beguiling long takes force us to ponder the trees, the water, the swamps between the German and Soviet outposts, always rained on by flares in the night. Tarkovsky’s compositions are magic, so perfectly calibrated and dense with thought they each carry the weight of an essay. No other war film looks and feels like this. No other war film ever will. —Brogan Morris

12. Das Boot (1981)

Director: Wolfgang Petersen

You can watch it as a feature, either the 150-minute theatrical iteration or the 208-minute director’s cut. Or, if you have the time, you can see it in its original uncut form, or as a five-hour miniseries. But in any version, Das Boot is the finest submarine movie in all of cinema. Only “movie” seems an inadequate description. Wolfgang Peterson’s breakout is an experience, a thing to endure alongside the solemn, silly, cynical men of the U-96. We the audience spend the days down there in the depths with the crew, stalking enemy vessels and tensing up under hull-busting pressure, petrified at the sound of approaching depth charges, elated at successfully escaping through into safe waters. Author Lothar-Gunther Buchheim considered his novel butchered, with Petersen’s film an unrealistic “re-glorification” of the German combatant in WWII, but there seems nothing glorious or inauthentic about Peterson’s adaptation. To the viewer, the U-96 crew’s excursions into fear and madness seem like perfectly reasonable responses to an unimaginable situation. —Brogan Morris

11. Army of Shadows (1969)

Giám đốc: Jean-Pierre Melville Jean-Pierre Melville

Một câu chuyện về những công dân Pháp trong năm năm dài chống lại sự chiếm đóng của Đức Quốc xã, Army of Shadows là một bộ phim đen trắng được tạo ra trong màu sắc Saga ít hơn về chủ nghĩa anh hùng của sự thách thức và nhiều hơn về việc sống sót sau hậu quả của sự kháng cự. Bộ phim bị khuất phục như những người đàn ông và phụ nữ giống Phantom chiến đấu để cải tạo đất đai của họ, trực quan âm u như những hành động được thực hiện bởi hai bên của cuộc chiến. Melville, thứ mười hầu như không được biết đến cho đến năm 2006, khi bộ phim của anh ấy bị chế giễu tại nhà trong một cuộc phát hành của Pháp khi phát hành ban đầu, đã mở ra tại Hoa Kỳ để được hoan nghênh. Trước sự đánh giá lại tương đối gần đây, Army of Shadows, cùng với Robert Bresson, một người đàn ông đã trốn thoát và Louis Malle, Lacombe, Lucien là một trong những bộ phim xác định về sự kháng cự của Pháp. Mạnhbrogan Morris

10. Trung đội (1986)

Giám đốc: Oliver Stone Oliver Stone

Bạn có thể đun sôi trung đội với một hình ảnh mang tính biểu tượng duy nhất: Willem Dafoe, Hands and Arms giữ trên cao khi những người lính Việt Nam bắn anh ta xuống, đồng đội của anh ta, khán giả duy nhất của anh ta với sự sụp đổ nghiệt ngã của anh ta trên mặt đất. Có phải anh ấy đang thực hiện một hành động cầu xin trong những khoảnh khắc cuối cùng của mình? Có phải anh ta đang tự chết? Hay là cử chỉ của anh ta có nghĩa là được hiểu là một sự thừa nhận về sự bất lực của anh ta, một sự phản đối kịch câm khi anh ta bị phản bội và bị bỏ rơi? Cho dù cảnh này có bao nhiêu lần, các phần phụ của nó vẫn mở để giải thích. Điều vẫn còn giống như nỗi kinh hoàng của chúng tôi tại lối ra của Dafoe, từ bộ phim, và ý nghĩa của nó trong bối cảnh trong câu chuyện. Trung đội, giống như bất kỳ bộ phim Chiến tranh Việt Nam nào, rất tàn bạo, một chương trình hình ảnh về sự man rợ không ngừng, tái tạo một trong những cuộc tranh luận tự làm, chính trị và quốc tế vĩ đại nhất của Mỹ. Cũng giống như bất kỳ bộ phim chiến tranh Việt Nam nào, hay bất kỳ tổng số phim chiến tranh nào, thực sự, nó đã tái sử dụng một loạt các tội ác tàn bạo như giải trí căng thẳng, gấp lại việc phát hành cathartic khi thấy kẻ xấu có được những gì mà anh ta đến với anh ta trong các chi tiết đẫm máu về sự can thiệp của Mỹ ở Việt Nam. Tiếng crump

9. The Grand Illusion (1937)

Giám đốc: Jean Renoir Jean Renoir

Được thực hiện trong quá trình xây dựng một cuộc chiến thậm chí còn lớn hơn, bộ phim truyền hình POW WWI của Jean Renoir là một lời kêu gọi chân thành cho sự thống nhất giữa các quốc gia. Tất nhiên, cuộc gọi sẽ không được thực hiện, nhưng 80 năm chứa đầy các cuộc đụng độ và những bất đồng bạo lực sau đó, thông điệp của Renoir, chiếm ưu thế: giai cấp, quốc tịch và tín ngưỡng là vô nghĩa trước nhân loại chung của chúng ta. Chỉ một thập kỷ từ Talkie đầu tiên, Renoir đã thực hiện những gì ngày nay xuất hiện một bộ phim hiện đại nổi bật: biểu diễn tự nhiên và đối thoại, chuyển động máy ảnh mượt mà và quan trọng nhất là động lực nhân vật phức tạp. Mọi nhân vật trong phim, thông qua hoàn cảnh tuyệt vọng, trở thành đồng minh với người khác từ một cuộc sống mà họ không bao giờ đi qua. Thú vị nhất là mối quan hệ giữa quý tộc de Boeldieu (Pierre Fresnay) và von Rauffenstein (Erich von Stroheim): Họ là người Pháp và Đức, tù nhân và cai ngục, nhưng, như thể hai sinh vật hiếm gặp phải chiếm giữ cùng một cái lồng, một hình dạng tình bạn thông qua sự công nhận lẫn nhau rằng họ có thể là một trong những người cuối cùng của loại của họ. Sự miêu tả của Renoir, về toàn bộ xã hội thông qua câu chuyện ngụ ngôn là thiên tài, sự đồng cảm của anh gần như siêu phàm. Vụ ảo tưởng lớn giết chết lòng tốt, nó hoàn thành nhiệm vụ của mình như một cú đánh phản chiến không phải bằng cách thể hiện sự kinh hoàng của Battlefield, mà chỉ bằng cách hỏi: Làm thế nào chúng ta có thể trở thành kẻ thù khi chúng ta có quá nhiều điểm chung? Mạnhbrogan Morris

8. Trận chiến Algiers (1966)

Giám đốc: Gillo Pontecorvo Gillo Pontecorvo

Một cuộc gặp gỡ hoàn hảo về câu chuyện và phong cách, bộ phim truyền hình chiến tranh du kích của Gillo Pontecorvo The Battle of Algiers phản ánh trong phong cách tài liệu của nó, các chiến thuật tàn khốc của các chiến binh: Mặt trận giải phóng quốc gia Algeria cách mạng, thực hiện cảnh sát và dân thường trên các quán cà phê và trên đường phố, và trên đường phố, và trên đường phố, và Các thống đốc Pháp và các cuộc nổi dậy của Pháp, đấu tranh để chống lại mối đe dọa cho sự tồn tại của họ ở một vùng đất mà họ cai trị nhưng không hoàn toàn hiểu. Giống như một bộ phim tài liệu tuyệt vời, Trận Algiers có một cái nhìn cân bằng và không phán xét mát mẻ về các đối tượng của nó, không đi xuống bên cạnh những người cấp tiến cũng như những người thực dân, nhưng theo một cách khác thực sự được sắp xếp tỉ mỉ. Thành tích tuyệt vời của đạo diễn là không phải là một giây của bộ phim của anh ấy không có mục đích, nhưng nó mở ra như một bất ngờ liên tục, gần như là cảnh quay không được quay mà được phát hiện. Mạnhbrogan Morris

7. Con đường vinh quang (1957)

Giám đốc: Stanley Kubrick Stanley Kubrick

François Truffaut nổi tiếng (và có thể là sai lầm) được ghi nhận như đã nói, Không có gì giống như một bộ phim chống chiến tranh. Anh ta đã nói rằng anh ta không thể làm một bộ phim chiến tranh về Algiers trên cơ sở rằng, để cho thấy một cái gì đó là để làm nó trở nên hấp dẫn; Ông cũng nói rằng, mỗi bộ phim về chiến tranh đều trở thành người ủng hộ. Nếu điều này là đúng thì có lẽ Paths of Glory là bộ phim gần nhất từng được đưa ra để tạo ra một tuyên bố chống chiến tranh, mặc dù cuộc chiến tranh giới hạn của Stanley Kubrick là người có trình độ tốt hơn là khinh miệt chiến tranh: bạn có thể cảm nhận được sự khinh miệt của Kubrick đối với các nhân vật phản diện của anh ta Tăng từ phía sau máy ảnh, sự phẫn nộ chính đáng của anh ta trước sự hèn nhát không phù hợp của những ông già craven, những người đuổi người khác chết trên chiến trường theo lệnh của họ. Có thể Paths of Glory không phải là người chống chiến tranh, nhưng đó là một người thân, một bộ phim tôn vinh phẩm giá và danh dự thực sự bằng cách nhận ra rằng người ta không cần phải vội vã gặp cái chết không thể tránh khỏi của họ để dũng cảm. Tiếng crump

6. Đỏ và Trắng (1967)

Giám đốc: Miklós Jancsó Miklós Jancsó

Một trong những bộ phim chất lỏng tuyệt đẹp nhất từng được thực hiện, ảnh chụp nhanh cuộc nội chiến Nga của Miklós Jancsó là một sản phẩm của Liên Xô bằng cách sản xuất mạnh mẽ của Hungary Auteur, tất cả các kỹ năng sản xuất của Herculean với máy ảnh đặc trưng chủ nghĩa giáo dục của điều tồi tệ nhất của nó. Mosfilm vì một số lý do đã đồng ý tài trợ cho nó (trước khi chỉnh sửa lại, sau đó cấm nó); Thật khó để thấy sự tự phụ chết người của bộ phim như thế nào, dùi cui kể chuyện liên tục chuyển từ phe này và một nhân vật khác khi những người lính chết dưới bàn tay của kẻ thù màu đỏ của họ, hoặc người da trắng, có thể được xem là bất cứ thứ gì khác ngoài rõ ràng chống chiến tranh. Đó là một phòng trưng bày những kẻ kinh hoàng, những người đi bộ nhảy vào cái chết của họ thay vì bị bắt làm tù binh, những người lính bị giam cầm được sử dụng làm thực hành mục tiêu, phụ nữ dân sự buộc phải nhảy múa vì những kẻ bắt giữ họ bị thôi miên bởi kỹ thuật tuyệt đối của Jancsó. Tốt hơn có lẽ là bất kỳ ai khác, bộ phim Jancsó, làm cho vụ án lãng phí chiến tranh hoàn toàn. Tất cả cái chết này, và sau 90 phút, không phải là một bài học kinh nghiệm. Mạnhbrogan Morris

5. Sự sống và cái chết của Đại tá Blimp (1943)

Giám đốc: Michael Powell, Emeric Pressburger Michael Powell, Emeric Pressburger

Chắc chắn bộ phim đáng chú ý nhất từng lấy cảm hứng từ một truyện tranh lá cải, sự sống và cái chết của Đại tá Blimp là một bộ phim chiến tranh kéo dài ba cuộc chiến nhưng chưa bao giờ thực sự thể hiện bất kỳ chiến đấu nào, về hai người quân đội sự nghiệp ở phía đối diện, những người vẫn còn . Phần lớn bộ phim vẫn còn ở Blighty, nơi Clive Wynne-Candy và Prussian Theo của Anh (Roger Livesey và Anton Walbrook, cả hai đáng kinh ngạc) trở lại từ cuộc chiến Boer, nhìn ra kết thúc của cuộc chiến vĩ đại và tìm thấy bản thân họ lần lượt là một người lính già ra khỏi thời gian và một người ngoài hành tinh chạy trốn khỏi Đức quốc xã ngay từ đầu Thế chiến thứ hai. Đại tá Blimp là nhiều thứ. Nó vinh quang châm biếm của nó, môi trường thích hợp của nó và biểu thị một cách đáng thương về thời kỳ đó đi vào lịch sử. Đó là về việc chiến tranh trong nửa đầu thế kỷ 20 đã mất đi sự hấp dẫn của nó và mang lại sự thay đổi chính trị lớn, xung đột là theo chu kỳ và quá thường xuyên được sinh ra từ niềm tự hào bướng bỉnh, về việc phát triển từ chủ nghĩa lý tưởng bảnh bao thành tuổi già hoài nghi, về tình yêu ám ảnh . Trên tất cả, nó là một bộ phim thời WWII của một người Anh và một người Áo-Hung nhấn mạnh chủ nghĩa nhân văn đối với chủ nghĩa dân tộc, được cung cấp bởi sự sáng tạo trước của cặp đôi. Một số bộ phim đã từng cố gắng nói và rất nhiều, và đã thành công khi nói và làm tất cả với sự hoang mang, nhẹ nhàng và hóm hỉnh như vậy. Mạnhbrogan Morris

4. Hãy đến và xem (1985)

Giám đốc: Elem Klimov Elem Klimov

Nếu mục đích của một bộ phim chiến tranh là làm cho chiến tranh xuất hiện hoàn toàn và hoàn toàn không hấp dẫn, thì hãy đến và xem có thể là người vĩ đại nhất từng được thực hiện. Bộ phim Elem Klimov, là bộ phim chiến tranh trong vai Aspressionist Horror, một diorama của bạo lực và biểu tượng khủng khiếp mà Lừa cũng là một cảnh tượng sắp đến tuổi. Có lẽ Klimov chỉ có thể hiểu được thực tế diệt chủng của cỗ máy chiến tranh của Đức Quốc xã xông vào Belorussia thông qua ảo giác về âm thanh và hình ảnh này: Corpse-Tams thu hút những đám mây, những con bò sữa bị bắn bởi những kẻ theo dõi trong hoàng hôn, các cuộc tấn công ném bom rừng rời khỏi nhân vật chính (( và bộ phim) các khoa âm thanh bị bóp nghẹt. Mặc dù chúng ta chứng kiến ​​sự tàn bạo, bao gồm sự hủy diệt cao trào của một ngôi làng Belorussian có thể là cảnh phản chiến hiệu quả nhất trong tất cả các rạp chiếu phim, nhưng thiệt hại cho anh hùng trẻ Flyora (Aleksei Kravchenko) là điều khó quên nhất, khi anh ta bắt đầu Bức tranh có khuôn mặt tươi tắn và lý tưởng và để nó khô héo và rỗng. Tiêu đề được lấy từ một dòng trong Sách Khải Huyền; Khủng bố hoành tráng ngụ ý trong trích dẫn Kinh Thánh là hoàn toàn phù hợp cho những bộ phim chiến tranh đau khổ nhất này. Mạnhbrogan Morris

3. Đường màu đỏ mỏng (1998)

Giám đốc: Terrence Malick Terrence Malick

Bây giờ có vẻ không thể tin được rằng ngay cả một auteur cũng huyền thoại như Terrence Malick thực sự bảo đảm tài chính để tạo ra thơ trên quy mô của dòng màu đỏ mỏng. Được tổ chức tại địa điểm tươi tốt ở Úc và được trang bị một dàn diễn viên với tài năng, Malick trở về từ chế độ ngủ đông của Moviemaking vào năm 1998 với tác giả James Jones, câu chuyện về một công ty của các lực lượng Nhật Bản chiến đấu với các lực lượng Nhật Bản ở Thiên đường Guadalcanal khúc xạ qua ống kính vinh quang của chính mình. Kết quả là một bản hùng ca trừu tượng và không ngừng suy ngẫm, tràn ngập những người cutaways tuyệt đẹp đến Jungle và Beast, và về mặt một nhà làm phim có sự cố định chính luôn là môi trường mà các nhân vật của anh ta cư trú trong trò chơi hay của diễn xuất tuyệt vời. . Kiệt tác gần ba giờ này làm. Mạnhbrogan Morris

2. Lawrence of Arabia (1962)

Giám đốc: David Lean David Lean

Giới thiệu và giới thiệu Peter OTHERoole. Nói về một lần ra mắt. Tra cứu từ ngữ Epic Epic và bạn có thể tìm thấy kiệt tác marathon của David Lean, về T.E. Lawrence ở Bán đảo Ả Rập ở WWI. Thời gian chạy của nó là 222 phút, vì vậy nếu bằng cách nào đó bạn đã tìm được điểm này mà không nhìn thấy nó, hãy lên kế hoạch cho phù hợp nhưng hãy xem nó, bởi vì có những lý do thực sự chính đáng tại sao bộ phim này được đề cử giành được bảy). Mặc dù có phần lãng mạn hóa và với một số nhân vật bị xáo trộn hoặc thêm hoặc bị trừ đi, đây là một tài khoản khá phi hư cấu về câu chuyện của Lawrence, trong đó anh ta tìm thấy lòng trung thành của mình được phân chia giữa các bộ lạc Ả Rập và quân đội Anh (văn hóa đụng độ là một mối quan hệ đáng chú ý trong các bộ phim của Lean, và Ý kiến ​​có phần chia rẽ về mức độ thành công của anh ấy khi mô tả họ). Một người yêu thích kooky theo như người Anh quan tâm và là người ngoài cuộc không đáng tin cậy cho người Ả Rập, anh ta giành được sự ưu ái của Hoàng tử Faisal (Alec Guinness), và dẫn đầu một cuộc tấn công nguy hiểm và táo bạo đối với quân đội Thổ Nh Ali (Omar Sharif). Và đó là tất cả trước khi tạm dừng. Lean là một đạo diễn đạo diễn với sự nhạy cảm thị giác hấp dẫn, và sa mạc Ả Rập tàn bạo, nguy hiểm không chỉ bị thu thập một cách xuất sắc bởi nhà quay phim F. A. Young, mà còn phần lớn bởi nhà soạn nhạc Maurice Jarre. Có một màn trình diễn tồi tệ từ dàn diễn viên Powerhouse, nhưng điều người ta phải tự hỏi là điều gì sẽ xảy ra nếu phòng thu Lựa chọn đầu tiên đã chấp nhận, và Lawrence đã được Albert Finney chơi? O hèToole là một ẩn số khi anh ta bị đẩy vào một vai chính đòi hỏi và mãnh liệt, và anh ta rất hấp dẫn, thật khó để tưởng tượng bất cứ ai khác dưới những chiếc áo choàng đó. Đến lượt anh ta táo bạo và tan vỡ, không thể tin được và hoang dã, tinh tế và tuyệt vọng, anh ta vẫn ở trên tất cả những người anh hùng đáng tin cậy và sâu sắc-một người anh hùng thiếu sót (và wow, cũng không quá khó khăn). Đúng, Lawrence of Arabia là một bộ phim quan trọng, chính tắc cho quy mô, điểm số, thành tích kỹ thuật của nó. Nhưng những gì thực sự quan trọng về nó cuối cùng là tinh khiết, và hoàn toàn thành thạo, kể chuyện. Glynn Glynn

1. Apocalypse Now (1979)

Giám đốc: Francis Ford Coppola Francis Ford Coppola

Hãy để Lừa gọi Truffaut một lần nữa, bởi vì tinh thần của anh ta cảm thấy có liên quan đến cuộc thảo luận về sự chuyển thể của Francis Ford Coppola, về trái tim bóng tối của Joseph Conrad, như để thảo luận về con đường vinh quang. Có lẽ, nếu chúng ta lấy Truffaut theo lời của anh ta, ngày tận thế bây giờ có thể giúp đỡ nhưng chỉ xác nhận chiến tranh thông qua hành động tái tạo nó như nghệ thuật. Nhưng có lẽ điều đó không ngăn được bộ phim truyền tải các luận văn lái xe của Coppola: chiến tranh biến đàn ông thành quái vật, dẫn họ xuống một trạng thái nguyên thủy, vô luật pháp, và chiến tranh đó là địa ngục, một cụm từ đáng ngại bây giờ được biến thành sáo rỗng bởi Dint of Gross lạm dụng từ năm 1979 đến ngày nay. Nếu bộ phim trừng phạt chiến tranh bẩm sinh bằng cách miêu tả, nó sẽ không xử phạt tác động của chiến tranh đối với nhân loại của những người tham gia. Trên thực tế, ngày tận thế bây giờ vẫn là một trong những minh họa sâu sắc nhất về bạo lực bị buộc tội của quốc gia bị ăn mòn đối với một người tinh thần và tâm lý. Thật dễ thương khi vào năm 2017, chúng tôi ổn khi trích dẫn bộ phim này trong quảng cáo AT & T khủng khiếp, hoặc tái sử dụng bối cảnh thời kỳ của nó vì lợi ích của việc làm cho King Kong xảy ra với khán giả đương đại lần thứ hai, nhưng không có gì dễ thương, hoặc thậm chí là tất cả những điều đó trích dẫn, về nó. Apocalypse bây giờ Sears, bệnh tật và sẹo; Nó là một bộ phim mà các thương hiệu trong ký ức của chúng ta chỉ là những màn trình diễn nghiêm trọng nhất của sự đồi trụy của con người thực sự có thể. Tiếng crump

Bộ phim chiến tranh khốc liệt nhất là gì?

Những gì được coi là bộ phim WW2 hay nhất?

Saving Private Ryan có phải là bộ phim chiến tranh hay nhất từng được thực hiện không?

Có phim WWI hay không?