Top 10 phim hài mới năm 2022
|
0 Show
 Những bộ phim tình cảm hấp dẫn luôn là lựa chọn hàng đầu của những ai đang yêu. Ngay cả dân FA cũng thường xem những bộ phim ngôn tình lãng mạn này để vơi đi nỗi cô đơn. Nhưng đôi khi, những bộ phim lãng mạn có thể trở nên nhàm chán vì thiếu sự hài hước. Vậy làm thế nào để bạn chọn được một bộ phim hàivừa vui nhộn vừa lãng mạn? Dưới đây là top 10 bộ phim hài lãng mạn hàng đầu mọi thời đại, mới nhất và cực hay dành cho mọi lứa tuổi cũng như những con người đã, đang và sẽ yêu! 1. Lừa Đểu Gặp Lừa Đảo – Phim hài lãng mạn Thái Lan
Phim hài lãng mạn “Lừa Đểu Gặp Lừa Đảo” này xoay quanh câu chuyện tình yêu hài hước của cô nhân viên ngân hàng Ina (Baifern thủ vai) gặp Petch (Bank thủ vai) – Bạn trai cũ bỏ trốn, để lại cho cô một món nợ. Ina lại gặp xui xẻo và tiếp tục bị lừa bởi một chuyên gia lừa đảo khác tên là Tower (Nadech), nhưng lần này may mắn được cô phát hiện kịp thời. Tuy nhiên, Ina đã thuê Tower lên kế hoạch trả thù bạn trai cũ của cô thay vì báo cảnh sát để giao Tower cho họ. Khi kế hoạch mở ra, Ina phải đối mặt với những tình huống trớ trêu mà cô tạo ra và những cảm xúc ngày càng lớn trong trái tim cô. Dù được gắn mác phim ngôn tình nhưng yếu tố hài hước mà bộ phim hài lãng mạn “Lừa Đểu Gặp Lừa Đảo” mang lại chiếm phần lớn thời lượng, còn yếu tố lãng mạn chỉ là thứ yếu. Dù có sự khác biệt giữa hai yếu tố này nhưng bộ phim vẫn tạo được sức hút và sự hấp dẫn riêng. Giọng nói hoặc biểu cảm hài hước của diễn viên, hiệu ứng âm thanh được kết hợp với các tình huống thú vị một cách ấn tượng và rất tự nhiên, chẳng hạn như tiếng đánh của nhân vật thường được thêm vào giọng nói của sói hoặc cừu để gây cười cho khán giả. Đây quả là một bộ phim hài lãng mạn cực hay mà bạn nên xem cùng bạn bè, người thương hay gia đình đó.
2. Chàng Hậu (Mr Queen) – Phim hài lãng mạn nổi đình đám tại Hàn Quốc
Chàng Hậu là bộ phim truyền hình khi vừa mới phát sóng đã sở hữu lượng rating khá cao. Đây là một bộ phim hài lãng mạn thời gian và không gian về thời đại Joseon. Bộ phim kể về câu chuyện của đầu bếp tài năng nhưng kiêu ngạo Jang Bong Hwan, người làm việc trong nhà xanh tổng thống, nhưng có người hãm hại anh ta. Trong lúc tẩu thoát anh ta rơi từ tầng cao xuống và hôn mê bất tỉnh. Cùng lúc đó người sắp làm hoàng hậu của Joseon cũng muốn kết liễu cuộc đời mình khi gieo xuống hồ. Đột nhiên, một điều gì đó đã xảy ra và linh hồn của Jang Bong Hwan nhập vào cơ thể của hoàng hậu So Young trong thời đại Joseon. Bạn nghĩ sẽ như thế nào khi linh hồn của một người đàn ông lại bị nhập vào cơ thể của một nữ hoàng? Jang Bong Hwan sẽ phải đối mặt với vô số bất ngờ xảy ra và những tình tiết hài hước liên tục xuất hiện khiến khán giả không khỏi bật cười. Nhưng xa hơn nữa là những hình ảnh lãng mạn của hoàng hậu, đức vua Lee Won Bum. Tất nhiên, “Mr Queen” không chỉ đơn thuần là giải trí, bởi nó không thể kéo khán giả đến cùng. Chỉ hai tập đầu tiên đã gieo rắc một loạt các thuyết âm mưu hứa hẹn sẽ gây ra vô số cơn bão trong thời gian sắp tới. Cuộc hôn nhân của cô với vua Lee Won Bum có ý nghĩa như thế nào với cả đất nước Joseon? Ngoài là “quân cờ” của nhà Kim, vương phi So Young còn nuôi dưỡng mình tham vọng gì, đó là mối tình đầu của nhà vua Lee Won Bum? Jo Hwa Jin thực sự là một người trung thực? Đó là hàng loạt câu hỏi của khán giả sau khi xem hai tập đầu tiên. Để cùng khám phá ra các chi tiết đặc sắc của bộ phim hài lãng mạn này mời quý khán giả hãy thưởng thức để khai phá ra nhiều điều thú vị từ bộ phim nhé! 3. Hậu Duệ Mặt Trời – Bộ phim hài lãng mạn vươn tầm thế giới
“Hậu Duệ Mặt Trời” là bộ phim hài lãng mạn Hàn Quốc gây chấn động vô số người hâm mộ và đạt rating cao nhất (17,7%) khi mới ra mắt. Đó là một bộ phim màn ảnh Hàn Quốc rất thành công. Bộ phim kể về câu chuyện tình yêu của Yoo Shi-jin (do Song Joong-ki thủ vai), đội trưởng đội chiến đấu Alpha của Hàn Quốc vừa là trung đội trưởng Tae-baek và một nữ y tá Kang Mo-yeon (do Song Hye Kyo thủ vai). Chuyện tình cảm của đại úy Yoo Shi-jin trở nên khá khó khăn do được giao nhiệm vụ đột xuất. Song song với đó là câu chuyện không mấy suôn sẻ của Yoon Myung Joo (Kim Ji Won) và Seo Dae Young (Jin Goo). Cả bốn sau đó được cử đi làm nhiệm vụ đến vùng Uruk xa xôi. Trong khoảng thời gian này, cả hai cặp đôi đều trải qua những cảnh vui, buồn, lãng mạn và hài hước. Sự đầu tư lớn của đạo diễn cho bộ phim cùng với diễn xuất lôi cuốn và hình ảnh nhân vật hoàn hảo là những lý do khiến bộ phim hài lãng mạn này đi ra thế giới như bây giờ. 4. Phim hài lãng mạn với sự góp mặt của tài tử xứ Hàn – Vincenzo
Với việc Song Joong Ki trở lại với phim truyền hình Hàn Quốc, Vincenzo hứa hẹn sẽ là một bộ phim hài lãng mạn hay không kém gì “Hậu Duệ Mặt Trời”. Park Joo-hyung (Song Joong-ki) được một gia đình người Ý nhận nuôi hồi 8 tuổi. Lớn lên, anh lấy tên là Vincenzo Cassano và hiện là luật sư, làm việc cho Mafia với tư cách cố vấn hàng đầu. Không hài lòng với cuộc chiến giữa mafia, anh quyết định trở về Hàn Quốc và gặp luật sư Hong Cha Young (Jeon Yoo Bin). Cô ấy cũng là một luật sư, nhưng phong cách làm việc của cô ấy cũng rất cá nhân và cô ấy sẽ làm mọi thứ trong khả năng của mình để thắng một vụ kiện. Vincenzo Cassano bị thu hút bởi tính cách mạnh mẽ và cá tính của Hong Cha Young và đem lòng yêu cô. Với Yeon Yoo Bin, Ok Tae Yeon và các diễn viên gạo cội Hàn Quốc, bộ phim thành công khi châm biếm mặt tối của xã hội và chính trị Hàn Quốc, cũng như đề cao phẩm giá tốt đẹp của con người thông qua sự đồng lòng và đoàn kết của các cư dân. Các cảnh hành động trong phim cũng tương đối vừa phải, không quá “chướng tai gai mắt”, các bạn xem vẫn vui vẻ, tuy nhiên phim vẫn có giới hạn 16 tuổi, các bạn hãy suy nghĩ kỹ trước khi xem! Bộ phim hài lãng mạn này khiến khán giả bật cười ngay từ đầu, khi nhân vật Vincenzo Cassano của Ý là một anh chàng “ngầu”, không sợ ai, nhưng quay về Hàn Quốc lại bị đánh tơi tả. Nếu bạn đã thấy nó hấp dẫn ngay từ đầu thì không có lý do gì bạn không nên xem nó.
5. Hạ Cánh Nơi Anh
Hạ Cánh Nơi Anh cũng là một bộ phim hài lãng mạn hay nổi tiếng trong các mọt phim Hàn Quốc. Nội dung phim xoay quanh câu chuyện tình yêu giữa Yoon Se Ri (Son Ye Jin thủ vai) – một phụ nữ Hàn Quốc xinh đẹp, giàu có và sành điệu cùng Lee Jung Hyuk (Hyun Bin thủ vai) – một đại úy của quân đội Bắc Triều Tiên. Se Ri gặp tai nạn khi đang chơi dù lượn và vô tình bay đến biên giới Bắc Triều Tiên, cả hai bất ngờ gặp nhau khi người lính Lee Jung Hyuk đang đi tuần. Khi tình yêu xảy ra giữa hai quốc gia đối lập nhau (Hàn Quốc – Bắc Triều Tiên), dường như số phận đã sắp đặt tình yêu trắc trở này. Trong thời gian Yoon Se-ri lưu lại Triều Tiên, cặp đôi đã có vô số tình huống thú vị nhưng không kém phần lãng mạn. Bộ phim hài lãng mạn này thể hiện sức mạnh to lớn của tình yêu và ý chí khi cả hai vượt qua những trở ngại để đoàn tụ. 6. Bí Mật Nàng Fangirl
Phim hài lãng mạn “Bí Mật Nàng Fangirl” là câu chuyện về Sung Deok-mi (Park Min-young thủ vai) – người quản lý Bảo tàng Nghệ thuật Cheum và là người quản lý trang web nổi tiếng dành cho người hâm mộ “Shi An is My Life”, trong khi cô ấy là một fangirl ngầm của Cha Shi An (ONE). Khi có tin đồn rằng Shi-an và Deok-mi đang hẹn hò, Ryan đề nghị anh và Deok-mi giả vờ hẹn hò để các fan của Shi-an không làm tổn thương cô ấy. Những gì tiếp theo là cuộc đời bi thảm và khá hài hước của cô dưới nhiều danh tính khác nhau. Những tình tiết vui nhộn, hài hước và không kém phần lãng mạn của bộ phim sẽ khiến bạn bị cuốn hút. 7. Phim hài lãng mạn lôi cuốn – Luật Sư Bất Bại
“Luật Sư Bất Bại” là một bộ phim truyền hình Hàn Quốc làm lại từ bộ phim hài Nhật Bản cùng tên (2012). Nội dung phim kể về Ko Tae-Rim (do Jin-goo thủ vai), một luật sư kiêu ngạo, luôn đưa ra những nhận xét gay gắt, dùng mọi cách để thắng kiện, với 100% cơ hội thắng kiện. Anh ta tài giỏi nhưng thô lỗ, kiêu ngạo, hoang phí, tham tiền, tham danh và liều lĩnh. Trái ngược hoàn toàn với Seo Jae-in (Seo Eun-soo) là một luật sư mới vào nghề nhưng vẫn khá nhiệt tình. Cô ấy muốn giúp khách hàng đối phó với những tình huống không công bằng. Hai con người với hai tính cách trái ngược nhau, làm việc trong cùng một môi trường chắc chắn sẽ có một cuộc đối đầu gay cấn và hài hước, và chuyện đó cứ diễn ra như thường lệ. Nhưng Seo Jae-in nhận ra rằng những luật sư không thắng kiện cũng vô dụng nên quyết định hợp tác với Ko Tae Rim.
8. Thư Ký Kim Sao Thế?
Thư Ký Kim Sao Thế? kể về phó chủ tịch tài năng nhưng kiêu ngạo Lee Young Joon (Park Seo Joon), nhà gái là cô thư ký tài năng và xinh đẹp Kim Mi So (Park Min Young). Sau 9 năm làm việc và ngày nào cũng phải chịu đựng tính cách lố bịch của phó chủ tịch, Miso quyết định từ chức. Trước khi thư ký bất ngờ đưa ra quyết định, phó chủ tịch Lee Young Joon đã hoảng sợ và bắt đầu lên kế hoạch giữ chân cô thư ký tài năng. Từ đó phát sinh những tình tiết dí dỏm, vui tươi trong quá trình giữ chân cô thư ký, không ngờ mối quan hệ giữa hai người lại nóng lên dẫn đến tình cảm giữa thư ký và phó chủ tịch cũng khiến cư dân mạng hài lòng. 9. Hoa Kiếm
Hoa Kiếm là bộ phim hài lãng mạn kể về sự thành lập và hoạt động của một nhóm thanh niên ưu tú, tài năng và giàu khát vọng nhất trong Vương quốc Silla của Tam Quốc Triều Tiên. Ah ro là một cô gái có nguồn gốc và tính cách nửa quý tộc nửa thường dân. Vì tính chính trực, cô nhận được sự quan tâm đặc biệt của Moo Myung và Sam Maek Jong. Moo Myung là trưởng nhóm của Hwarang, tài năng, ngông cuồng, theo đuổi tự do, yêu Ah Ro và hết sức bảo vệ cô. Đồng thời, thân phận thực sự của Sam Maek Jong chính là vua Jinheung của Vương quốc Silla, một vị vua sáng suốt có công thống nhất Triều Tiên trong thời Tam Quốc. Dù là một vị vua nhưng Maek Jong luôn che giấu thân phận của mình vì anh đã bị săn đuổi từ khi còn nhỏ. Khoảng thời gian trong cuộc sống của Hwarang tràn ngập tiếng cười, mọi người đều rất vui vẻ và điều đó cũng mang lại nhiều tiếng cười cho khán giả.
10. Lối Thoát Trên Không
Phim hài lãng mạn “Lối Thoát Trên Không” phiên bản chiếu rạp nổi tiếng không chỉ ở Hàn Quốc mà còn ở Việt Nam, cũng được khán giả hết lời khen ngợi. Bộ phim kể về Lee Yong Nam (Jo Jung Suk), một thanh niên có cuộc sống không suôn sẻ: Thất nghiệp, đau lòng và bị rò rỉ khí gây chết người nhưng bù lại anh khá có tiếng trong câu lạc bộ leo núi. Sau khi ra trường, anh vẫn thất nghiệp và phải kiếm một công việc tạm thời từ cha mẹ để kiếm sống. Sinh nhật lần thứ 70 của mẹ, nhân dịp này, Yong Nam nhất quyết tổ chức tiệc sinh nhật cho bà tại nơi Eui Ji (Im Yoona) làm việc vì anh luôn tương tư về cô. Không ngờ, một tai họa ập đến bất ngờ, cả Seoul bị nhấn chìm bởi một luồng khí trắng, có thể gây tử vong khi lộ ra ngoài chỉ trong vài phút. Với sự giúp đỡ của Eiu-ji, Yong Nam phải sử dụng tất cả các kỹ năng leo núi của mình để cứu gia đình, tất cả những người khác và mạng sống của chính mình. Nửa đầu phim sẽ xen lẫn một số cảnh vui nhộn, trong khi nửa sau kịch tính hơn, xen kẽ với những tình tiết lãng mạn của cặp đôi cùng nhau trải qua thời khắc quan trọng. Trên đây là tổng hợp top 10 bộ phim hài lãng mạn mới nhất cực hay cho các cặp đôi cùng thưởng thức. Hy vọng với những chia sẻ của chúng tôi sẽ giúp bạn có một buổi xem phim quây quần cùng gia đình và người thân thương! The comedies of 2021 truly hit some all-time lows, with big franchises, reboots, remakes and pretty much everything given to our young cinemagoers seemingly vying for the top spot in a soullessness competition. But that left plenty of room for sneaky hybrids, unexpected indies and, yes, even a few big-budget studio films to claim a monopoly on the year’s laughs. It allowed rising stars like Jim Cummings, Patti Harrison, Natalie Morales, Janicza Bravo and Rachel Sennott to ascend while reaching a hand down to fallen himbo angel Simon Rex. It gave us new Wes Anderson and Quentin Dupieux films. It gave us dog-sized flies, human-sized weasels, and a prank film that’ll make your heart grow ten sizes. Slacker anime, werewolf horror-comedy, and Jewish socio-sexual terror are all represented. 2021, perhaps expectedly, wasn’t too forthcoming with its humorous movies, but if you know where to look, there are plenty of gems. Here are our picks for the 20 best comedy movies of the year: 20. Happily
In writer/director BenDavid Grabinski’s Happily, the pricks are Karen (Natalie Zea), Val (Paul Scheer), Patricia (Natalie Morales), Donald (Jon Daly), Maude (Kirby Howell-Baptiste), Carla (Shannon Woodward), Richard (Breckin Meyer) and Gretel (Charlene Yi). The subjects of their animus are Tom (Joel McHale) and Janet (Kerry Bishé), married for 14 years and incapable of not sneaking off to the bathroom at someone else’s house party for a quickie. They’re desperately in love and their friends can’t stand it. Sure, there’s a line that shouldn’t be crossed regarding public displays of affection, but Tom and Janet have the good decency to play (most) of their grab-ass games just out of view. Still, they’re seen as weird, which means their pals are jealous, which is why they’re disinvited from a weekend getaway. Everybody hates them. Happily lives in the porous space between genres, where horror, thriller and several stripes of comedy—notably dark and romantic—commingle with one another. First-time feature helmer Grabinski firmly steers his script away from sticking in one mode or another: It’s neither purely scary, nor purely tense, nor purely hilarious, but instead most or all of these at once, producing a uniquely unnerving tone where shortness of breath in one moment instantaneously gives way to cackles in the next. Grabinski isn’t the first filmmaker to blend genres, but it’s not every day genres are blended so well that basic qualifiers for describing them all feel ill-suited for the picture they’re being applied to. “Horror-romantic-thriller-comedy-party movie” does Happily little justice. But that speaks to the specificity of Grabinski’s vision, and to the familiar, acrid social dynamic Tom and Janet share with their horrible friends. Happily is a hoot—sharply made, wonderfully acted, and clear proof of Grabinski’s present skill and future potential.—Andy Crump 19. Vicious Fun
The gritty, glowing neon textures of the ‘80s cover practically every frame of director Cody Calahan’s Vicious Fun, a horror-comedy caper that lovingly sends up the era’s genre tropes while never breaching egregious self-indulgence. The set and character design imbues a palpable adoration for the decade of acid wash jeans, glossy underground magazines and VHS tape fuzz, which conveys a genuine appreciation for the cult classics churned out during the ‘80s—even if it sometimes trips into the very tropes it wishes to unpack. In 1983 middle America, schlubby Joel (Evan Marsh) is the “deputy assistant editor” and film reviewer for horror magazine Vicious Fanatics who realizes that his long-time crush/roommate Sarah (Alexa Rose Steele) is dating an apparent scumbag. Joel tails Sarah’s suitor to a Chinese restaurant on the edge of town, intending to tape his inevitably douchey comments and present it to her as grounds for dumping. He strikes up an awkward conversation with the man over strong cocktails, who eventually introduces himself as Bob (Ari Millen), a local realtor who indeed has some scummy things to say about Sarah. Joel drunkenly stumbles into a broom closet and passes out until closing time. Upon waking, the only other people left in the joint compose an intimate gathering of self-professed serial killers—all of whom assume that he’s Phillip, their last anticipated attendee. The circle of sociopaths consists of emotionless clown killer Fritz (Julian Richings), cannibal sous chef Hideo (Sean Baek), mass-murderer Zachary (David Koechner) and a slasher who specializes in killing teens mid-coitus, aptly named Michael (Robert Maillet). Bob also joins the crowd, revealing himself to be an all-American psycho with a familiar obsession with business cards and vinyl raincoats. If the macabre members of that motley crew all seem like obvious allusions to some of the horror subculture’s most notorious killers, don’t fret: James Villeneuve’s script saves Vicious Fun from feeling lazy in execution. The solid pacing of the screenplay serves up equal doses of gory kills alongside quick comedy. Though the film will undoubtedly never achieve the culture-shifting magnitude of the franchises it draws from, it comes equipped with authentic heart and charm: Two assets that will take a flick far even when the competition is killer.—Natalia Keogan 18. Slaxx
Did you know that pant zippers are the most common cause of adult penis injury? Thankfully, the fatality rate is pretty much nothing to worry about. Until now. In the vein of absurd inanimate antagonists ranging from Rubber’s killer tire to Killdozer!’s well…Killdozer, Shudder’s horror/comedy Slaxx is all about a pair of jeans out for blood. Director Elza Kephart (who co-wrote with Patricia Gomez) doesn’t hit below the belt with that particularly painful pinch, but her delightfully schlocky movie definitely ups the kill count contributable to denim—all stitched into a critique of the clothing industry, from the harvest to the high-end boutique. Now, when you hear “killer pants movie,” you might not really care about things like “plot” or “message.” You probably just want to know if it rules to see some empty jeans run, scoot and leap around murdering people. Well, if you’re looking for a movie that doesn’t sit around long enough to wear a hole in the seat of its extremely silly premise, with lots of gore and a few great deaths, Slaxx will fit like a glove. If the idea of killer jeans makes you crack a grin, and even if you’ve been disappointed by horror movies with similarly silly central conceits, it’s worth your time to try on Slaxx. You might be surprised how enjoyable this bootcut bloodbath feels.—Jacob Oller 17. Mandibles
A scenario of magical realism achieved as if through a scuzzy bong rip, French director Quentin Dupieux’s Mandibles follows two slacker friends (Grégoire Ludig, David Marsais) who scheme to make some quick cash to scrape by with the friendly assistance of an oversized housefly. Though Dupieux’s previous films such as Rubber and Deerskin never shy away bloodshed and suffering, his latest effort is overwhelmingly defined by a sense of joie de vivre despite a typically surreal plot and the undeniable disaster left in its protagonists’ wake. The filmmaker’s absurdist comedy leanings are on full display, rendering Mandibles his most surprisingly exuberant film to date. Bizarre but never confounding, Mandibles is a superbly executed tragicomedy. The pair’s idle reaction to their misfortune only adds another veneer of hilarity to the already farcical plotline. When a case of mistaken identity grants the friends a chance to crash at a bougie vacation house on the coast, their oblivious hosts’ ridiculous insistence on politeness and good manners makes them appear far more deranged than the wannabe grifters and their enormous pet fly. Particularly when it comes to Agnès (marvelously performed by Adèle Exarchopoulos, best known in the U.S. as the star of 2013’s Blue is the Warmest Color)—a resident with a volume-control issue stemming from a ski-related incident that shouldn’t be funny, but certainly is—her insistence on adhering to textbook French civility despite a startling, brash tone indicates a certain commentary on an antiquated notion of politeness. Irreverent and heartfelt at once, Mandibles’ comedic duo is part Cookie and King Lu from First Cow, part Dante and Randall from Clerks. They treat the animal which promises them profit with reverence while simultaneously acting in selfish, boorish ways totally unfit for polite society. Though Dupieux’s films have never shied away from violence and destruction, Mandibles preserves the filmmaker’s penchant for perplexity while asserting that life is a glorious thing—even in its distasteful weirdness.—Natalia Keogan 16. Werewolves Within
With the release of his feature film debut Scare Me last year, director Josh Ruben put himself on the horror-comedy map with his tale about horror writers telling scary stories. With Werewolves Within, Ruben further proves his skills as a director who knows how to walk that delicate line between horror and comedy, deftly moving between genres to create something that isn’t just scary, but genuinely hilarious. The cherry on top? This is a videogame adaptation. Werewolves Within is based on the Ubisoft game of the same name where players try to determine who is the werewolf; Mafia but with shapeshifting lycanthropes. Unlike the game, which takes place in a medieval town, Ruben’s film instead takes place in the present day in the small town of Beaverfield. Forest ranger Finn (Sam Richardson) moves to Beaverfield on assignment after a gas pipeline has been proposed to run through the town. But as the snow starts to fall and the sun sets behind the trees, something big and hairy begins hunting the townsfolk. Trapped in the local bed and breakfast, it’s up to Finn and postal worker Cecily (Milana Vayntrub) to try to find out who is picking people off one by one. But as red herrings fly across the screen like a dolphin show at the local aquarium, it feels almost impossible. Just when you think you’ve guessed the killer, something completely uproots your theories. Writer Mishna Wolff takes the core idea (a hidden werewolf in a small town where everyone knows each other), and places it in an even more outlandish and contemporary context to pack an even funnier punch. While the jokes never stop flowing in Werewolves Within, Ruben and Wolff never lose sight of the film’s horrific aspects through plenty of gore, tense scares and one hell of a climax. This film full of over-the-top characters, ridiculous hijinks and more red herrings than you can keep track of is a great entry in the woefully small werewolf subgenre.—Mary Beth McAndrews 15. The SpongeBob Movie: Sponge on the Run
There are many reasons why SpongeBob SquarePants has endured more than two decades of steadfast love and pop culture relevance. Part of it is the enduring positivity and ridiculousness of SpongeBob (Tom Kenny), Patrick (Bill Fagerbakke) and the entire populace of their world. The characters are self-referential, consistent to their defining traits and the writers have always created a duality of experience: Silliness for kids and a sly ascendance of wit that appeals directly to the older viewers. The mode in which the funny is served needs to have all of that present to work. Director/writer Tim Hill (who also wrote 2004’s original The SpongeBob SquarePants Movie) understands that in this first, all-3D presentation. Hill and his team of artists—including Mikros Image, which is responsible for the CGI animation—play it smart by introducing a subtle transition for the view in the opening of Sponge on the Run. Gorgeous, photorealistic CGI of the underwater world transitions to the familiar color palette and stylized look of Hillenburg’s corner of the ocean, just with more presence and tactile flourishes. From Gary’s snail slime coming across as tangible goop to scratches in Sandy Cheeks’ breathing dome, the movie doesn’t aim to overwhelm audiences with overt tech bells and whistles. Instead, it presents the characters and world as an opportunity to experience the familiar in a new light, like appreciating the miniscule scale of a 3D-generated Plankton in comparison to his explosive rage—which makes him all the more hilarious. As another evolution in the ongoing SpongeBob universe, The SpongeBob Movie: Sponge on the Run is a graceful and well-executed dip of the yellow toe into 3D waters. There’s overall respect for the characters and tone, and artistic merit to how they integrate the medium into the show’s standards for presenting the surreal and strange. Does it push the sponge forward? Probably not, and that’s ok. There’s something timeless about Bikini Bottom remaining as it is, with spin-offs and new series serving as the appropriate playgrounds for new outlets of storytelling. Sponge on the Run lovingly splits the difference, but doesn’t take anything away from what many know and love.—Tara Bennett 14. El Planeta
The frequently complicated relationship between mother and daughter has fostered plenty of cinematic investigation, but El Planeta easily distinguishes itself as a uniquely meta and universal addition to the canon. The film follows London-based fashion student Leo (Amalia Ulman) upon returning to her rainy hometown of Gijón, Spain, after the death of her father in order to comfort her mother, María (Ale Ulman), whose chronic joblessness leaves debts piling high. In order to stave off eviction and support their solidly middle-class lifestyle, the two begin a series of elaborate ploys to scam and scrape by. Leo poses as the girlfriend of a powerful Spanish politician, awarding her the convenient phrase: “Put that on his tab.” El Planeta finds charm and levity despite the encroaching anxiety of crumbling finances, a fact that has everything to do with the Ulmans’ beautiful on-screen chemistry and the strength of Amalia’s scriptwriting. Humor and misery mingle effortlessly, primarily through evoking the uniquely Spanish tradition of picaresque melodrama, perfectly encapsulated by luxurious fur coats and nonchalant comments of “Thanks, it’s Moschino” as the heat and electricity get shut off. El Planeta is able to remain self-aware where other films have faltered through Ulman’s peppering in her family’s own lived experiences throughout the film. A leg injury Leo sustains, the pair’s financial instability and even the heartache over their dear cat Holga (who is the namesake of Ulman’s production company) are all cemented in fact, allowing for the curtain between fiction and reality to blur in a way that fosters authenticity.—Natalia Keogan 13. Coming 2 America
Coming 2 America effectively uses the legacy of Zamunda to expand the narrative space not only of the classic original, but for Black diasporic affinity at large. At the end of the 1988 romantic comedy, the royal marriage of Akeem Joffer (Eddie Murphy) and Lisa McDowell (Shari Headley) further symbolically enmeshed the interconnected experience between African-Americans and Black Africans. In this sequel, the legacy of that union is explored through the gendered opportunities of Prince Akeem’s lineage and the pressure he faces to determine his royal successor—all while appeasing the tyrannical leader of Zamunda’s neighboring country Nextdoria, General Izzi (Wesley Snipes). Coming 2 America is an exciting follow-up that’s ensemble cast and increasingly complex musings mostly outweigh its shortcomings. In present-day Zamunda, Prince Akeem enjoys the company of his wife, his three badass warrior daughters and his dear albeit mischievous dude-in-waiting Semmi (Arsenio Hall). But when dying, nearly expired King Jaffe Joffer (James Earl Jones) reiterates that Akeem’s eldest daughter, Princess Meeka (KiKi Layne, Beale Street! Beale Street!) will not be eligible to inherit the throne because she is a woman, Akeem and Semmi return to Queens to find Akeem’s long-lost bastard son, Lavelle Junson (Jermaine Fowler). Of course, hijinks ensue along the way. Semmi and Akeem must fumble around a new New York stuffed less with mustard-colored cabs and more with rideshares. They become acquainted with an increasingly gentrified Queens, visit some familiar friends and meet new members of Akeem’s extended family as they court Lavelle. This film’s greater comedic elements come from these familiar moments of cross-cultural tension and new intergenerational differences. Coming 2 America is a deeply fun, goofy, incredibly cast Blackity-Black movie. Viewers be warned of the emotional whiplash they might receive from the returning likes of James Earl Jones and John Amos, as well as the steady stream of Black artists and icons from across the diaspora who make surprise appearances in the film. Coming 2 America achieves exactly what an effective sequel should: It reinforces themes from the original film while offering new, intriguing points of tension, nodding to old gags in a way that rewards fluent fans without alienating newbies.—Adesola Thomas 12. The Suicide Squad
How is James Gunn one of the only people that actually seems to know how to make a comic book movie feel like it was built out of a comic book? Sure, the excellent Spider-Man: Into the Spider-Verse did it, but it took making one of the most impressive animated movies in years. Writer/director Gunn, who’s hopped over to DC after making a pair of Guardians of the Galaxy movies for Marvel, achieves some of the same delirious multimedia fidelity in live-action with The Suicide Squad, his bombastic, silly and self-aware revisionist take on the super-group of screw-ups coerced into jobs too tough, dangerous and/or undesirable for the conventional wetworkers of our humble government. Gunn’s action has such a clear and confident tone that it can pepper in filmmaking winks—like quick Bourne-like zooms when Task Force X director Amanda Waller (Viola Davis) plays God with the lives of costumed crooks from the safety of her command center—to add a little more visual flavor to its already over-the-top, R-rated, downright enjoyable adaptation. Part of the joke is the sheer quantity of goofball Legion of Doom rejects shoved into the mix. Sure, you’ve got the familiarly chaotic clown-about-town Harley Quinn (Margot Robbie, who’s by now thoroughly made the role her own), Captain Boomerang (Jai Courtney) and straight-laced military man Rick Flag (Joel Kinnaman) alongside the new A-listers (John Cena’s Captain America pastiche, Peacemaker; Idris Elba’s gruff sharpshooter Bloodsport). But there’s a Golden Corral buffet of questionable riffraff introduced as well, including but not limited to: King Shark (Sylvester Stallone, channeling a dumber and hungrier Groot), Polka-Dot Man (David Dastmalchian), Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), Blackguard (Pete Davidson) and a human-sized weasel (Sean Gunn). They’re all distinct and most of them are distinctly, joyfully hateable. And over the course of The Suicide Squad’s solid tropical island action movie—one that’s politics are almost as sharply cynical as its true-to-source treatment of its protagonistic supervillains—Gunn isn’t afraid to dole out the kind of consequences that have mostly been relegated to the fun-poking, franchise-flouting realms of TV superhero meta-critiques like The Boys and Invincible. These aren’t unfamiliar to Suicide Squad readers, but they’re increasingly shocking, strange and bracing (not to mention fun!) to find in AAA studio movies. As the team moves from FUBAR beach operations on Corto Maltese to sabotaging its local lab’s super-science, actual tension develops—a rarity among The Suicide Squad’s contemporaries. Whatever power its additional The gave it couldn’t completely divorce it from some expected genre limitations, but it’s helped continue and solidify the way Warner Bros. is responding to Marvel’s utter dominance of the form: Not by getting more serious, but by seriously investing in the idiosyncrasies of its comics.—Jacob Oller 11. Bad Trip
What’s most distinguishable about Bad Trip is the way that it depicts the public which it interacts with. The film never aims to humiliate or dehumanize its subjects—instead of being disparaged or mocked in the name of comedy, bystanders are portrayed as more of a righteous tribunal than mere crabs in a barrel. The reprehensible behavior showcased always stems from Andre, Haddish or Howery, with spectators taking it upon themselves to moralize and attempt to salvage any remaining shred of the incognito actors’ perceived dignity—perhaps all too perfectly exemplified in a scene with a parking lot Army recruiter who civilly declines Andre’s offer of a blowjob in exchange for execution during a profound period of hopelessness. This ability to invoke public reaction—with no rubric for hardline emotions that the actors must elicit—is what allows the fabric of Bad Trip’s humor to shine through. With the professional actors shouldering the burden of both maintaining character for the benefit of the film’s overarching narrative as well as ensuring that the orchestrated gags play perfectly, the public’s only obligation is reacting genuinely, whether that be expressing anger, frustration, disdain or bewilderment. It’s this spectrum of varied emotion that is woven into the very fabric of the film, giving it an overtly genuine tone. At times it is even surprisingly heartwarming, with good samaritans stepping in to talk characters off of ledges and break up public quarrels.—Natalia Keogan 10. The Paper Tigers
When you’re a martial artist and your master dies under mysterious circumstances, you avenge their death. It’s what you do. It doesn’t matter if you’re a young man or if you’re firmly living that middle-aged life. Your teacher’s suspicious passing can’t go unanswered. So you grab your fellow disciples, put on your knee brace, pack a jar of IcyHot and a few Ibuprofen, and you put your nose to the ground looking for clues and for the culprit, even as your soft, sapped muscles cry out for a breather. That’s The Paper Tigers in short, a martial arts film from Bao Tran about the distance put between three men and their past glories by the rigors of their 40s. It’s about good old fashioned ass-whooping too, because a martial arts movie without ass-whoopings isn’t much of a movie at all. But Tran balances the meat of the genre (fight scenes) with potatoes (drama) plus a healthy dollop of spice (comedy), to similar effect as Stephen Chow in his own kung fu pastiches, a la Kung Fu Hustle and Shaolin Soccer, the latter being The Paper Tigers’ spiritual kin. Tran’s use of close-up cuts in his fight scenes helps give every punch and kick real impact. Amazing how showing the actor’s reactions to taking a fist to the face suddenly gives the action feeling and gravity, which in turn give the movie meaning to buttress its crowd-pleasing qualities. We need more movies like The Paper Tigers, movies that understand the joy of a well-orchestrated fight (and for that matter how to orchestrate a fight well), that celebrate the “art” in “martial arts” and that know how to make a bum knee into a killer running gag. The realness Tran weaves into his story is welcome, but the smart filmmaking is what makes The Paper Tigers a delight from start to finish.—Andy Crump 9. The Mitchells vs. the Machines
Animated generational divides have never been more like a sci-fi carnival than in The Mitchells vs. the Machines. Writer/director Mike Rianda’s feature debut (he and co-writer/director Jeff Rowe made their bones on the excellently spooky, silly show Gravity Falls) is equal parts absurd, endearing and terrifying. It’s easy to feel as lost or overwhelmed by the flashing lights and exhilarating sights as the central family fighting on one side of the title’s grudge match, but it’s equally easy to come away with the exhausted glee of a long, weary theme park outing’s aftermath. Its genre-embedded family bursts through every messy, jam-packed frame like they’re trying to escape (they often are), and in the process create the most energetic, endearing animated comedy so far this year. And its premise begins so humbly. Filmmaker and animator Katie (Abbi Jacobson) is leaving home for college and, to get there, has to go on a road trip with her family: Rick (Danny McBride), her Luddite outdoorsy dad; Linda (Maya Rudolph), her peacemaking mom; and Aaron (Rianda), her dino-freak little brother. You might be able to guess that Katie and her dad don’t always see eye-to-eye, even when Katie’s eyes aren’t glued to her phone or laptop. That technocriticism, where “screen time” is a dirty phrase and the stick-shifting, cabin-building father figure wants his family to experience the real world, could be as hacky as the twelfth season of a Tim Allen sitcom. The Mitchells vs. the Machines escapes that danger not only through some intentional nuance in its writing, but also some big ol’ anti-nuance: Partway through the trip, the evil tech companies screw up and phone-grown robots decide to shoot all the humans into space. This movie needed something this narratively large to support its gloriously kitchen-sink visuals. The Sony film uses some of the same tech that made Spider-Man: Into the Spiderverse look so crisp and unique, adding comicky shading to its expressive CG. In fact, once some of the more freaky setpieces take off, you wouldn’t be surprised to see Miles Morales swing in to save the day. The Mitchells vs. the Machines’ spin on the Spidey aesthetic comes from meme and movie-obsessed Katie, whose imagination often breaks through into the real world and whose bizarre, neon and filter-ridden sketchbook doodles ornament the film’s already exciting palette with explosive oddity. This unique and savvy style meshes well with The Mitchells vs. the Machines’ wonderfully timed slapstick, crashing and smashing with an unexpected violence, balanced out with one truly dorky pug and plenty of visual asides poking fun at whatever happens to be going on.—Jacob Oller 8. Plan B
The meeting of past and present is on full display in Plan B which puts a new spin on one of the tried and true plots of the genre—the road trip. Sunny (Kuhoo Verma) is a responsible student trying to do everything right. Her best friend Lupe (Victoria Moroles) seems to walk more on the wild side, but it’s really just bravado hiding some inner insecurity. When Sunny’s mom Rosie (Jolly Abraham) goes out of town for a real estate convention, Lupe convinces Sunny to throw a party to get the attention of Hunter (Michael Provost). “Who plays hockey in a cardigan? He’s like an athletic librarian,” Sunny sighs. But after one too many shots of some very questionable alcoholic punch (pickle juice is involved), Sunny has sex for the first time with the super religious and super geeky Kyle (Mason Cook from the late, great TV series Speechless). The next morning, to her horror, Sunny discovers the condom and its contents have been inside her all night long. The quest for the Plan B pill begins. All films require a willing suspension of disbelief and Plan B does need its viewers to not ask too many questions. Suffice to say a lot of Sunny and Lupe’s problems could have been solved by a simple Google search on their phones. But once you set aside any lingering doubts, the movie is a delight. That’s in large part due to first-time director Natalie Morales. Morales, known for her roles on Parks & Recreation, The Middleman and Dead to Me, clearly understands these characters and the emotional angst of high school. Perhaps because Morales is an actress herself, she’s even more conscious of ensuring that the female leads are treated with the respect they deserve.—Amy Amatangelo 7. Together Together
Together Together is an amiable, successfully awkward surrogacy dramedy that also has the respectable distinction of being a TERF’s worst nightmare. That’s only one of the tiny aspects of writer/director Nikole Beckwith’s second feature, but the gentle tapestry of intimacy among strangers who, for a short time, desperately need each other certainly benefits from the meta-text of comedian and internet terror Patti Harrison’s multi-layered starring performance. Stuffed with bombastic bit parts from a roster of recent television’s greatest comedic talents and casually incisive dialogue that lays waste to media empires and preconceptions of women’s autonomy alike, the film is an unexpected, welcome antidote to emotional isolation and toxic masculinity that meanders in and out of life lessons at a pleasingly inefficient clip. That the tale of fatherhood and friendship is told through the sparkling chemistry of a rising trans star and her entrenched, anxious straight man (an endearing Ed Helms) only adds to Together Together’s slight magic.—Shayna Maci Warner 6. The Beta Test
Jim Cummings tends to play men who refuse to lose control. His characters feel similar, but then so do many white, cisgender, heterosexual, elder millennial men—unable to wield power over their domain, they flail belligerently through these, their End Times. They find closure in slapping around a corpse (Thunder Road), or they turn to folklore and cryptozoology to explain a world they no longer understand at all (The Wolf of Snow Hollow). Everything is terrifying, everyone is watching, and the least noble thing any of them can do as the teeth rot from their mouths is rage against a universe that no longer wants them. So that’s what they do. In The Beta Test, his first feature with co-director/-writer PJ McCabe, Cummings is Jordan Hines, a Hollywood agent facing extinction. As talent agencies battle the Writers Guild of America over “packaging deals” and his whole career’s culture shifts out from under him, Jordan receives a handsome purple invitation in the mail promising a “no-strings attached sexual encounter with an admirer at The Royal Hotel.” His marriage to Caroline (Virginia Newcomb) looms—as do all things in the white millennial man’s life—and, as he’s fit and attractive and not uncommonly met by temptation in public, he can’t help but fantasize about whatever validation the purple letter offers. Are his fantasies even “OK” anymore? Why does no one seem to care when Raymond (Wilky Lau), a potential big international client, aggressively grabs Jordan’s crotch at a party? A white millennial man cornered by obsolescence—or worse, an obsolescence no one gives much of a shit about—will scratch and whine for scraps of satisfaction. Just any iota that someone gives about what he wants—that he matters. As an excoriation of masculinity, there isn’t much to The Beta Test that Cummings hasn’t explored before, and the long takes and bravura monologues that initially defined his voice as a filmmaker appear here, though more sublimated into the fabric of the film than in any previous feature. And his handle on genre remains deft but slippery. The Beta Test is an erotic thriller as devotedly as it’s a satire and an upsetting glimpse of a very specific dying breed of tinseltown phony. Which is much funnier than it sounds. Because everyone is watching and everything is terrifying. The Beta Test never attempts to refute how lame Jordan is, how ineffectually he inhabits this plane of existence, how much of a baby he is, how unhelpful he will be as the planet devolves into the kind of chaos where violence and oblivion just occur in the background. The film just celebrates Jordan’s delusions as exactly what they are: The only way to cope with a universe that no longer wants people like him around anymore.—Dom Sinacola 5. On-Gaku: Our Sound
Being a teenager in a suburban town can be excruciatingly boring. With no variety in routine, everything feels useless. But then, sometimes, something appears that banishes that monotony and breathes excitement into an otherwise dull existence. That discovery can be revelatory; life can suddenly have purpose. In the case of the trio of delinquents in Kenji Iwaisawa’s incredible debut feature, the animated On-Gaku: Our Sound, they discover the catharsis and power of music. On-Gaku: Our Sound is writer/director Iwaisawa’s love letter both to the power of music and to the manga of the same name by Hiroyuki Ohashi. As the film progresses through its musical numbers, Iwaisawa experiments with form (like expressive rotoscoping) as certain songs evoke different emotions from his characters, whether it is a kindly folk song or a primitive-feeling rocker that reverberates in a listener’s chest. In contrast to the visual style, the phenomenal deadpan comedic delivery is reminiscent of American animated comedies of the ‘90s like Beavis and Butthead or King of the Hill. Kenji in particular embodies that tone, through both line delivery by Japanese rock legend Shintarô Sakamoto and a design that includes an unrelenting stare, thin mustache that zigzags across his upper lip and shiny, bald head. Despite being a high school student, Sakamoto’s grizzled voice gives Kenji the vibe of a tired old man who has seen everything, when really he’s just a bored teenager who smokes too many cigarettes and watches too much TV. Iwaisawa’s own passion fills the chilled-out slacker comedy with a lot of heart and a gorgeous variety of animation styles.—Mary Beth McAndrews 4. The French Dispatch
As was the case with 2014’s The Grand Budapest Hotel, The French Dispatch is a story within a story—or, in this case, multiple stories within a story, and there are stories within those stories as well. Wes Anderson remains a creative force to be reckoned with. Frequently rebuked by naysayers for his commitment to his finely-tuned, “quirky” filmmaking style, The French Dispatch proves he is more interested than anything in how to play around with the medium of film and find new ways to tell his stories. Here, he challenges himself to a far more intricate means of storytelling, which is occasionally convoluted but fosters an eagerness to return to the film—to revisit and discover something new. Additionally, he trades previous forays in stop-motion animation for an extended 2D animated chase scene, and even briefly swaps his prototypically stationary, symmetrical camerawork for a dinner table sequence in which the camera slowly revolves around the seated characters, creating a novel and striking dimensionality to his cinematography. Timothée Chalamet, Jeffrey Wright and Benicio del Toro, in their respective first collaborations with the director, could not have been more perfectly attuned to Anderson’s highly specified wavelength. Even minor roles from new Anderson inductees like Elisabeth Moss, Henry Winkler, Christoph Waltz and Rupert Friend are, as could be expected from a perfectionist like Anderson, a snug fit. The precision with which Anderson once effortlessly deployed anguish, familial strife, love, insecurity and, perhaps above all, loss, within his carefully constructed signature filmmaking is largely absent from his newest endeavor. The various storytelling gimmicks take center stage, while the characters are forced into the back seat. The film becomes a wry showcase for the director’s evolution as a creative who has been refining an unparalleled style for over two decades, with a sharper humor but without the more deeply felt pulse of films like The Darjeeling Limited, Fantastic Mr. Fox or most recently, and most effectively, The Grand Budapest Hotel. Still, it’s not to say that The French Dispatch’s bones are absent of any meat at all. “What happens next?” ends up a proportional sentiment to that of the film’s titular publication, the disappearing town it’s set in and the overall theme within Wes Anderson’s tenth feature: The eternal battle between art and capital. The question of “What happens next?” is less an inquiry as to the future of a shuttered, fictitious publication than a worrying, real-life prophecy, and The French Dispatch acts as a dialogue with this fear of the future of art. In this respect, it’s hard to argue that this latent dissolution of character depth is a net negative, when Anderson is clearly interested in, more than anything, growing and evolving as an artist.—Brianna Zigler 3. Zola
A'ziah Hồi Zola, King King cực kỳ tweet của King, hay là câu chuyện hay còn gọi là Thotessy hay còn gọi là vô địa của Dante , có tất cả. Nó rất vui nhộn và đáng lo ngại, với các nhân vật cao quý, nguy hiểm và thảm hại, gây nguy hiểm, trong khi khuyến khích sự tham gia và khán giả của chúng tôi. Câu chuyện truyền thông xã hội cũng là một chuyên luận về cách kể chuyện. Nó đã được tô điểm, xóa và đăng lại sau khi bộ phim hài đen tối vốn có trong sự thật hấp dẫn đã được mài giũa cho một khán giả, một bài thơ sử thi đang phát triển, được hiện đại hóa công nghệ. Đương nhiên, nhà văn/đạo diễn Janicza Bravo đã cắt bỏ công việc của mình cho cô ấy khi biến cuối tuần sành điệu và ác mộng thành một bộ phim. Nhưng cô ấy trả lời bằng hiện vật, thêm vào các tinh chỉnh và kể lại của riêng mình để nâng cao câu chuyện ngụ ngôn. Zola duy trì ma thuật hấp dẫn của nguồn, biến chúng tôi từ những người tham gia cao su sang người tham gia chính tả cho chuyến đi điện ảnh hoang dã nhất của năm. Trong tay ít khả năng hơn, Zola có thể là một bộ phim về sự mê hoặc của bệnh hoạn. Nhưng Bravo, người đã điều chỉnh tính năng năm thứ hai của mình cùng với Jeremy O. Harris, nắm lấy sự tự phát của sự rung cảm của sự rung cảm trong khi đắm mình trong nhân loại của những người tham gia. Chúng tôi hiếm khi nhìn vào họ, như có thể xảy ra trong cảnh tượng Floridian nhếch nhác của những người phá vỡ mùa xuân, nhưng đi qua nó với họ. Đôi khi điều đó có nghĩa là đồng cảm với Zola (Taylour Paige) và Stefani (Riley Keough) khi họ cảm thấy mình, chụp ảnh tự sướng trong phòng thay đồ câu lạc bộ thoát y. Đôi khi, điều đó có nghĩa là cười khúc khích khi bạn trai của Stefani, Derek (Nicholas Braun, người mà Schtick khổng lồ không biết gì có được một chiếc áo sơn bị truy nã nhất Malibu) khoe khoang với một người lạ trong một cửa hàng rượu trống mà họ đã làm trong thị trấn. Nhưng Shmoney ain Viking cho Nothin, và những chú gà con này miễn phí, khi những ngày tiếp theo xoắn ốc từ một chuyến đi dải đơn giản đến một vụ va chạm lộn xộn giữa các kền kền văn hóa, những kẻ buôn bán tình dục và một mong muốn ngày càng tăng để có được địa ngục về nhà. Zola tiếp tục sự phát triển của câu chuyện cổ tích của câu chuyện King, truyền lại văn bản phong phú với cùng một tinh thần thái quá, một mức độ tôn trọng hầu hết các bản chuyển thể chỉ khao khát. 2. Tên lửa đỏ
Một làn sóng hoài cổ đầu tiên của Aughts ngay lập tức bão hòa Red Rocket, Sean Baker, khám phá mới nhất của Echt-Americana, bằng cách của NSYNC, Eternal Eternal Hit Hit Bye Bye Bye, Hồi mà Blares khi Mikey Saber (Simon Rex) từ bỏ một chiếc xe buýt đến Texas Hometown. Thật không may cho Mikey, làn sóng này là cùng một lần rửa anh ta ở đây. Sau khi rời khỏi thị trấn nhỏ ở Vùng Vịnh của mình để theo đuổi bộ phim người lớn diễn xuất ở Los Angeles 20 năm trước, sự trở lại của anh về cơ bản là thừa nhận thất bại. Nhưng Mikey xuất hiện bất cứ điều gì ngoài sự phấn khích, một mùa xuân trong bước của anh ta khi anh ta đi qua những con đường hoang vắng bất chấp vị trí bấp bênh của anh ta. Được miêu tả bằng sự beguiling (mặc dù đôi khi không đồng ý) bởi Rex, Mikey là trung tâm của nghiên cứu nhân vật phức tạp nhất của Baker cho đến nay, trong khi duy trì sự tập trung của đạo diễn vào động lực sức mạnh, sự vỡ mộng của Mỹ và những người ở bên lề xã hội (mặc dù có thêm Không khí của sự mơ hồ đạo đức hấp dẫn). Không có phương tiện để đảm bảo công việc trung thực hoặc kiểm tra thất nghiệp bằng tiền mặt với tư cách là một cư dân ngoài tiểu bang, Mikey rơi vào hợp đồng bán cỏ dại cũ của mình cho nhà cung cấp địa phương Leondria (Judy Hill), người cũng bị cản trở không kém khi trở về. Gần như cố thủ trong một thời kỳ hồi quy, Mikey trở nên say mê với một nhân viên thu ngân 17 tuổi tại hố bánh rán tên Strawberry (Suzanna Son) đã đưa anh ta ra khỏi kế hoạch để khơi dậy mối quan hệ của anh ta với vợ, thay vào đó là để sử dụng Cô gái trẻ như vé của anh trở lại ngành công nghiệp tình dục. Mặc dù mô tả này giúp bạn dễ dàng viết ra Mikey như một người leo núi nhếch nhác không thể tha thứ, Rex mang đến một không khí không thể xuyên thủng của Himboism cho vai trò khiến cho việc hoàn toàn không thể ghét Mikey, một biểu hiện biểu diễn của tài năng không thể xóa nhòa của Rex. Lỗ hổng của nam diễn viên khi nói đến việc tiết lộ một sự nhạy cảm của showbiz không biết xấu hổ trong khi mang da (trước) bị kết nối chặt chẽ với bộ phim người lớn của chính Rex, quá khứ và tích hợp vào phần tiếp theo của bộ phim VJ-Stardom và đáng sợ. Nó thấm nhuần bộ phim với kiểu người hiện thực theo phong cách Docu không ngừng cố gắng, chỉ lần này chọn mô tả một cá nhân đứng, vượt qua và bóp méo vị trí quyền lực của chính mình. Bằng cách hài hước thẳng thắn, một màn trình diễn từ tính từ Rex và Baker, sự chú ý cẩn thận về tính xác thực, Red Rocket là một hồ sơ thông cảm của một ngôi sao khiêu dâm vượt qua thời kỳ đỉnh cao của anh ta. Bất chấp bản chất nhếch nhác của mình, Mikey Saber là một nhân vật mê hoặc với niềm tự hào (và đặc quyền tương đối) che chở anh ta khỏi sự hỗn loạn tương đối của môi trường xung quanh, cả trên các máy bay siêu âm và quốc gia. Tuy nhiên, Mikey rất vui nhộn và chân thành bởi những thiếu sót của anh ấy: Đôi khi, những người không thể tranh cãi là những người hài hước nhất, ngọt ngào nhất và quyến rũ nhất ngoài kia. 1. Shiva Baby
Thật khó chịu và vui nhộn một cách tuyệt vời, Emma Seligman, Baby Shiva đã vượt qua một ranh giới giữa hài kịch và kinh dị phù hợp hoàn hảo với tiền đề của nó và cảm thấy ngay lập tức trong bước với nhân vật chính của nó, Danielle ở độ tuổi đại học. Được chơi bởi nữ diễn viên/diễn viên hài Rachel Sennott, hoàng gia Mill Years lộn xộn nhờ vào sự nhạy cảm của truyện tranh cực kỳ trực tuyến của cô, Danielle lần đầu tiên nhìn thoáng qua Mid-tryst, một cơn cực khoái không thuyết phục kết thúc cuộc nói chuyện bẩn thỉu của cô ( thu thập một khoản tiền mặt từ Max cũ (Daniel Deferrari). Mặc dù đó là giao dịch, vì bất kỳ mối quan hệ đường nào cũng có xu hướng, Danielle dường như cởi mở khi thảo luận về khát vọng nghề nghiệp mơ hồ của cô với Max, và anh cho cô một chiếc vòng tay đắt tiền Từ việc quá thoải mái. Như vậy, đó là một lời trêu chọc thông minh về những gì sắp xảy ra, khi Danielle Schleps từ căn hộ của Max để gặp cha mẹ cô, Debbie (Polly Draper) và Joel (Fred Melamed, một cách tự nhiên), và ngồi Shiva trong nhà của một người bạn của gia đình hoặc quan hệ. Rằng Danielle, không rõ ràng về việc ai đã chết chính xác là một trò đùa định kỳ, và một trò đùa liên tục, nhưng có rất ít thời gian để tìm ra các chi tiết trước khi cô ấy lao vào sự kiện: một bãi mìn mất phương hướng của những cuộc nói chuyện nhỏ, nụ cười mỏng manh và tự phục vụ. Bạn không phải là người Do Thái để đánh giá cao sự lo lắng cao và hài hước của bộ phim Seligman, mặc dù nó có ích. Bên dưới tất cả các cú đấm của người Do Thái tốt nhất là một sự thừa nhận mệt mỏi về sự đau khổ không thể tránh khỏi; Anh em nhà Coen biết điều này trong việc tạo ra một người đàn ông nghiêm túc, cuộc bạo loạn của họ kể lại cuốn sách công việc, và Seligman biết điều đó ở Shiva Baby. Rằng cao trào liên quan đến kính tan vỡ, nước mắt bất lực và một vài sự sỉ nhục hơn Ai là bộ phim hài hay nhất 2022?10 bộ phim hài hay nhất năm 2022, được xếp hạng.. H Focus P Focus 2. (Disney Plus). Chú chó. (Thống nhất nghệ sĩ) .... Trọng lượng không thể chịu đựng được của tài năng lớn. (Lionsgate) .... Thành phố bị mất tích. (Hình ảnh Paramount) .... Bros. (Hình ảnh phổ quát) .... Những kẻ xấu. (Hình ảnh phổ quát) ... . Minions: Sự trỗi dậy của Gru. (Hình ảnh phổ quát) ... . Tinh thần. (Apple Studios) .... Bộ phim hài số 1 ở Ấn Độ là ai?21 Phim hài Bollywood hay nhất theo xếp hạng IMDB của họ.. 3 IDIOTS (2009) Xếp hạng IMDB: 8.4/10. .... Munna Bhai M.B.B.S. (2003) Xếp hạng IMDB: 8.1/10. .... Hera Pheri (2000) Xếp hạng IMDB: 8.1/10. .... OMG: Ôi Chúa ơi! (2012) .... Lage Raho, Munna Bhai (2006) Xếp hạng IMDB: 8/10. .... Trung bình Hindi (2017) .... Nhà tài trợ Vicky (2012) .... Pyaar Ka Punchnama (2011). Bộ phim hài hước nhất trên Netflix hôm nay là gì?Austin Powers: Người đàn ông quốc tế của bí ẩn.. Ocean's Eleven.Xem trên Netflix .. Các bạn khác, các người khác.Xem trên Netflix .. Dứa Express.Xem trên Netflix .. Xin lỗi đã làm phiền bạn.Xem trên Netflix .. Suy nghĩ như một người đàn ông.Xem trên Netflix .. Lên trong không khí.Xem trên Netflix .. Kì nghỉ.Xem trên Netflix .. Khi Harry gặp Sally, hãy xem trên Netflix .. Những bộ phim hài mới nào trong rạp chiếu phim?Phim hài trong rạp chiếu phim.. Đó là Giáng sinh một lần nữa và vé ngày 29 tháng 11 năm 2022. DevotionShowTimes & Vé ngày 23 tháng 11 năm 2022. .... Társhowtimes & Vé ngày 7 tháng 10 năm 2022. Tillshowtimes & Vé ngày 28 tháng 10 năm 2022. .... Lời mời & vé ngày 26 tháng 8 năm 2022. BeastShowTimes & Vé ngày 19 tháng 8 năm 2022 .. |
